Pierre Auguste Renoir (1841-1919)
25 février 1841 dans la ville de Limoges dans le sud de la France, le quatrième enfant est né dans la famille du tailleur – un garçon nommé Pierre Auguste. Quelques années plus tard, toute la famille Renoir s'installe à Paris. Dès la petite enfance, Auguste se distinguait par d'excellentes capacités de dessin, ainsi qu'une voix magnifique.
Tableaux de Pierre Auguste Renoir
Le chef du chœur de l'église, où chantait le jeune Renoir, a même conseillé à ses parents de réfléchir à la carrière musicale de leur fils (d'ailleurs, c'était Charles Gounod, qui écrivit plus tard le célèbre opéra Faust). Mais la famille du futur artiste n'était pas riche, et son père a vu un avenir différent pour son fils - le travail prestigieux et bien rémunéré de l'artiste en Chine.
Donc, en 1854, à l'âge de treize ans, Auguste entre dans la manufacture de porcelaine. Le jeune homme aimait ce métier, il apprit rapidement et commença à peindre des tasses et des soucoupes, puis des services complets. À la fois, le jeune homme allait souvent au Louvre, où il a peint, inspiré de la sculpture et de la peinture antiques de l'artiste rococo François Boucher, qui a écrit des scènes de genre légères. Heures supplémentaires, Renoir a commencé à les copier dans des peintures sur porcelaine.
Le jeune homme gagnait beaucoup d'argent pour son âge. Pour avancer dans sa carrière, il est entré dans une usine de porcelaine, où il a commencé à peindre sous la direction d'un sculpteur et d'un collègue dans une usine de porcelaine, qui lui prédit un bel avenir dans le domaine de l'art.
Jeunesse de l'artiste
Malheureusement pour le jeune Renoir, mais heureusement pour tout le monde, le progrès technologique du XIXe siècle a été marqué par un rejet presque complet de la production manuelle. La peinture sur porcelaine a été supplantée par des dessins imprimés. Les acheteurs et les propriétaires d'ateliers étaient attirés par le fait que les équipements d'impression assuraient la production d'exactement les mêmes produits. Heures supplémentaires, la peinture à la main a cessé d'être valorisée.
Le jeune homme, désespéré au début, essayé de peindre des produits à grande vitesse, ce qui ne lui a pas valu le succès. Par conséquent, il a dû chercher d'autres revenus. Le temps est venu de l'intérim avec le développement constant de diverses techniques. Renoir a d'abord peint les éventails et les murs des cafés parisiens, puis a accidentellement obtenu un emploi en tant que maître de rideaux. D'ailleurs, il maîtrisait cette technique à la perfection et recommença à gagner beaucoup d'argent, mais l'artiste n'a pas voulu se reposer sur ses lauriers, puisque cette occupation n'était décidément pas la limite de ses rêves. Renoir a mis de côté tout l'argent qu'il a gagné pour un nouveau rêve – peindre dans une école spéciale de l'Académie des arts.
Fin 1862, Auguste Renoir exauce son désir et entre à l'École des Beaux-Arts de Paris. Là, il se retrouve dans l'atelier de l'artiste Charles Gleyre, adhérant au style académique. Le jeune homme avait déjà une expérience considérable, mais suivit consciencieusement toutes les classes et étudia le dessin académique. Cependant, Glair n'a pas immédiatement aimé la façon dont Renoir travaillait avec la couleur:même alors, l'artiste utilisait des couleurs vives juteuses, ce qui n'était pas bien accueilli dans le milieu universitaire. Une fois que, l'enseignant a même exprimé ses craintes que son élève épris de liberté ne devienne pas le deuxième Delacroix - le principal représentant du romantisme français, qui a magnifiquement travaillé la couleur et est une véritable idole de Renoir, mais qui, aux yeux des artistes universitaires, est un ancien "apostat". Auguste n'était pas le seul jeune artiste de l'atelier de Gleur, qui a essayé de se rebeller contre la manière académique et de trouver sa propre nouvelle voie. Très vite, il se lie d'amitié avec Claude Pug, Alfred Sisley et Frédéric Bazil, qui avait des vues très proches sur la peinture et a discuté avec véhémence les possibilités de sa renaissance, par lequel ils ont compris la libération des chaînes de l'académisme. Un peu plus tard, Camille Pissarro les rejoint.
La formation n'a pas duré longtemps, seulement un an plus tard, Renoir est contraint de quitter l'école de peinture, car il ne pouvait plus payer. Il remplace les cours en atelier par des travaux en plein air, avec ses nouveaux amis, qui bientôt ont également terminé de manière inattendue leur éducation artistique en raison de la fermeture de l'atelier. Tous les camarades de Renoir étaient similaires non seulement dans leur désir de changer le monde de l'art, mais aussi en ce qu'ils pouvaient à peine trouver des moyens de se nourrir et des matériaux de travail.
