La gravure en Europe, c. 1400−1800
L'impression de livres était un effort de collaboration, comme on le voit ici avec différentes personnes préparant un livre pour l'imprimerie. Jan Collaert I d'après Joannes Stradanus, "L'invention de l'impression de livres, " dans Nouvelles inventions des temps modernes (Nova Reperta), planche 4, c. 1600, gravure sur papier, 27 x 20 cm (The Metropolitan Museum of Art)
L'imprimerie était sans doute l'une des inventions les plus révolutionnaires de l'histoire du début du monde moderne. Alors que l'orfèvre et éditeur allemand du XVe siècle, Johannes Gutenberg, est salué pour sa création d'une presse à imprimer mécanique qui a permis la production en série d'images et de textes, la technologie des caractères mobiles a été mise au point beaucoup plus tôt en Asie de l'Est. Au début du XIe siècle en Chine, l'artisan Bi Sheng découvrit qu'il pouvait fabriquer des caractères chinois individuels à partir d'argile cuite pour créer un système de caractères mobiles. Plus tard, dans la Corée du XIIIe siècle, le premier type mobile en métal connu a été produit.
Pages du plus ancien livre existant au monde imprimé avec des caractères métalliques mobiles, Anthologie des enseignements zen des grands prêtres bouddhistes , 1377, 24,5 x 17 cm (Bibliothèque nationale de France)
Contacts et échanges accrus entre les cultures d'Asie de l'Est et d'Europe par le biais de la Route de la soie, à partir du XIIIe siècle, conduit à la diffusion de telles innovations d'impression. En effet, au milieu des années 1400, Gutenberg était dans une position privilégiée pour concevoir son procédé mécanique d'impression de multiples des mêmes sources textuelles et représentations visuelles, lequel, grâce au support papier portable et plus abordable, signifiait qu'ils pouvaient être largement diffusés, servant de premier mode de communication de masse à l'ère pré-numérique. La publication d'estampes couplée à l'introduction de caractères mobiles a offert des possibilités sans précédent pour l'échange interculturel de connaissances et d'idées, ainsi que des styles et des conceptions artistiques.
Cette illustration provient d'un livre publié par Erhard Ratdolt, un des premiers imprimeurs allemands d'Augsbourg, et est illustré de soixante-treize gravures sur bois. Ici, nous voyons "Sol" ou "Sun, " dans Albumasar, Flores astrologie (Augsbourg :Erhard Ratdolt, 18 novembre 1488), image 22 (Collection Rosenwald, Division des livres rares et des collections spéciales, Bibliothèque du Congrès)
La démocratisation de l'art
Avant le XVe siècle, des œuvres d'art comme des retables, portraits, et d'autres articles de luxe ont été principalement trouvés dans les résidences de riches mécènes et dans les églises parce que c'était l'élite sociale et les chefs religieux de la communauté qui avaient les ressources financières pour commander ces objets exquis. Le format reproductible de l'impression et la disponibilité croissante du papier ont permis à la classe moyenne croissante, qui n'ont peut-être pas eu les moyens d'acheter des tableaux ou des statues, l'occasion de recueillir des représentations artistiques. Alors que les projets à grande échelle étaient encore financés par de riches mécènes, la majorité des tirages ont été achetés sur la spéculation. Par conséquent, nous voyons une gamme de sujets représentés dans l'impression qui aurait fait appel à divers collectionneurs. Par exemple, le désir d'étudier le passé, Littérature, et la science dans les villes de l'Europe moderne ont encouragé les graveurs à fournir au marché de l'art des représentations de l'histoire ancienne, mythologie classique, et le monde naturel.
Sutra du Diamant , 868, parchemin imprimé sur bois, trouvés dans les grottes de Mogao (ou « sans égal ») ou les « grottes des mille bouddhas », ” qui était un centre bouddhiste majeur du IVe au XIVe siècle le long de la Route de la Soie (British Library)
Gravure sur bois
La plus ancienne forme de gravure est la gravure sur bois. Dès la dynastie Tang (à partir du VIIe siècle) en Chine, les blocs de bois ont été utilisés pour imprimer du texte sur des morceaux de textile, et plus tard du papier. Au VIIIe siècle, l'impression sur bois s'était implantée en Corée et au Japon. Bien que la pratique d'imprimer des sources écrites fasse partie d'une tradition beaucoup plus ancienne en Asie de l'Est, la production d'images imprimées à l'aide de blocs de bois était un phénomène plus courant en Europe, à partir de l'Allemagne de la fin du XIVe siècle et s'étendant ensuite aux Pays-Bas et au sud des Alpes suisses jusqu'aux régions du nord de l'Italie.
