Der Blaue Reiter
Vassili Kandinsky, Almanach Der Blaue Reiter page de garde avec St. George, 1912
Le livre d'art de 1912 Der Blaue Reiter (Le cavalier bleu) était à l'origine destiné à être un «almanach» annuel publié par un collectif d'artistes du même nom basé à Munich. C'est un document fascinant de la scène artistique expressionniste du début du XXe siècle, avec une douzaine d'essais sur des sujets allant des masques dits primitifs à la mise en scène d'un « drame couleur-ton » expérimental appelé Le son jaune . La variété éclectique de ses illustrations est particulièrement intéressante, qui combinent le travail d'artistes modernes tels que Ernst Ludwig Kirchner, Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, et Pablo Picasso avec des statues africaines, Peinture à l'encre de Chine, art populaire allemand, gravures sur bois de la Renaissance, et la sculpture médiévale.
Une Renaissance intérieure
Blaue Reiter pages avec Ernst Ludwig Kirchner Quatre femmes qui dansent et la statue du sud de Bornéo, pages 6-7
L'un des éditeurs du livre, l'artiste russe Vasily Kandinsky, a écrit de Der Blaue Reiter intention, « Nous visons à montrer au moyen de la variété des formes représentées comment les souhaits intérieurs de l'artiste sont incarnés. » [1] Cette insistance sur les états mentaux « intérieurs » ou subjectifs de l'artiste, par opposition à l'expérience « extérieure » ou objective de la nature, est un thème central de la théorie de l'art expressionniste.
Dans une préface à la première exposition du groupe, Kandinsky détecte également chez ses confrères « les signes d'une nouvelle Renaissance intérieure ».[2] Le mot « intérieure » distingue cette nouvelle Renaissance de la Renaissance italienne des années 1400, qui a vu naître un style de représentation naturaliste qui, de nombreux artistes expressionnistes ont soutenu, ne s'occupait que de représenter les apparences extérieures de la réalité matérielle. Le brut, simplicité presque enfantine de la pochette pour le Almanach , avec son imagerie médiévale chrétienne du cavalier bleu comme Saint George, est un emblème visuel de deux des thèmes principaux du groupe qui seront explorés ici :le primitivisme et la spiritualité.
Un collectif d'artistes
Les membres du groupe Blaue Reiter, dont Gabriele Münter, François Marc, Auguste Macke, Vassili Kandinsky, et Alexej von Jawlensky, se sont regroupés parce qu'ils estimaient que l'establishment artistique les avait exclus des opportunités. A l'époque moderne, des artistes partageant les mêmes idées formaient souvent de telles coopératives pour parrainer leurs propres expositions sans jury d'art conservateur, ainsi que pour assurer le soutien mutuel et l'échange d'idées. Parmi les mouvements artistiques qui ont commencé de cette manière, il y avait les impressionnistes, la Sécession viennoise, les Fauves, et un autre groupe expressionniste allemand, Die Brücke.
Auguste Macke, Saint George , 1912
Le nom Der Blaue Reiter, comme Kandinsky l'a suggéré plus tard un peu avec désinvolture, a été choisi parce que son collègue artiste Franz Marc aimait les chevaux et Kandinsky aimait les cavaliers, et ils aimaient tous les deux la couleur bleue. L'emblème du groupe était le soldat chrétien romain Saint George, qui tua un dragon qui exigeait des sacrifices humains.
La figure du Cavalier bleu incarnait ainsi l'orientation spirituelle du groupe ainsi que leur conviction que l'art joue un rôle social important dans la lutte entre le bien et le mal. La couleur intensifiée et simple, le rendu presque enfantin de la même histoire par Auguste Macke est caractéristique du style du groupe, bien que, comme Kandinsky l'a noté ci-dessus, ils reconnaissaient la grande variété de façons dont les états « intérieurs » pouvaient être exprimés.
Primitivisme et spiritualité
Blaue Reiter pages avec la peinture sur verre bavaroise et celle de Pablo Picasso Femme à la guitare au piano , p. 4-5
En plus du travail de ses membres, les Almanach et les expositions du groupe présentaient des œuvres de Medieval, non-européen, et des artistes folkloriques non formés - qui auraient tous été identifiés à l'époque comme « primitifs ». Par exemple, les illustrations accompagnant le premier essai, « Possessions spirituelles » de Franz Marc, comprennent une gravure sur bois allemande du XVe siècle, une peinture chinoise de chats, deux dessins d'enfants, et une peinture sur verre d'art populaire allemand aux côtés d'une peinture cubiste récente de Pablo Picasso.
Comme l'a suggéré Kandinsky, ce que toutes ces œuvres disparates ont en commun, c'est leur rejet ou leur méconnaissance de la tradition occidentale post-Renaissance, en mettant l'accent sur le naturalisme artistique, savoir scientifique, et le progrès technologique. À partir des années 1700, un nombre croissant d'artistes et de penseurs ont vu la science moderne, La technologie, et la vie urbaine comme une menace pour la véritable vocation spirituelle de l'humanité. Le simple, même les œuvres grossières d'artistes dits « primitifs » étaient considérées comme des exemples d'une approche à la fois de l'art et de la vie qui mettait l'accent sur des objectifs spirituels supérieurs.