En 1866, Renoir a écrit une de ses premières natures mortes, « Nature morte avec un grand vase de fleurs » (Vogt Museum of Art, Cambridge), écrit dans le style des natures mortes hollandaises et donnant une impression joyeuse avec ses couleurs vives mais délicates et en même temps riches. La même année, il crée le tableau « Inn of Anthony’s Inn » (1866, Musée national, Stockholm). Contrairement aux natures mortes fleuries, la palette de couleurs de cette œuvre est plutôt sombre, avec une dominante noire. L'expressivité visuelle est basée sur le contraste :les costumes noirs des visiteurs de la taverne mettent en valeur les nappes blanches comme neige sur la table, et contrastent aussi fortement avec les points lumineux des cols blancs, le tablier de la servante, le chapeau clair à larges bords de l'un des héros et le chien blanc couché sous ses pieds.
L'œuvre démontre avec éclat l'habileté et les principes de Renoir dans la construction d'une composition à l'aide de la couleur :une nappe blanche comme neige est enfermée dans un anneau composé de figures noires, qui sont empêchés de se fondre dans la masse générale en intercalant des accessoires blancs. L'application de taches blanches littéralement « en damier » donne une harmonie particulière à la répartition des couleurs. Le tableau caractérise l'artiste comme un merveilleux portraitiste et un magnifique maître de la nature morte :toute la mise en place de la table a été réalisée avec une grande habileté, les restes de nourriture et d'ustensiles sont exceptionnellement réalistes.
Un an plus tard, l'artiste peint un portrait de sa petite amie bien-aimée Lisa Treo, que Renoir a rencontré pendant plus de sept ans, mais jamais marié. À la fin, Lisa a rompu leur relation et, quelques mois plus tard, épousé un jeune architecte.
Néanmoins, le tableau "Lisa" (1867, le musée de Folkwang, Essen) a été acceptée pour la participation au Salon de 1868, où il a été positivement apprécié par le public, ce qui fut un grand succès pour l'artiste encore inconnu. Sur la photo, la fille est représentée en pleine croissance, Elle est vêtue d'une robe blanche, ombragé par une large ceinture noire et un parapluie noir du soleil. La robe légère de la fille semble inondée de soleil éclatant, et des reflets de lumière jouent sur les épaules et le visage de l'héroïne, recouvert d'un parapluie. Ce délicat jeu en noir et blanc se poursuit sur le tronc d'un bouleau, qui est derrière le dos de Lisa et sur l'herbe à ses pieds, où des ombres sombres bordent nettement les zones ensoleillées.
En 1867, Renoir a créé un autre tableau, pour lequel Lisa Treo a posé pour « Diana the Huntress » (National Gallery of Art, Washington). En raison des principes moraux de l'époque, l'artiste ne pouvait pas représenter une femme moderne nue, alors il mit un arc de chasse dans ses mains et donna à l'image un nom mythologique, qui donnait à son œuvre le droit à l'existence officielle, tout en évitant le scandale provoqué par le tableau de 1863 "Petit déjeuner sur l'herbe" "Eduard Manet.
L'artiste, qui s'intéressait vivement au genre du portrait, écrivait souvent à ses amis impressionnistes, les représenter dans une atmosphère familière lors d'activités quotidiennes, combinant ainsi le portrait avec la peinture de genre et créant des sources documentaires nous racontant la vie de ces personnes.
Le tableau « Portrait de Frédéric Bazil » (1867, Musée d'Orsay, Paris) nous montre un jeune Bazil occupé, bien sûr, La peinture. L'artiste, tourné vers le spectateur de profil, est concentré sur son travail. Stylistiquement, le travail de sourire narquois étonnamment fluide, en partie à cause de la palette de couleurs presque monochrome. Il ressemble à une photographie élaborée en noir et blanc dans laquelle les volumes sont modelés en clair-obscur. Un an plus tard, Renoir crée une paire de "Portrait d'Alfred Sisley avec sa femme" (1868, Musée Wallraf-Richartz, Eau de Cologne). Sur la toile, on voit à quel point Sisley est mis en valeur auprès de sa jeune épouse. Toute sa posture exprime sa disponibilité à servir, soutenir et aider une femme, ainsi que son amour et sa tendresse pour elle. Le jeune couple représenté sur la toile, comme si respire la lumière du bonheur et de l'amour.
uvre de Renoir « Femme algérienne » (1870, Galerie nationale d'art, Washington) était un hommage pour le plus grand plaisir d'Eugène Delacroix. Dedans, l'artiste a représenté sa Lisa à l'image d'une odalisque, un brillant, femme orientale luxueuse, allongé langoureusement sur des oreillers, vêtue de robes magnifiques et se faisant signe. Sur cette toile, Renoir semble se délecter de la couleur. La figure d'une héroïne allongée occupe presque tout l'espace de la toile, il semble que la photo manque d'air.
