La formation d'une école française :l'Académie royale de peinture et de sculpture
Jean-Baptiste Martin, Une Rencontre de l'Académie Royale de Peinture et de Sculpture au Louvre , c. 1712-1721, huile sur toile, 30 x 43 cm (Louvre)
Dans une salle remplie à ras bord de peinture et de sculpture, des hommes bien habillés en perruques poudrées se rassemblent autour d'un bureau tandis que des traînards discutent avec leurs voisins. Le petit tableau de Jean-Baptiste Martin dépeint une réunion de la prestigieuse académie d'art française sans outil d'artiste en vue - seule la salle ornée situe la scène dans le palais du Louvre. Le choix de ne pas montrer les artistes au travail, mais plutôt en tant que messieurs à la mode engagés dans des échanges intellectuels sociables parlent directement de l'histoire des débuts de l'Académie royale française.
Les Académie Royale de Peinture et de Sculpture (Académie royale de peinture et de sculpture) a été créée en 1648. Elle a supervisé et détenu le monopole des arts en France jusqu'en 1793. L'institution a dispensé une formation indispensable aux artistes par le biais d'un enseignement pratique et de conférences, accès à des commandes prestigieuses, et la possibilité d'exposer leur travail. Significativement, il contrôlait aussi les arts en privilégiant certains sujets et en établissant une hiérarchie entre ses membres. Cette structure hiérarchique a finalement conduit à la Académie dissolution pendant la Révolution française. Cependant, les Académie à Paris est devenu le modèle de nombreuses académies d'art à travers l'Europe et dans les Amériques coloniales.
Fondation
Cet organisme de formation de premier plan pour peintres et sculpteurs a été fondé en réponse à deux préoccupations connexes :une volonté nationaliste d'asseoir une tradition artistique résolument française, et le besoin d'un grand nombre d'artistes bien formés pour remplir des commandes importantes pour le cercle royal. Les monarques précédents avaient importé des artistes (principalement de Flandre et d'Italie), pour exécuter de grands projets. En revanche, Le roi Louis XIV a cherché à cultiver et à soutenir les artistes français dans le cadre de son plus grand projet d'auto-façonnage, l'art jouant un rôle essentiel dans la construction de l'image royale.
Les Académie a rapidement pris de l'importance, en liaison avec le ministère des Arts (responsable de la construction, décoration, et l'entretien des bâtiments du roi) et le premier peintre du roi - le titre le plus prestigieux qu'un artiste puisse obtenir. Deux hommes ont marqué les débuts de l'institution :Jean-Baptiste Colbert, un homme d'État de plus en plus influent qui a agi en tant que protecteur de l'institution, et l'artiste Charles Le Brun, qui allait être à la fois le premier peintre et le Académie le directeur de. Les deux hommes ont cherché à élever le statut des artistes en mettant l'accent sur leurs capacités intellectuelles et créatives, et tous deux ont cherché à différencier les membres du Académie —académiciens— des membres de la guilde (les guildes étaient un système médiéval qui réglementait strictement les artisans). Les Académie, dont les membres étaient soutenus financièrement par le Roi, emménagé dans son emplacement permanent au palais du Louvre en 1692, renforcer encore le statut de l'institution. Face à ces préoccupations institutionnelles, La décision de Martin de montrer les artistes comme des gentlemen socialisant plutôt que comme des artisans travaillant prend une nouvelle signification.
Hiérarchies
Depuis sa création, les Académie était structurée autour de la hiérarchie. Il y avait différents niveaux d'adhésion qu'un artiste pouvait franchir au fil du temps. Dans l'art, trop, il y avait une hiérarchie :la peinture était prioritaire sur la sculpture, et certains sujets étaient considérés comme plus nobles que d'autres. Pour devenir membre, les artistes ont soumis des travaux pour évaluation par des académiciens, qui les a acceptés à un certain niveau, en fonction du type de sujets qu'ils aspiraient à peindre. S'ils réussissent cette première phase, les candidats exécuteraient une « pièce de réception » illustrant un sujet choisi par les académiciens.