Les premières gravures sur bois montrent souvent des sujets religieux. Ici, nous voyons la Vierge Marie bercer son fils mort, Jésus. Allemagne du Sud, Souabe, Pietà , c. 1460, gravure sur bois, colorié à la main à l'aquarelle, 38,7 x 28,8 cm (Cleveland Museum of Art, Cleveland)
Petrus Christus, Portrait d'une donneuse agenouillée devant un livre avec une impression accrochée au mur derrière elle (détail), c. 1455, huile sur panneau, 41,8 x 21,6 cm (Galerie nationale d'art)
Au cours de la seconde moitié du XVe siècle après que Gutenberg a inventé sa presse à imprimer, les gravures sur bois sont devenues la méthode la plus efficace pour illustrer des textes faits avec des caractères mobiles. Par conséquent, villes d'Europe, à savoir Mayence, Allemagne et Venise, L'Italie, où la gravure s'est d'abord implantée, est devenue d'importants centres de production de livres. La méthode européenne de fabrication d'images imprimées sur papier à l'aide d'une presse mécanique a fait son chemin vers l'Asie de l'Est au XVIe siècle, mais il n'a été largement adopté à des fins artistiques que quelques siècles plus tard, pendant la période Edo au Japon, lorsque des gravures sur bois colorées (estampes ukiyo-e) ont été produites en grand nombre.
Les premières gravures sur bois sur feuilles mobiles européennes représentent des sujets à prédominance chrétienne, servant d'images de dévotion relativement peu coûteuses. Alors que les musées conservent aujourd'hui les tirages dans des boîtes climatisées pour s'assurer qu'ils durent pour les générations futures, aux XVe et XVIe siècles, ils étaient pliés et transportés par les pèlerins en voyage, coupé et collé dans les couvertures intérieures des livres, ou cloué sur les murs d'une maison. Par conséquent, peu de gravures sur bois anciennes survivent parce qu'elles ont souvent été détruites par une utilisation continue. Encore, les principales gravures sur bois existantes révèlent le caractère stylistique de ce premier type d'estampe.
Cette gravure sur bois a survécu à un incendie. Il montre Marie tenant l'enfant Jésus, entouré de saints et de scènes de la vie de Marie. Graveur inconnu du XVe siècle, Madone du feu , avant 1428, gravure sur bois, coloré à la main avec de la peinture, dimensions inconnues (cathédrale Santa Croce, Forli, Italie)
Par exemple, deux gravures sur bois (la Pietà fabriqué dans le sud de l'Allemagne et l'italien du début du XVe siècle Madone du feu qui aurait survécu à un incendie qui a détruit le bâtiment dans lequel il était logé) présentent à la fois des figures et d'autres éléments scéniques rendus avec des contours épais. Ces images présentent un minimum d'ombrage et de motifs, ressemblant à des dessins au pochoir auxquels un collectionneur appliquait souvent de la peinture à la main pour rehausser l'attrait émotionnel de la composition. Cela se voit avec l'incorporation de stries rouges de peinture qui représentent le sang s'égouttant des blessures du Christ dans le Pietà imprimer.