Engagement pour l'impressionnisme
Auguste Renoir a assez souvent collaboré avec un autre éminent représentant des jeunes impressionnistes, Claude Monet. Artistes peints de la même nature, lumière et ombre observées dans la nature, et étudié les possibilités de la palette dans la transmission de ces effets. Un exemple de leur union est les célèbres peintures "Frogs" - des peintures peintes non seulement d'une nature, mais aussi nommé le même. L'intrigue des peintures est simple - un café flottant avec un public amusant sur fond de bateaux en bois attendant leurs passagers.
Renoir, optimiste de nature, à travers tout son travail a porté l'amour d'afficher la fête de la vie, messieurs et messieurs en train de danser ou de se reposer. L'artiste a essayé de ne pas prêter attention au côté obscur de la vie, il croyait sincèrement que l'art devait donner aux gens de merveilleux moments de plaisir, et ne pas remplir le rôle d'édification ou d'enseignement ennuyeux.
Le Renoir "La Grenouille" (1869, le Musée national, Stockholm) à première vue ressemble à un croquis, mais pas du tout un travail fini, le recadrage de la scène est comme aléatoire. Dans une certaine mesure, c'était ainsi, la scène est représentée exactement telle que l'artiste l'a vue, sans une composition réfléchie sophistiquée, équilibrer les plans et les perspectives de construction.
L'artiste a poursuivi un objectif complètement différent - capturer et transmettre l'atmosphère de plaisir et d'insouciance par une chaude journée d'été, pour capter les reflets de la lumière sur l'eau, réflexes solaires sur les robes des dames (bien que ces dames puissent être qualifiées d'étirées :la plupart des héroïnes de la photo sont des demoiselles faciles à commander, habitant d'un café à la réputation douteuse). Travailler avec la nature vivante nécessitait de peindre en très peu de temps, donc, Renoir et Monet ont travaillé dans une technique d'écriture spéciale - avec de larges, coups rapides, indiquant seulement les chiffres des personnes et décrivant les environs, mais sans perdre de temps à écrire des détails. Ce nouveau style, pour ainsi dire, la peinture non-dite n'était pas appréciée du public, et la manière artistique apparemment négligente des jeunes impressionnistes a été critiquée.
Mais c'est précisément dans la transmission des sensations fugaces de l'état de nature que réside l'essence du nouveau mouvement de la peinture. L'impressionnisme est né en plein air. Les changements constants d'éclairage étaient très importants pour ceux qui, à l'avenir, seront d'abord ironiquement et abusivement appelés impressionnistes. Ce désir inhabituel de transmettre des impressions d'un insaisissable, la réalité changeante a établi une distinction claire entre leur travail et la peinture académique "morte".
La peinture académique classique n'existait que dans le contexte d'un spectre étroit de mythologie, sujets religieux et historiques, sans reconnaître les images de l'ère moderne. C'était l'art de l'idéalisation, introduire un ordre interne artificiel et une structure claire dans tout. Objets et choses dans les natures mortes, les paysages et les portraits étaient dépeints comme idéalisés, et non tels qu'ils sont réellement vus par l'œil humain. Le rêve des impressionnistes était de redonner vie à la peinture. Jeune Renoir, après que Monet ait commencé à écrire en plein air, puisque seule une telle méthode permettait d'obtenir la transmission de la lumière naturelle du soleil, donner à l'image cette spontanéité irréversiblement perdue lorsqu'on travaille en atelier de mémoire. C'est la lumière qui devient le principal « protagoniste » de leurs peintures. Cependant, contrairement à Monet, Auguste Renoir s'intéressait plus à la figure humaine placée dans cet environnement magique de lumière qu'à la nature elle-même.
Dans un autre ouvrage, Le Pont Neuf (1872, Galerie nationale d'art, Washington), Renoir nous apparaît comme un maître virtuose du Vedut (paysage urbain), prêt à rédiger soigneusement les détails architecturaux et à construire minutieusement une perspective. Il existe déjà un style d'écriture plus fluide, et la construction des volumes se fait à l'aide de lignes, un dessin auxiliaire. Néanmoins, le paysage urbain avec son large pont et un public se promenant est visible comme à travers une brume, tous les contours des éléments architecturaux et les figures des personnages sont dépourvus de contours clairs, toutes les lignes sont très douces. L'artiste a capturé une ville baignée de soleil et d'air imprégné de lumière.
Le portrait de son ami et collègue Monet Reads (1872, Musée Marmotin, Paris) a été réalisée par Renoir dans des couleurs sombres, le rendant presque monochrome. Néanmoins, l'image de l'ami de l'artiste s'est avérée très vivante, il montrait à Monet exactement la façon dont il le voyait lui-même tous les jours :en chapeau, avec un journal frais et une pipe à la bouche.