"Je n'ai pas eu besoin de la nature pour me pousser"
A gauche :Alexei von Jawlensky, Autoportrait , 1905, huile sur carton, 52x38cm, collection privée; à droite :Alexei von Jawlensky, Visage du Sauveur :Martyr , 1919, huile sur papier lin sur carton, 32,5 x 25,4 cm, collection privée
Bien qu'il ait étudié la peinture avec le réaliste russe Ilya Repin, Alexei von Jawlensky a délibérément rejeté sa formation en faveur d'une simplicité et d'une franchise enfantines dans ses œuvres ultérieures. Par exemple, son 1905 Autoportrait , tout pictural et simplifié, est une ressemblance convaincante de l'artiste, avec des proportions naturalistes et une modélisation en clair-obscur. La coloration est lumineuse, mais sur la base d'une observation attentive - des tons rouges plus chauds apparaissent sur les joues, nez, et le front, et des tons plus froids définissent les yeux, temple, et la mâchoire.
Le travail ultérieur, Visage du Sauveur , faisait partie d'une série de portraits appelés « mystiques » ou « têtes abstraites », » que l'artiste a noté n'étaient pas exécutés d'après nature :
Je me suis assis dans mon atelier et j'ai peint, et je n'avais pas besoin de la nature pour m'y inciter. Il m'a suffi de m'immerger en moi, prier et préparer mon âme à atteindre un état religieux.
Cité dans Jürgen Schultze, Alexej Jawlensky (Eau de Cologne, 1970), p. 39.
Ici, la simplicité enfantine de l'œuvre est garante du dessin de l'artiste, avec une franchise naïve, d'un intérieur, vision mystique qu'il a du visage du sauveur, plutôt que de représenter les apparences extérieures.
Art folklorique
De nombreux artistes du Blaue Reiter s'intéressaient particulièrement aux artistes folkloriques qui n'avaient aucune formation professionnelle en art. Kandinsky et Gabriele Münter ont rencontré un type commun d'art populaire d'Europe de l'Est, Peinture sur verre bavaroise, lorsqu'ils quittèrent Munich pour la petite ville de Murnau.
Gabriele Munter, Nature morte avec St George , 1911, huile sur carton, 51,1 x 68 cm (Lenbachhaus, Munich)
Münter Nature morte avec St George est une composition d'objets d'art populaire qu'elle avait collectionnés. Un thème de la nature se dégage des fleurs, poulet, et des figurines de ce qui semble être des paysans ambulants, tandis que des notes spirituelles sont sonnées par les deux statuettes de la Vierge Marie tenant l'enfant Jésus, ainsi que Saint Georges en haut à gauche.
Le style de l'œuvre renforce ces thèmes. L'émoussé de Münter, le pinceau épais et le style de dessin brut correspondent à la simplicité grossière des objets d'art populaire qu'elle admirait, tandis que les couleurs très saturées des fleurs, Saint George, et la Vierge Marie la plus à droite brille presque surnaturellement dans l'obscurité, tons terreux du reste de l'œuvre.
Musique
La conviction du groupe que l'art devait aller au-delà de la simple représentation de la réalité matérielle s'est également inspirée de la musique. Plusieurs des essais de la Almanach concernaient la musique, dont un du compositeur expérimental Arnold Schönberg, et la partition de trois compositions a été incluse à la fin du Almanach .
Vassili Kandinsky, Improvisation 28 (deuxième version), 1912, huile sur toile 111,4 x 162,1 cm (Solomon R. Guggenheim Museum, New York)
Kandinsky en particulier admirait la façon dont la musique éveillait les états émotionnels et spirituels intérieurs par des moyens abstraits, par des combinaisons et des séquences de sons, sans chercher à imiter la nature. A la recherche d'un équivalent visuel, Kandinsky a théorisé que les peintres pouvaient faire de même en créant des compositions de couleur et de forme pures. Bien qu'il lui ait fallu plusieurs années avant d'être suffisamment confiant pour produire des œuvres purement abstraites sur ce principe, Kandinsky a donné à ses œuvres des titres musicaux tels que « composition » et « improvisation » afin d'encourager les spectateurs à ignorer leur sujet apparent et à se concentrer sur leurs harmonies de couleurs.
Le groupe Blaue Reiter était très éclectique tant dans ses influences que dans sa production, mais le cœur du mouvement était basé sur le désir d'une nouvelle Renaissance dans l'art, un dédié à l'expression des états émotionnels et spirituels intérieurs, plutôt que de simplement reproduire les apparences extérieures d'objets matériels. L'art populaire « primitif » et les compositions musicales abstraites ont fourni des modèles clés pour leur quête.
Remarques:
- Traduit par Kenneth C. Lindsay et Peter Vergo, éd., Kandinsky :Écrits complets sur l'art (New York :Da Capo Press, 1994), p. 113.
- Idem.
