Japonisme
À gauche :James McNeil Whistler, Caprice en violet et or :l'écran d'or , 1864, huile sur bois, 50,1 x 68,5 cm (Musée national d'art asiatique, Washington, DC); A droite :Utagawa Hiroshige, Osumi Sakurajima , de Vues célèbres d'une soixantaine de provinces , 1856, gravure sur bois, 36,8 x 23,5 cm (The Art Institute of Chicago)
James McNeill Whistler Caprice en violet et or est un exemple précoce de japonisme, un terme inventé par le critique d'art français Philippe Burty en 1872. Il fait référence à la mode de l'art japonais en Occident et à l'influence japonaise sur l'art et le design occidentaux après l'ouverture du Japon autrefois isolé au commerce mondial en 1853. Dans la peinture de Whistler, une femme européenne est assise sur le sol vêtue de soies richement brodées comme celles d'une courtisane japonaise pendant qu'elle étudie un ensemble de gravures sur bois de l'artiste japonais Hiroshige. Des objets décoratifs du Japon et de la Chine l'entourent, comprenant un grand paravent japonais doré.
Un art décoratif à la mode
Couverture du Le Japon Artistique , juillet 1888
La fascination occidentale de la fin du XIXe siècle pour l'art japonais a directement suivi les modes européennes antérieures pour les arts décoratifs chinois et du Moyen-Orient, appelés respectivement Chinoiserie et Turquerie. Le marchand d'art Siegfried Bing fut l'un des premiers importateurs d'arts décoratifs japonais à Paris. Il les vendait dans sa boutique La Porte Chinoise, ainsi que de les promouvoir dans son somptueux magazine Le Japon Artistique , publié de 1888 à 1891. Bing était également un grand partisan de l'Art Nouveau, un style décoratif fin de siècle fortement influencé par le japonisme.
A gauche :Edouard Manet, Émile Zola , 1868, huile sur toile, 146,5 x 115 cm (Musée d'Orsay, Paris); A droite :Claude Monet, La Japonaise , 1876, huile sur toile, 91 1/4 x 56 pouces (Musée des Beaux-Arts, Boston)
Les œuvres d'artistes éminents associés à l'impressionnisme et au postimpressionnisme témoignent de la mode de la fin du XIXe siècle pour l'art et les objets décoratifs japonais. Dans le portrait d'Emile Zola par Manet, le romancier et critique d'art est assis à son bureau débordant. Parmi les œuvres d'art qui l'entourent, on remarque immédiatement une estampe japonaise d'un lutteur et un écran d'or japonais. Monet a dépeint sa femme Camille vêtue d'un kimono japonais entouré de fans japonais, et son jardin d'eau à Giverny a été inspiré par les jardins japonais représentés dans des gravures et comprenait un pont en bois de style japonais. En plus de peindre des copies de plusieurs estampes japonaises, tel que Pont sous la pluie (après Hiroshige) , Vincent van Gogh les a représentés en arrière-plan de plusieurs portraits.
A gauche :Claude Monet, Nénuphars et pont japonais , 1899, huile sur toile, 90,5 x 89,7 cm (Princeton Art Museum); A droite :Vincent van Gogh, Pont sous la pluie (après Hiroshige) , 1889, huile sur toile, 73.3. x 53,8 cm (Musée Van Gogh, Amsterdam)
Une source pour les artistes modernes
Le japonisme a coïncidé avec le bouleversement radical de la tradition artistique occidentale par l'art moderne et a eu des effets significatifs sur la peinture et la gravure occidentales. À cet égard, L'art japonais a affecté l'art moderne de la même manière que les rencontres avec l'art et les artefacts africains et océaniens l'ont fait quelques décennies plus tard. De nombreux artistes modernes de la fin du XIXe siècle ont non seulement admiré et collectionné les estampes japonaises, ils en ont dérivé et adopté à la fois des approches compositionnelles et stylistiques.
Estampes japonaises appelées ukiyo-e, ou "images du monde flottant, ” étaient une forme d'art populaire bon marché au Japon pendant la période Edo (1615-1868). Ils étaient associés aux quartiers de divertissement urbains (le soi-disant monde flottant) au Japon et représentaient généralement des acteurs célèbres, courtisanes, et lutteurs, ainsi que des vues de paysage de sites bien connus. Les imprimés Ukiyo-e sont apparus pour la première fois en Europe en tant que matériau d'emballage utilisé pour protéger les objets de valeur en porcelaine importés, mais ils ont attiré l'intérêt des artistes et des collectionneurs d'art européens et ont été bientôt importés pour eux-mêmes.