Renoir étudie les effets de lumière, joue les zones surlignées et ombrées du visage de Monet et les journaux dans ses mains. Diluant magistralement la couleur sombre globale de la toile avec des nuances chaudes sur les mains, le lycée au fond de la chaise, ainsi que la couleur blanche du journal. Ainsi l'artiste réalise une composition harmonieuse, construit en couleur. Le tissu du costume est presque mélangé avec un fond sombre, comme absorbé par le crépuscule environnant. C'est cet effet que le peintre cherchait à rendre l'atmosphère de la lecture tardive, en basse lumière.
Le tableau de 1872 « Portrait de la femme de Claude Monet sur le canapé » (collection particulière, Lisbonne) est devenu exceptionnellement vif et impressionnant. La jeune Camilla Monet (née Donsier) est assise sur le canapé dans une belle robe bleue, elle pose nue pour l'artiste, comme si elle se permettait de dessiner favorablement. Ici, Renoir n'essaie pas de décrire soigneusement les environs, il ne transmet qu'un sentiment de calme et de liberté de la jeune femme au foyer, qui a trouvé le temps de se reposer l'après-midi.
En vrai connaisseur de la beauté féminine, l'artiste admire ouvertement la jeunesse et la fraîcheur de l'héroïne de la toile. Comme dans un croquis, Renoir ne dessine que des accoudoirs de canapé, dont l'un repose sur Camille, et une table à thé avec une tasse posée sur le bord. Cela est dû à l'absence de motif géométrique sur le canapé et aux lignes claires qui délimitent son design, le canapé semble exceptionnellement doux. Les contours des objets sont flous, qui donne à l'atmosphère de la pièce un effet de légèreté et de légèreté extraordinaires, comme si Renoir montrait une sorte d'environnement immatériel de lumière solaire qui unit tous les objets de la pièce. Et seulement les cheveux noirs de Camilla, les sourcils et les yeux se détachent sur le fond clair général, attirer l'œil du spectateur.
Au début des années 70, Renoir a passé beaucoup de temps près de Paris, à Argenteuil, où Monet a vécu pendant cette période, les amis travaillaient souvent ensemble, l'un de leurs sujets de prédilection était les voiliers sur la Seine. Cet ouvrage est dédié à l'ouvrage "Régate près d'Argenteuil" (1874, Galerie nationale d'art, Washington). Dans la peinture, l'artiste a de nouveau utilisé le style d'écriture de contour à l'aide de quick, traits larges. Seul un tel style nous a permis de capturer le paysage, pour capturer l'état momentané de nature variable.
Le ciel dans l'image est peint d'une manière inhabituellement dynamique, avec des nuages roses déchirés, comme s'il absorbait toute la lumière du soleil. On dirait qu'il chavire dans la Seine, reflétant le motif des nuages et les voiles blanches des bateaux, qui à leur tour absorbent les réflexes de l'illumination céleste et deviennent rosâtres. Renoir peint un tableau non avec des lignes, mais avec des taches de couleur.
La composition du tableau "Chemin dans les hautes herbes" (1874, Musées d'Orsay, Paris) est très proche du paysage « Champ de coquelicots à Argenteuil » (1873, Musée d'Orsay, Paris) de Claude Monet. Auguste Renoir dépeint des gens marchant le long d'un chemin se noyant dans les hautes herbes des champs. Comme Monet, créer une sensation de mouvement, l'artiste répète les figures de personnes au sommet de la colline et à sa base.
Théâtre et Nu
Comme beaucoup d'artistes, Renoir est attiré par le théâtre. Ici vous pouvez trouver une variété de scènes pour les peintures, regarder des milliers de personnes avec leurs personnages et leurs destins, remarquez des choses curieuses et des scènes inhabituelles. Le peintre s'intéresse à la fois au public, situé dans la salle, et les comédiens, dont la vie vibrante passe de l'autre côté de la rampe.
Une des œuvres de Renoir sur la scène théâtrale – La Loge (1874, Galerie de l'Institut Curto, Londres) a été présenté par l'artiste à la première exposition impressionniste, sensationnel et raté, qui a été organisé la même 84e année dans le studio du photographe Nadar. L'image était un double portrait d'une dame et d'un monsieur qui étaient assis dans une boîte, en attendant le début du spectacle. Une femme regarde directement et calmement le spectateur, son compagnon, au contraire, s'assoit penché en arrière et cherche quelqu'un à travers les jumelles parmi la foule. La dame est un peu triste, et monsieur, il semble, complètement oublié sa présence. La figure de l'héroïne est montrée plus près du premier plan de l'image, son visage est brillamment éclairé et comme s'il cherchait à dialoguer avec le spectateur, le héros s'éloigne à la fois du spectateur et de son compagnon dans la pénombre de la boîte. L'artiste a su étonnamment simplement mettre des accents sémantiques dans la composition en utilisant le jeu d'ombre et de lumière.