Les Académie divisé les peintures en cinq catégories, ou genres, classés en termes de difficulté et de prestige :
- Peinture d'histoire — englobant des sujets savants tirés de la tradition classique, la Bible, ou allégories, ce type de peinture était considéré comme le genre le plus élevé car il exigeait une maîtrise du corps humain, ainsi que l'imagination et l'intellect pour décrire ce qui ne pouvait pas être vu. Il s'agissait souvent de peintures à plusieurs figures à grande échelle.
- Portraits - en se concentrant sur la capture de la ressemblance, ce genre était prestigieux, et certainement lucratif, mais moins que la peinture d'histoire. Les portraitistes ont été tournés en dérision pour «simplement» copier la nature plutôt que d'inventer (une simplification excessive car peu de portraits ont été entièrement exécutés d'après nature).
- Peinture de genre -représentant des scènes de la vie quotidienne, ce genre comprenait la figure humaine mais ne représentait apparemment pas de grandes idées, bien que de nombreuses peintures de genre aient des nuances moralisatrices. Les peintures de genre étaient plus petites que les peintures d'histoire, nuire encore plus à leur prestige.
- Paysages —constitué de toutes les représentations de la topographie rurale ou urbaine, réel ou imaginaire, ce genre est devenu particulièrement populaire au cours des XVIIIe et XIXe siècles.
- Peinture Nature Morte — se livrant souvent à la juxtaposition de couleurs et de textures, ces peintures représentaient des objets inanimés (souvent de luxe) et s'inspiraient fortement de la tradition hollandaise du XVIIe siècle de tels sujets. Alors que parfois d'autres symboles moralisateurs tels que souvenir mori (rappels de mortalité humaine) ont été inclus, ceux-ci ne faisaient pas partie intrinsèque du genre, qui était considéré comme ne nécessitant aucune invention de la part de l'artiste (puisque, ils peignaient ce qu'ils pouvaient voir).
Entraînement
Benoît-Louis Prévost, après Charles-Nicolas Cochin, « L'École d'Art » (« École de dessein »), planche I. Recueil de planches sur les sciences, les arts libéraux, et les arts mécaniques, avec leurs explications, tome 3 (Paris, 1763)
Nicolas Bernard Lépicié, Nu masculin assis face à droite , milieu du XVIIIe siècle, charbon, perplexe, pierre noire rehaussée de blanc sur papier gris-vert, 50,7 x 34 cm (The Metropolitan Museum of Art)
L'enseignement académique était centré sur le dessin (suivant le précédent des écoles de dessin italiennes créées au XVIe siècle). Les Académie maintenu un programme rigide pour instruire les artistes, tels qu'ils sont enregistrés dans les récits et les représentations contemporains. Une eau-forte illustrant une description de 1763 de "l'école d'art" montre comment les élèves ont d'abord appris à dessiner en copiant des dessins et des gravures (vu à gauche) avant de passer au dessin de moulages en plâtre pour apprendre à traduire la forme tridimensionnelle en deux dimensions (vu au centre). Les étudiants copieraient ensuite une sculpture à grande échelle (comme on le voit sur le bord le plus à droite) avant d'être autorisés à dessiner le modèle nu vivant (comme on le voit dans la partie médiane à droite, légèrement en retrait du premier plan). Dessiner la forme nue masculine était le fondement de la Académie programme d'études, un élément essentiel pour les peintres, en particulier ceux destinés à produire des peintures d'histoire. Les étudiants ont produit de nombreuses études de nus à une seule figure, connu comme académies , comme cet exemple de Nicolas Bernard Lépicié. Des accessoires pourraient être ajoutés par la suite pour transformer les corps posés en figures identifiables, comme Bernard Picart l'a fait avec le dessin nu masculin avec une lampe , où le chiffre, avec l'ajout d'une lampe, devient le philosophe Diogène.
Bernard Picart, Nu masculin à la lampe (Diogène) , 1724, sanguine sur papier vergé, 30,9 x 45,7 cm (Galerie nationale d'art)
Dans un dessin vivant, Charles Natoire se représente en cape rouge au premier plan à gauche, fournir des commentaires sur les dessins des élèves. La majorité des étudiants travaillent de façon autonome, s'est concentré sur les deux modèles nus dans une pose entrelacée choisie par le professeur superviseur. L'opportunité d'étudier deux corps masculins en interaction était un exercice plus rare et plus difficile.