A gauche :Albrecht Dürer, bloc de bois pour Samson et le Lion , c. 1497−1498, bois de poirier, 39,1 x 27,9 x 2,5 cm (The Metropolitan Museum of Art); à droite :Albrecht Dürer, Samson et le Lion , c. 1497−1498, gravure sur bois, 40,6 x 30,2 cm (The Metropolitan Museum of Art)
Un artiste contemporain utilise une gouge à main pour découper un motif de gravure sur bois dans du contreplaqué japonais. Le dessin a été esquissé à la craie sur une face peinte du contreplaqué (photo :Zephyris, CC BY-SA 3.0)
Un type de processus de soulagement, une gravure sur bois est réalisée par encrage de la surface en relief de la matrice, ce qui se traduira par une impression miroir de la composition lorsque le bloc est pressé sur une feuille de papier en utilisant une pression manuelle ou mécanique (une presse à imprimer). Le tampon en caoutchouc est un exemple moderne d'impression en relief. Pour créer le dessin sur le bloc de bois, un artiste utilise un couteau ou une gouge pour découper des sections de bois entre les lignes et les formes à imprimer. Lors de la découpe des zones de bois, il faut faire attention à ne pas rendre les lignes en relief trop fines ou bien elles peuvent se casser lorsqu'on ajoute une pression pour produire une impression, c'est pourquoi les premières gravures sur bois présentent des dessins aux contours audacieux.
Le processus de relief est l'un des principaux types de gravure. Pour faire une gravure sur bois, un artiste encre la surface en relief de la matrice, qui crée une impression miroir de la composition lorsque le bloc est pressé sur une feuille de papier à l'aide d'une pression manuelle ou mécanique (une presse à imprimer) (vidéo du Museum of Modern Art).
A la fin du XVe siècle, l'artiste allemand Albrecht Dürer a trouvé un moyen de représenter d'impressionnantes subtilités texturales et tonales dans ses gravures. En sculptant une série de lignes fines rapprochées dans son Samson et le Lion , il a représenté de manière convaincante les ombres sur le flanc de la colline.
Les zones blanches de cette impression ne sont pas encrées, agissant comme des points culminants dans la scène. Lucas Cranach l'Ancien, Saint Christophe , c. 1509, gravure sur bois clair-obscur (Cleveland Museum of Art, Cleveland)
Gravure sur bois clair-obscur
Comme l'indique la production de gravures sur bois coloriées à la main comme le Pietà et Madone du feu , certains collectionneurs préféraient l'intrigue esthétique et émotionnelle des estampes colorées. Au XVIe siècle, les graveurs d'Europe du Nord et d'Italie ont tiré parti de cet intérêt en réalisant des gravures sur bois colorées connues sous le nom de gravures sur bois en clair-obscur, car elles imitent l'apparence des dessins en clair-obscur. Dans ce type de dessin, le papier coloré sert de ton moyen auquel un artiste ajoute un pigment blanc pour produire de la lumière ( clair ) tons et rend plus sombres ( scuro ) en incorporant des hachures avec un stylo ou des zones de lavis foncé avec un pinceau. Le même concept s'applique aux gravures sur bois en clair-obscur. Lucas Cranach Saint Christophe , par exemple, a été réalisé avec deux blocs de bois différents. Un bloc de bois, appelé bloc de tonalité, créé le demi-ton orange. Le deuxième bloc de bois, appelé le bloc de ligne, produit les lignes noires, c'est la conception de base et l'éclosion. Les zones non imprimées du papier agissent comme des reflets.
Un exemple de nielle plaquettes, avec des motifs linéaires incisés sur une surface métallique incrustée d'une substance pâteuse sombre. Diptyque de dévotion avec le Nativité et Adoration , c. 1500, Paris, La France, argent, nielle, alliage de cuivre doré, 13,9 x 20,8 x 0,7 cm (Collection des cloîtres, Le musée Métropolitain d'art)
Gravure
Peu de temps après les premières gravures sur bois, le procédé de gravure en taille-douce est apparu en Allemagne dans les années 1430 et a été utilisé dans d'autres régions du nord et du sud de l'Europe dans la seconde moitié du XVe siècle (la taille-douce est une catégorie de gravure qui comprend la gravure, pointe sèche et eau-forte). La gravure est restée une méthode courante pour la gravure jusqu'à la fin du XVIIIe siècle jusqu'à l'invention de techniques planographiques comme la lithographie. La gravure puise ses racines dans la tradition des ateliers d'orfèvrerie où nielle les plaques - de petites plaques d'or ou d'argent - ont été fabriquées en incisant un dessin linéaire dans la surface métallique et en incrustant ces rainures sculptées avec une substance pâteuse sombre pour rendre une représentation claire.
Les artistes ont gratté et gravé des plaques de métal pour créer des détails de surface fins (vidéo du Museum of Modern Art).