L'exposition de la même exposition impressionniste a été suivie par deux autres œuvres de l'artiste:"Danseuse" (1874, Galerie nationale d'art, Washington) et « Parisien » (1874, Musée national des puits, Cardiff).
Le tableau "Danseuse" nous montre une jeune ballerine en robe bleu ciel. Elle se tient en 4ème position libre, rappelant un peu le travail d'Edgar Degas, qui a créé de nombreux tableaux sur le thème de prédilection du théâtre. Cependant, toutes les héroïnes de Degas sont capturées dans une danse ou un arc, ils n'ont jamais posé pour lui. Degas les a peints - comme les paparazzis tirent maintenant - capturés à un moment inattendu dans une perspective apparemment aléatoire, sans se focaliser sur la psychologie.
Auguste Renoir a travaillé différemment. Sur sa toile, le danseur n'est représenté ni dans la danse ni dans une image scénique, mais comme dans le rôle d'elle-même. Un rôle important dans le portrait est joué par des yeux un peu tristes et l'attractivité d'une jeune fille, son inquiétude et sa tendresse. L'image se distingue par des tons pastel et des contours doux - contrairement aux œuvres nettement définies de Degas, qui a toujours utilisé la ligne comme principal outil d'expression.
Quand il s'agit du prochain tableau du maître – « Parisien », de nombreux historiens de l'art citent les vers d'Alexander Blok, qu'il écrivit plus de trente ans après la création de la toile :
« Et chaque soir, à l'heure dite,
(Ou est-ce juste moi qui rêve ?)
Un camp de filles, capturé par les soies,
Dans une fenêtre brumeuse se déplace.
Et lentement, passant entre les ivrognes,
Toujours sans satellites, seul,
Respirer les parfums et les brumes
Elle est assise près de la fenêtre… "
Le haut du corps de la jeune femme se dessine assez clairement, tandis que la jupe légère de sa robe semble être cousue dans un tissu aérien. Ainsi l'artiste réalise l'effet favori de l'existence de la figure dans un environnement spécial de lumière-air, grâce à quoi l'héroïne semble sortir de la brume. L'attrait délicieux de l'image est obtenu par le fait que cette insaisissable Mademoiselle brumeuse est complètement ouverte au dialogue avec le spectateur.
L'année suivante, Renoir réalise son célèbre tableau « Nu au soleil » (1875, Musée d'Orsay, Paris). L'idée novatrice de l'artiste était d'écrire la nudité dans la nature, montrant comment les reflets du soleil et les réflexes des feuilles d'un arbre jouent sur sa peau délicate. L'idée n'était pas mauvaise et, de plus, vraiment impressionniste. Cependant, le résultat a provoqué un rejet brutal à la fois par les critiques et le public. Selon les canons de la peinture traditionnelle, un corps féminin nu devait être écrit idéalement, avoir mis au point une pose spectaculaire "mise en scène" du modèle, et sa peau doit être parfaitement lisse et exclusivement dans des tons chauds. Renoir, au lieu d'une peau lisse, a montré des reflets et des réflexes, que les critiques ont appelé des taches cadavériques sur le corps en décomposition.
En 1876, le peintre crée une autre toile sur ce sujet. Dans le tableau « Nu » (Musée national des beaux-arts Pouchkine, Moscou), Renoir s'est montré comme un vrai connaisseur de la beauté féminine. Il admire littéralement son modèle, comme si elle caressait son corps avec une brosse. Cette fois, il peint sa jeune peau fine parfaitement lisse et exclusivement avec des nuances de rose. Composition, l'œuvre ressemble au tableau « La Baigneuse » de Jean Auguste Dominique Ingres (1807). L'artiste reviendra plus tard chez Ingres (qui, incidemment, était un exemple pour Edgar Degas) lors de la refonte de son propre chemin créatif.
Le maître participe régulièrement aux expositions ultérieures des impressionnistes. Au troisième d'entre eux, en 1877, entre autres travaux, il présente Le Bal au Moulin de la Galette et Swing.
Le motif de balançoire était inhabituel pour la peinture française du XVIIIe siècle; En réalité, il était absent. On ne sait pas exactement ce qui a poussé Renoir à ce complot, mais il est prouvé qu'il connaissait le tableau du même nom de Fragonard, qui l'a écrit comme une « scène galante », qui a un sens caché, enfermé dans de jolies perspectives qui s'ouvrent sur le cavalier assis par terre sous les jupes se balançant au vent, se balançant dans le vent demoiselles. « Balançoires » (Musée d'Orsay, Paris) de Renoir, écrit en 1876, sont essentiellement la même « scène galante », emprunté à l'époque rococo, mais écrit sur une intrigue moderne et sans connotation frivole.
Sur la toile on voit un jeune homme debout dos au spectateur (ce qui est inacceptable dans l'art traditionnel en soi), il secoue légèrement une fille pensive qui se tient sur une balançoire en bois. A proximité se trouvent un homme et une petite fille, regardant affectueusement et avec confiance une dame. D'ailleurs, les images d'enfants occupent une page séparée dans l'ensemble de l'œuvre de l'artiste, Mais plus là-dessus plus tard.