Charles Joseph Natoire, Classe de vie à l'Académie royale de peinture et de sculpture , 1746, stylo, encre noire et brune, Lavis gris &aquarelle &traces de crayon sur pierre noire sur papier vergé, 45,3 x 32,2 cm (La galerie Courtauld)
En dehors du Académie les espaces officiels de , les académiciens offriraient aux étudiants avancés la possibilité de dessiner des modèles féminins nus. En plus de superviser l'enseignement du dessin, chaque professeur a sélectionné des étudiants pour faire partie de son studio. C'est là que les artistes ont réellement appris à peindre ou à sculpter en imitant leur professeur, contribuant souvent à ses commandes à grande échelle. Pratiques en studio variées, et tous les membres du studio n'étaient pas nécessairement inscrits Académie étudiants.
Les académiciens et les étudiants ont assisté à des conférences abordant les aspects théoriques et pratiques de la pratique artistique, comme l'importance des expressions ou comment appliquer la peinture pour assurer la longévité. Ceux-ci étaient offerts par des professeurs et des soi-disant amateurs. Ces honoraires Académie les membres n'étaient pas des artistes professionnels mais des amateurs d'art et des « amis des artistes » - souvent issus de la noblesse - qui conseillaient les artistes sur des questions de composition, esthétique, et l'iconographie et ont souvent défendu certains artistes, parfois en tant que mécènes ou collectionneurs.
Le tirage de Rome
La tradition classique était au centre de la Académie 's programme d'études. En 1666, les Académie a ouvert un satellite à Rome pour faciliter l'étude de l'antiquité par les étudiants. En 1674, les Académie a établi le Prix de Rome (Prix de Rome), un prix prestigieux qui a permis à ses artistes les plus prometteurs d'étudier à Rome pendant trois à cinq ans. Alors que l'objectif de l'Académie française à Rome était de faciliter l'étude de l'antiquité classique, les étudiants ont également dessiné d'après d'importantes œuvres d'art de la Renaissance et du baroque, comme on le voit dans le dessin à la sanguine d'Hubert Robert représentant un artiste copiant la fresque de Domenichino dans une église romane.
Hubert Robert, Dessinateur à l'Oratoire de S. Andrea, S. Gregorio al Celio , 1763, craie rouge, 32,9 x 44,8 cm (Bibliothèque et musée Morgan)
Alors qu'à Rome, ces Académie étudiants—appelés pensionnaires— étudient les œuvres d'art canoniques et renvoient régulièrement à Paris leurs dessins et copies d'œuvres importantes pour montrer leurs progrès. Bien que ne faisant pas partie du programme d'études officiel, la plupart des artistes ont exploré les environs romains, s'inspirant de la richesse du paysage, topographie diversifiée, et des scènes colorées de la vie paysanne. Des liens importants se tissent à Rome avec d'autres artistes, mécènes, et partisans.
Les salons et la montée de l'opinion publique
A partir de 1667, les Académie des expositions établies pour offrir aux membres l'opportunité cruciale d'exposer leur travail à un public plus large, cultivant ainsi des clients potentiels et une attention critique. Tenue annuellement et, plus tard, deux fois par an, ces expositions sont connues sous le nom de Salons, après le Louvre carré de salon où ils ont eu lieu après 1725. Le Salon est devenu un espace important d'échange artistique et une occasion importante de voir l'art avant la formation du musée d'art public.