Burins utilisés dans le processus de gravure (photo :Manfred Brückels, CC BY-SA 3.0)
Contrairement au processus de relief de la gravure sur bois, une gravure est réalisée en sculptant dans une plaque de cuivre à l'aide d'un outil à pointe en forme de losange appelé burin, qui laisse derrière lui une rainure en forme de V. Une fois le dessin entièrement incisé, toute la surface de la plaque est encrée. Prochain, la plaque sera essuyée de sorte que seule l'encre déposée dans les lignes incisées restera. La matrice est maintenant prête à être passée dans la presse à imprimer avec une feuille de papier humide. La pression de la presse pousse le papier dans ces rainures et ramasse l'encre, résultant en une impression miroir de l'image gravée sur la plaque de cuivre.
Même s'il s'agit de l'une des premières gravures de Schongauer, c'était extrêmement influent. Michel-Ange l'a même copié. Martin Schongauer, Saint Antoine tourmenté par les démons , c. 1475, gravure, 30,0 x 21,8 cm (The Metropolitan Museum of Art)
Par rapport à la difficulté de graver un dessin en relief dans un bloc de bois, la technique de la gravure a permis aux artistes habiles de créer des compositions magnifiquement détaillées et stylistiquement variées sans craindre de produire des lignes trop étroites qui se briseraient sous la pression d'une presse mécanique. L'un des plus grands graveurs de l'Europe de la Renaissance était Martin Schongauer. Le sien Saint Antoine tourmenté par les démons montre sa technique de gravure polyvalente.
Martin Schongauer, les détails de Saint Antoine tourmenté par les démons , c. 1475, gravure, 30,0 x 21,8 cm (The Metropolitan Museum of Art)
Pour produire différentes textures, Schongauer a utilisé une variété de marques, comme longtemps, lignes de curling pour rendre la fourrure douce sur le démon brandissant un club de courtes lignes en forme de U pour créer les écailles de la créature saisissant le bras gauche d'Anthony. En incorporant des passages de hachures denses sur le corps d'Anthony, Schongauer also gave his figure a three-dimensional presence on the flat paper surface.
Etching likely developed in the workshop of Daniel Hopfer, who created ornamental designs in the surface of metal armor. Attributed to Kolman Helmschmid, etching attributed to Daniel Hopfer, Cuirass and Tassets (Torso and Hip Defense), with detail of Virgin and Child on the center of the breastplate, c. 1510–20, acier, leather, 105.4 cm high (The Metropolitan Museum of Art)
Etching
Another intaglio process that developed in Germany around 1500 and remained popular throughout the early modern period was etching. While engraving originated from the craft of gold- and silversmithing, etching was closely related to the armorer’s trade. Etching likely developed in the workshop of Daniel Hopfer in Augsburg, a city in southern Germany. Hopfer discovered that through etching he was able to create ornamental designs in the surface of metal armor.
To etch an iron or copper printing plate, an acid-resistant substance (usually a varnish or wax) called a ground is applied to its surface. With a stylus or needle an artist draws a design into the ground, removing some of the coating each time a mark is made. After the design is complete, the plate is submerged into an acid bath and a chemical reaction takes place. The acid bites into the exposed metal, creating linear grooves. Once the plate is taken out of the bath and the ground is removed, the incised matrix is ready to be inked and printed in the same way as an engraving. Whereas engraving takes considerable manual labor because the printmaker has to carve into the metal plate, in the etching process, the acid does all of that work, and so it was considered an easier alternative to engraving. Artists who were adept at drawing, but not necessarily trained to engrave plates, found etching to be a suitable medium to make prints, since realizing a design in the ground with a needle was akin to drawing with a pen on paper.
Parmigianino, Entombment , 1529−1530, gravure, 27.1 x 20.4 cm (Cleveland Museum of Art, Cleveland)
Just like engraving, which had originated in Germany but quickly became popular among artists in other parts of Europe like Italy, etching also spread throughout the continent soon after its development. Parmigianino was one early sixteenth-century Italian painter and draftsman who tried his hand at etching. Le sien Entombment shows off his expressive line work. It appears “sketch-like, ” resembling a pen-and-ink drawing rather than an engraving, which is usually characterized by regularized lines and marks of equidistant spacing and length.