Le tableau d'ensemble « Bal au Moulin le la Galette » (1876, Musée l'Orsay, Paris) a été peint sur la butte Montmartre à Paris, sur lequel à cette époque se trouvaient encore trois moulins en bois conservés. Dans l'un d'eux se trouvait le restaurant "Le Moulin de la Galette", célèbre pour ses délicieuses côtelettes (moulin – moulin, galette – côtelette). Le restaurant organisait régulièrement des bals, qui a réuni le public parisien le plus diversifié, parmi lesquels se trouvaient de jeunes artistes.
De tels endroits étaient idéaux pour Renoir, qui aime écrire juteux, éclat de lumière brillant, danser sur les robes de dames et les costumes de leurs messieurs. L'artiste aimait transférer sur la toile des scènes de ces fêtes de la vie et de la jeunesse insouciante, caractérisé par une atmosphère exceptionnellement joyeuse et lumineuse. Ses toiles représentant le public local sont une sorte de document de l'époque :elles ont capturé à jamais ce coin de Paris, où se divertissait la classe moyenne de l'époque. L'artiste a consacré une grande toile à une telle intrigue quotidienne qui était extrêmement inhabituelle pour l'époque.
Pendant longtemps, les tableaux de l'artiste n'étaient pas à vendre, car le public refusait de reconnaître l'impressionnisme comme art. Néanmoins, les expositions ont permis de nouer des contacts utiles. À travers eux, Renoir a reçu plusieurs bonnes commandes de portraits qui ont aidé le peintre à joindre les deux bouts. Agréable et profitable pour l'artiste fut une rencontre avec les époux Charpentier. Le fait est que Madame Charpentier avait son propre salon à Paris, où se réunissait un public intéressant :écrivains, artistes, poètes et artistes. C'est ici que Renoir rencontre l'actrice Jeanne Samari, à qui il dédia trois portraits.
Portraitiste Talent
Étonnamment écrit, vivant et lyrique « Portrait de Jeanne Samari » (1877, le musée des beaux-arts Pouchkine, Moscou) démontre l'approche non conventionnelle de l'artiste pour construire la composition. La jeune comédienne s'appuie sur son menton avec sa main, comme dans une conversation confidentielle, son regard ouvert et direct tourné directement dans les yeux de l'observateur, ainsi que l'approximation maximale de la figure au bord, crée l'effet d'un contact étroit entre l'héroïne et le spectateur. Grâce à cette pose, le portrait a un charme inexprimable et provoque beaucoup d'émotions positives.
Un an plus tard, l'artiste crée une autre toile du même nom (1878, le Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg). Dedans, Renoir écrit de nouveau à Jeanne de Samarie, mais maintenant en pleine croissance. La femme est vêtue d'une superbe robe blanche comme neige avec une traîne, parfaitement adapté à sa silhouette mince. Mais même ici, dans un portrait d'apparat, l'héroïne entre en dialogue avec le spectateur – sa pose est à nouveau dirigée vers l'avant, elle se tient légèrement penchée, sacrifier une posture fière et des épaules droites, pour le plaisir de ce contact. Son regard direct ouvert ne lâche pas l'observateur, mais ses lèvres légèrement entrouvertes l'attirent.
Dans la même année, Renoir a écrit "Portrait de Madame Charpentier avec des enfants" (Metropolitan Museum of Art, New York). La photo a été réalisée à la manière standard du "salon", clairement pour faire plaisir à l'hôtesse elle-même. Deux jolies figurines d'enfants, représenté dans des poses directes, transmettre parfaitement le plastique unique des enfants, complété par des attributs angéliques – gonflement des bras et des jambes, boucles délicates de cheveux, donner à la toile un charme particulier. La composition générale de l'œuvre est à nouveau construite à l'aide de la couleur :le décor est représenté dans des tons rouge-brun, et la figure de Madame Charpentier se détache de son arrière-plan. L'hôtesse est vêtue d'une robe noire avec un empiècement contrasté blanc sur sa poitrine, un jupon blanc sort sous l'ourlet, et à ses pieds se trouve un immense Saint-Bernard en noir et blanc. Et dans ce cadre noir et blanc représente des enfants en robes courtes bleu pâle.
Renoir de son vivant était considéré comme un maître exceptionnel du portrait. Il a réussi à saisir et à transmettre l'humeur fugace des héros de la toile. Un exemple remarquable de son travail dans ce genre est « La fille à l'éventail » (1881, Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg). Le tendre visage pensif d'une jeune fille avec des mèches de cheveux sombres tombant sur son front est écrit avec soin et douceur, et les détails des toilettes, Ventilateurs, les mains et le fond sont plus doux, aux contours flous. Le fond de l'image, laissé sans élaboration, ne sert qu'à encadrer la belle apparence de la fille, sans détourner l'attention du spectateur des yeux noirs brillants, peau délicate et lèvres entrouvertes. La toile a un effet favori de contrastes, alternance de taches noires et blanches, que le maître utilisait si souvent :parties blanches de l'éventail - tissu sombre de la robe, col blanc – cheveux foncés du modèle. Cet ordre d'échecs focalise parfaitement l'attention du spectateur sur le teint délicat du modèle.