Pietro Antonio Martini, Vue du Salon de 1785, 1785, gravure, 27,6 x 48,6 cm (image), 36,2 x 52,7 cm (The Metropolitan Museum of Art)
Les œuvres du Salon ont été sélectionnées par un jury d'académiciens. Les peintures étaient présentées selon la taille et le genre, avec des œuvres plus importantes (peinture d'histoire et portrait) occupant les niveaux supérieurs les plus prestigieux, comme en témoigne une gravure du Salon de 1785 où Jacques-Louis David Serment des Horaces figure en bonne place au centre. Avec l'introduction en 1737 d'un public plus large au Salon, c'est l'avènement de l'opinion publique et l'émergence de la critique d'art. Les Académie publié un livret répertoriant les œuvres exposées, organisé par rang d'artiste, appelé le livret . Les collectionneurs d'art et les savants salons ont rédigé des avis analysant la valeur artistique et intellectuelle des œuvres exposées; certains d'entre eux, comme celles écrites par le philosophe Denis Diderot, étaient destinés à une petite communauté de personnes partageant les mêmes idées en France et à l'étranger, mais de plus en plus de critiques d'art étaient imprimées dans les journaux pour être accessibles à un public plus large.
Genres et genres
Les Académie était un espace masculin, pour la plupart; certains peintres acceptaient des étudiantes dans leurs ateliers, surtout dans le dernier quart du XVIIIe siècle. Les femmes artistes ont été interdites par la propriété d'étudier la figure nue masculine, un aspect essentiel de la formation académique. Cela les a rendus incapables de devenir des peintres d'histoire officiellement reconnus, et ils étaient donc limités à des genres considérés comme moins rigoureux intellectuellement. Au cours de ses 150 ans d'histoire, les Académie n'accueille que quatre femmes membres à part entière :Marie-Thérèse Reboul est admise en 1757; Anne Vallayer-Coster est admise en 1770; Adélaïde Labille-Guiard et Elisabeth Vigée-LeBrun sont toutes deux admises en 1783.
C'était la pièce de réception de l'artiste pour l'Académie. Elisabeth Louise Vigée Le-Brun, La paix ramenant l'abondance, 1780, huile sur toile, 103 x 133 cm (Louvre)
Malgré leur acceptation de la Académie, ces femmes avaient des options limitées. Peindre principalement des natures mortes (comme Reboul), Vallayer-Coster a élevé ce genre avec des compositions ornées à grande échelle. Labille-Guiard dirigeait un grand studio d'étudiantes et était bien connu comme un portraitiste de premier plan. Vigée-LeBrun aussi, qui a repoussé les frontières du genre et de son genre en peignant occasionnellement des allégories, y compris sa pièce de réception pour le Académie. Liens familiaux (cas de Reboul, Labille-Guiard, et Vigée-LeBrun) ou protecteurs royaux (cas de Vallayer-Coster, Labille-Guiard, et Vigée-LeBrun) ont joué un rôle essentiel dans leur succès. Sans de tels champions, les femmes artistes n'ont pas pu pénétrer l'institution patriarcale de la Académie . Toujours, leur travail et leur vie personnelle étaient soumis à un examen public injustifié et leurs réalisations étaient souvent décriées.
Abolition et vie après la mort
Dans les années 1780, les Académie a été attaqué par des membres et des étrangers pour avoir politisé la distribution des prix et des honneurs. Ses hiérarchies rigides, structures inéquitables, et le népotisme endémique étaient incompatibles avec les valeurs fondamentales de la Révolution de liberté et d'égalité. Des artistes majeurs qui avaient bénéficié de l'institution ont fait pression pour sa dissolution. Avec le renversement de la monarchie et l'exécution de Louis XVI, les institutions ayant des liens royaux indélébiles ont été examinées et jugées non pertinentes. Les Académie a été aboli le 8 août 1793 par arrêté de la Convention nationale.
Après plusieurs années d'épreuves pour les artistes provoquées par l'érosion royale, noble, et le mécénat ecclésiastique pendant la Révolution, le gouvernement Directoire a relancé plusieurs des structures de la Académie en créant un Institut national des sciences et des arts ( Institut national des sciences et des arts, ensuite Institut de France ) en 1795. Les membres de la nouvelle organisation comprenaient de nombreux anciens académiciens, qui a rétabli certains aspects de la défunte Académie, comme le Prix de Rome en 1797. La hiérarchie des genres, inculqué dans le Académie les membres et le public de , est resté au cœur de la compréhension des arts tout au long du XIXe siècle.