First state, Rembrandt van Rijn, Christ Presented to the People , 1655, drypoint i/viii, 38.3 x 45.1 cm (British Museum, London)
Drypoint
Drypoint is perhaps the simplest method for creating an intaglio print. It developed at the same time as engraving in early fifteenth-century Germany, and like other related processes, drypoint attracted printmakers working across Europe. The technique involves using a stylus or needle to scratch into the surface of the copper matrix to throw up a burr. Just as the sides of a furrow or trench dug into the ground will hold drifts of snow, the raised edges of a drypoint line will retain ink. When making an engraving, the printmaker scrapes away the burr in order to achieve clean lines when the plate is printed. In a drypoint, cependant, the burr is left so that when the plate is printed, it produces a rich, velvety line. Unlike engraving, which can yield hundreds of decent impressions, the delicate drypoint burr wears quickly each time a plate is run through the press. Pour cette raison, drypoint was most often used to add finishing touches to compositions after the primary design had been engraved or etched. Encore, some printmakers like the seventeenth-century Dutch master, Rembrandt, preferred to work entirely in this technique.
Detail, first state, Rembrandt van Rijn, Christ Presented to the People, 1655, drypoint i/viii, 38.3 x 45.1 cm (British Museum, London)
Dans Christ Presented to the People , the contours of Pontius Pilate, Christ, and the surrounding soldiers reveal the dense, blurred character of the drypoint burr. Because drypoint created few quality impressions, Rembrandt often reworked his plates, making different states of the same image in order to produce more legible representations. The first state was printed early on in the plate’s lifetime before the burr began to wear. In the fourth state, the once-strong velvety lines have all but disappeared and changes to the architecture are visible. Le plus visiblement, the balustrade depicted near the upper right does not appear in the first state.
Fourth state, Rembrandt van Rijn, Christ Presented to the People , 1655, drypoint iv/viii, 35.8 x 45.4 cm (British Museum, London)
Mezzotint
Mezzotint rockers (photo:Toni Pecoraro)
The term mezzotint is a compound of the Italian words mezzo (“half”) and tinta (“tone”), and describes a type of intaglio print made through gradations of light and shade rather than line. To produce a mezzotint, an artist roughens the entire surface of a copper plate with a tool called a “rocker, ” a chisel-like implement with a semi-circular serrated edge. This tool is rocked back and forth across the plate until it has been completely worked, creating a surface full of burr that will hold ink. If you were to print an impression at this stage, it would appear as a field of rich black. To create a legible image, the printmaker must work from darkness to light with the aid of a scraper—a triangular-shaped blade fixed in a knife handle—and a burnisher—a blunt instrument with a hard, rounded end. By removing or smoothing out the burr, the artist weakens the plate’s capability to hold ink when the plate is wiped, and those areas will print a lighter tone.
Left:Richard Earlom after Joseph Wright of Derby, The Blacksmith Shop , 1771, mezzotint ii/ii (Cleveland Museum of Art, Cleveland); right:Joseph Wright of Derby, The Blacksmith Shop , 1771, oil on canvas, 128.3 x 104.1 cm (Yale Center for British Art, New Haven)
Although mezzotint originated in Amsterdam during the second quarter of the seventeenth century, it found particular appeal in eighteenth-century London, so much so that the medium was even nicknamed “the English manner.” When the Dutch-born sovereign William III became King of England in the late 1600s, numerous printmakers from the northern provinces of the Netherlands relocated to London in hopes of achieving royal patronage. During successive decades, native English artists learned from their Dutch contemporaries about how to make mezzotints and several technical manuals on the subject were also published locally. By the beginning of the eighteenth century, England had earned the reputation as a prolific center for mezzotint production. Richard Earlom was one English printmaker who had a successful career making mezzotint reproductions of oil paintings. The Blacksmith Shop from 1771 is based on Joseph Wright of Derby’s painting of the same subject. Wright’s pictures, which exhibit dramatic lighting effects, were ideally suited to be translated into mezzotint because the medium could capture the subtle tonal variations and lustrous appearance of his oil paintings.