Contrairement à l'opinion de ses amis impressionnistes, Renoir a décidé de participer au Salon annuel. C'était le seul moyen pour lui d'acquérir une renommée et des contacts utiles. Grâce aux efforts de Madame Charpentier, le Salon de 1879 a accepté deux tableaux de l'artiste - "Portrait de Samari" et "Portrait de Madame Charpentier avec des enfants". Alors Renoir s'est finalement déclaré. Le public a rencontré favorablement le peintre, et il commença à recevoir régulièrement de nouvelles commandes. A partir de là et jusqu'en 1882, l'artiste n'a pas participé aux expositions des impressionnistes. La situation financière de Renoir s'améliore tellement qu'en 1881 il peut se permettre un long voyage en Algérie, Venise, Rome et Pompéi.
Dans la même période fertile, Renoir rencontre Alina Sherigo, qui était une incarnation vivante de l'idéal de la beauté féminine du peintre. Alina a commencé à apparaître dans de nombreux tableaux du peintre, commençant par "Petit déjeuner des rameurs" (1881, Collection Phillips, Galerie nationale, Washington). Un peu plus tard, elle est même devenue sa femme.
La composition légère de la toile « Rowing Breakfast » a été peinte par Renoir à la lumière naturelle. L'intrigue de l'image est une autre fête de la vie si chère à l'artiste, avec la cour des messieurs, jeunesse insouciante, les sourires des femmes et les subtilités des relations. L'œuvre a participé à la septième exposition des Impressionnistes en 1882, ainsi que plusieurs paysages vénitiens créés par l'artiste lors de son voyage en Italie. Et juste un an plus tard, en 1883, la première exposition personnelle de Renoir a eu lieu.
Reconnaissance de son propre style et frustration
La renommée de l'artiste dans les années 1880 a déjà dépassé la France. Le respecté et respectable Auguste Renoir se mit à voyager souvent. En 1885, leur premier enfant, le fils de Pierre, est né du maître et d'Alina. Bientôt, la famille a déménagé dans la patrie d'Alina en Champagne. En 1886, Renoir réalise un portrait de sa femme et de son jeune fils.
La toile "Maternité" (Musée des Beaux-Arts, Saint-Pétersbourg, Florida) célèbre déjà d'autres joies. Les amusements insouciants du public parisien s'effacent, et toute l'attention de l'artiste se tourna vers les délices de la vie de famille et le bonheur de la maternité. L'image est sentimentale :une grosse jeune Alina allaitant un bébé joufflu contre une idylle rurale. Les proportions de la femme assise sur la chaise semblent un peu raccourcies du fait que l'artiste l'a peinte debout, et son point de vue était supérieur au modèle.
Heures supplémentaires, Auguste Renoir, un ancien maître de l'impressionnisme reconnu, est devenu désillusionné par la manière d'écrire qu'il a développée. Son insatisfaction à l'égard du travail a amené le maître même à la destruction de certaines toiles créées. Si dès le début de sa carrière créatrice le peintre a cherché l'inspiration et les réponses aux questions qui le tourmentaient dans les tableaux d'Eugène Delacroix, Jean Honoré Fragonard et François Boucher, qui a contribué à la formation de sa personnalité créatrice, il se tourne maintenant vers l'œuvre de Jean Auguste Dominique Ingres – brillant académicien et néoclassique, ligne maîtresse, écrire des beautés nues séduisantes et des portraits féminins exceptionnellement doux. Aussi, Renoir a commencé à utiliser l'expérience des maîtres de la Renaissance, dont les œuvres l'ont conquis en Italie.
Malgré le changement de style, l'artiste est resté fidèle au monde de la joie, beauté et bonheur éclatant. Il n'a jamais créé de triste, philosophique, ou des œuvres édifiantes. uvres jumelées « Danse au village (1882, Musée d'Orsay, Paris), « Danse à Bougival » (1883, Musée d'art, Boston), ainsi que « Danse dans la ville » (1883, Musée d'Orsay, Paris ) est devenu une suite logique des thèmes abordés par le peintre dans les œuvres des années précédentes. Les trois tableaux nous montrent des couples dansants se délectant de mouvement, musique et comme s'inscrivant dans la continuité du thème du bonheur sans nuages et de la jeunesse de la toile « Bal au Moulin de la Galette ».
Le tableau "Danse au village" rappelle le premier tableau "Portrait d'Alfred Sisley avec sa femme". Dans la nouvelle œuvre, nous pouvons voir la même tendresse, soin et a souligné la courtoisie du monsieur étreignant sa dame. The pose of the dancing couple captivates with direct plasticity and clearly demonstrates the nature of their relationship:the man is tenderly in love with his partner, he is ready to do her best in every possible way, she bathes in his love and care, like in music, absorbed in dance and subordinating his movements to the leading force of the partner.
"Dance in Bougival" demonstrates the departure from the impressionistic style of writing. She is still visible in the foliage of the trees and the background of the picture, but the girl’s dress and her gentleman’s costume are painted rather tightly and smoothly. The atmosphere of the work is close to the previous one, the same immediacy reigns in it, but with a touch of hidden feelings – the girl slightly bashfully looks away from her partner, who is trying to win her attention by all means.
The partners of the film “Dance in the City” are much more restrained in their movements and expression of feelings. Exquisite costumes speak of their high social status. The girl keeps herself very straight, not leaning on the shoulder of her partner with a popular gullibility. Her posture is strict and meets all standards of etiquette. The heroine’s face is calm, it does not express the happiness and joy with which the heroine of “Dance in the Village” shines. The face of a young man is completely hidden from us.
The painting "Umbrellas" (1881 -, Galerie nationale, London) became one of Renoir’s most famous works. It was started during the heyday of his passion for impressionism, and ended five years later, after the artist became acquainted with the work of Renaissance masters and rethought his own path in art. Female figures on the left side of the canvas are written more gently, while on the right side – a clear contour line appears. The picture densely filled with characters seems to lack compositional construction, but this is only at first glance. Among the randomly flooded figures of passers-by, the diagonal construction of the canvas can be distinguished:the first diagonal starts from the girl’s head in the right corner of the canvas, then is emphasized by the cane of the tilted umbrella and finally ends with the heads of the girl and the man standing behind her on the left.The line of the cane of the umbrella in the hands of the woman accompanying the girls indicates the second diagonal.
"Umbrellas" became the last big picture of the artist, dedicated to the life of his modern city. The Renaissance art influenced the further selection of themes, which left its mark on the pictorial manner of Renoir. The master until the end of his life remained a singer and connoisseur of female beauty, mouth-watering forms, delicate skin and sparkling eyes. The canvas "The Big Bathers" (1887, Art Museum, Philadelphia) is a clear evidence of the influence of the great masters of the past. The presence of a contour drawing, classic draperies, delicately painted naked bodies of girls with delicate skin and the layout of their figures in space represent a clear pyramidal composition in the shape of a triangle.
Vrai, in the painting “After Bathing” (1888, a private collection), the smoothly painted naked body of a seated girl still has a hint of the artist’s former style. The shadows in the canvas remain impressionistic, colored, and its background is made with wide strokes. And the very picture of the body of the heroine is more soft than in the previous work.
Last years
The artist still traveled a lot. In 1894, a second child appeared in the Renoir family – the son of Jean. And in 1897 a small incident happened. It did not portend in itself any problems. The artist unsuccessfully fell off his bicycle and broke his right arm. During recovery, the master learned to write with his left hand. But even after a complete healing of the fracture, Renoir did not leave constant severe pain. So began severe arthritis, which did not leave the artist for the next twenty years of his life, gradually fettering movements and facial expressions, twisting his fingers, and then completely causing paralysis. Alina did everything possible to save her beloved spouse, cependant, after each short-term improvement in his condition, relapses invariably occurred. Friends often came to visit the painter, Renoir himself did not stop working until the last day of his life. In 1901, his third son Claude was born, who became the most beloved model of an aging artist.
Renoir paintings were exhibited at many exhibitions in Paris, New York and London. They brought him well-deserved fame. And in 1900, the artist became a holder of the Legion of Honor, and ten years later – an officer of the order.
In 1909, the painter creates two more paired works:“Dancer with Castanets” and “Dancer with Tambourine” (both – National Gallery, London), in which a clear influence of Renaissance art is revealed. Plastic bodies, calmly contemplative expression, drapery and abstract background bring them closer in style to the frescoes of the great masters of the past. The works are very decorative, the figures of the dancers as if descended from an old frieze.
The work "Gabriel with the Rose" (1911, Musee d’Orsay, Paris) is very different from the "classical" portraits of the master. The canvas palette darkened, the model does not dazzle with a sparkle of eyes and a radiant smile. But clearly more plastic study of volumes is evident. But it’s all early, it is obvious that the aging artist admires the smoothness and tenderness of the skin of his heroine (Gabrielle was a relative of his wife and helped her with raising children).
With the outbreak of World War I, the elder sons of the Renoirs went to the front, both of them returned, but wounded. Alina tried her best to help her children, but, not having endured the emotions, elle mourut. Renoir continued to write in a wheelchair, overcoming severe pain in his entire body, until his death on December 2, 1919.