Aquatint
Aquatint is a variant of the etching process that produces broad areas of tone that resemble the visual effects of watercolor. It involves the use of a powdered resin that is adhered to the plate through controlled heating. As the resin bonds to the plate, it creates a network of linear channels of exposed metal (think of how a cake of mud that is dried in the sun has a web of cracks). Once the plate is bitten by acid, the areas of exposed metal form deep grooves that are capable of holding ink.
Francisco de Goya is famous for his artworks using aquatint. Goya, Los Caprichos:The Sleep of Reason Produces Monsters , 1799, etching and aquatint, 21.2 x 15.0 cm (British Museum, London)
Aquatint was first introduced in the mid-seventeenth century in Amsterdam. Encore, unlike other printmaking techniques that found immediate attraction, it would take some time before aquatint became more widely used. By the late eighteenth century, several English etchers had become drawn to the more painterly qualities of aquatint, but the medium arguably achieved its greatest acclaim under the Spanish artist, Francisco de Goya. Faire The Sleep of Reason Produces Monsters , Goya first etched his sleeping artist, the bats, and haunting cat with quick lines. De là, he switched to aquatint to render the ominous shadow that envelops the entire composition and the white letters on the front of the artist’s desk.
An example of a multi-sheet composition. Albrecht Dürer, Large Triumphal Carriage , c. 1518−1522, woodcut (Metropolitan Museum of Art, New York)
The business of printmaking
Printmaking in early modern Europe was a complex enterprise that involved a number of different agents. It was not always the case that the individual responsible for carving the woodblock or incising the metal plate was the designer of the composition. When Dürer was commissioned by Holy Roman Emperor Maximilian I to design a complex, multi-sheet composition of the Large Triumphal Carriage , he teamed up with a talented workshop of block carvers to help him execute that grand-scale project. In some workshops, the figure who undertook the physical process of printing the blocks and plates may have only done that job. En outre, there may have been a separate position dedicated to print publishing, that is selling and distributing the prints. Depending on the size of a workshop and the equipment available, some printmakers or publishers had to contract out some of those tasks. Par exemple, if a publishing shop did not own a press, it had to collaborate with another local shop to produce its prints. Early printmaking revolved around a sophisticated network of artists and businessmen, and this legacy is still seen today. Many contemporary printmakers partner with a printing shop to create their work and/or a commercial gallery to exhibit and sell their art.
Martin Luther was an Augustinian monk and professor of theology in Wittenberg. He posted his 95 Theses on the door of the castle church in Wittenberg—at least, this is how the tradition tells the story—that took issue with the way in which the Catholic Church thought about salvation, and it specifically took issue with the selling of indulgences. Lucas Cranach the Elder, Martin Luther as an Augustinian Monk , 1520, engraving, 15.8 x 10.7 cm (Metropolitan Museum of Art)
The advent of print not only transformed how images were made, but it created new possibilities for art collecting and mass communication. Scholars have long recognized how the mass distribution of printed pamphlets criticizing the Roman Church’s sale of indulgences and the pope’s supremacy along with printed portraits of Martin Luther, such as Cranach’s Martin Luther as an Augustinian Monk , spurred on a religious revolution in northern Europe by promoting the agenda of Protestant Reformers.
Books made in early colonial Mexico often stressed the importance of images in the process of converting Indigenous peoples. Juan Bautista, Confessionario en lengua mexicana y castellana [Preparation of the penitents in Nahuatl and Spanish] (Santiago Tlatelolco:Melchor Ocharte, 1599), 1v–2r (John Carter Brown Library)
The portability, reproducibility, and affordability of printed compositions contributed to the exchange of information and ideas between cultures of distant geographies. European missionaries who journeyed to the Americas beginning in the sixteenth century brought with them prints of biblical figures that were subsequently disseminated among Indigenous populations in an effort to convert those local communities to Christianity. This kind of imagery also introduced Indigenous artists to new iconographies, visual traditions, and technologies that greatly impacted the artistic production in the Americas. En réalité, during the mid-sixteenth century, the first printing shop was established in modern-day Mexico City and a few decades later Peru transformed into another important center for printmaking in the southern hemisphere. What we consider to be “mass media” today, certainly has its origins in the early modern world of printmaking.