À gauche :James McNeill Whistler, Nocturne :Bleu et Or – Vieux Pont de Battersea , 1872-5, huile sur toile, 68,3 x 51,2 cm (Tate Britain, Londres); A droite :Utagawa Hiroshige, Jardins de bambou, Pont de Kyobashi de Cent vues d'Edo , 1857, gravure sur bois, 36 x 23,5 cm (Brooklyn Museum)
En plus de représenter des objets décoratifs japonais, Whistler a utilisé à la fois des sujets et des stratégies de composition dérivés des gravures d'Hiroshige de vues notables au Japon. L'une de ses peintures les plus innovantes et les plus connues, Nocturne en bleu et or :Battersea Bridge , fait écho à celui d'Hiroshige Pont de Kyobashi à la fois dans son sujet nocturne et dans la vue brusquement recadrée du pont au premier plan. Les grandes zones de couleurs plates typiques des gravures sur bois japonaises peuvent également avoir influencé les formes simplifiées et la gamme de couleurs réduite de Whistler.
Impressionnisme
À gauche :Mary Cassatt, La lettre , 1890-91, pointe sèche et aquatinte sur papier (National Gallery of Art, Washington DC); A droite :Kitagawa Utamaro, Seyama des Matsubaya, Kamuro Iroka et Kukari , de Six rivières joyaux , 1793, gravure sur bois, 15 ¼ x 9 15/16 pouces (Musée des Beaux-Arts, Boston)
Les impressionnistes s'intéressaient également aux estampes japonaises. Après avoir visité une exposition d'estampes ukiyo-e en 1890 à Paris, Mary Cassatt a utilisé des motifs décoratifs similaires, espaces aplatis et figures simplifiées dans une série de gravures en couleurs qui comprend La lettre . les sujets de prédilection de Cassatt, les femmes dans les intérieurs domestiques jouant avec les enfants ou se toilettent, étaient courants dans les estampes ukiyo-e, un fait qui a sans aucun doute contribué à son intérêt pour eux.
A gauche :Edgar Degas, Le métro , 1886, pastel sur carton, 60 x 83 cm (Musée d'Orsay, Paris); A droite :Utagawa Kunisada I, Chrysanthème de Concours de Fleurs Modernes , c. 1820, gravure sur bois, 39,2 x 26 cm (Musée des Beaux-Arts, Boston)
L'ami de Cassatt, Edgar Degas, a utilisé des dispositifs de composition japonais pour représenter des femmes se baignant. Dans Le métro une femme s'épongeant le cou est représentée d'un point de vue surélevé qui met l'accent sur les formes plates et les motifs créés par son corps et les objets environnants. La courbe de la baignoire se poursuit dans le dos de la femme, tandis que la verticale de son bras gauche est parallèle au bord de l'étagère sur le côté droit du tableau. Ainsi, bien que Degas utilise l'ombrage traditionnel en clair-obscur pour définir des formes tridimensionnelles, le motif abstrait et la conception de la surface dominent l'image, aplatir l'espace et le rendre ambigu.
Comme Degas Le métro , de Kunisada Chrysanthème montre une femme qui se baigne entourée d'objets ménagers ordinaires - notez le chauffe-eau et la brosse à récurer dans le coin supérieur droit. Bien que l'angle de vue ne soit pas aussi élevé que celui de l'œuvre de Degas, on voit la femme d'en haut, et Kunisada utilise l'espace et les objets qui l'entourent pour construire un cadre visuel pour la figure plutôt que de définir clairement un espace intérieur. La répétition des couleurs et des formes simplifiées crée un motif de surface fort, tout comme l'absence d'ombrage clair-obscur.
Post-impressionnisme
Vincent Van Gogh, Portrait du Père Tanguy , 1887, huile sur toile, 65 x 51 cm (Musée Rodin, Paris)
Chez les postimpressionnistes, van Gogh était particulièrement passionné par l'art et les traditions japonaises, bien que sa compréhension de la culture japonaise était limitée et souvent plus personnelle que basée sur une connaissance réelle. Il a amassé une collection de centaines d'estampes japonaises, et ils ont influencé le développement de son style, notamment ses couleurs vives, formes planes simplifiées, et l'utilisation de motifs de surface décoratifs. En 1888, il écrit à son frère Théo, « Tout mon travail est basé dans une certaine mesure sur l'art japonais. . .. "
Paul Gauguin, Vision après le sermon (ou Jacob Wrestling with the Angel) , 1888, huile sur toile, 72,20 x 91,00 cm (Galerie nationale d'Écosse, Edinbourg)
Gauguin a emprunté directement à l'art japonais au début de son étreinte éclectique et variée de cultures et de formes d'art non-occidentales. Les couleurs vives et les formes plates de ses peintures cloisonnistes devaient beaucoup aux estampes japonaises. Dans Vision après le sermon Gauguin a utilisé deux sources japonaises spécifiques. Les figures de Jacob et de l'ange en haut à droite sont dérivées des estampes de lutteurs de sumo de Hokusai, tandis que la composition globale avec son fond rouge plat et sa branche d'arbre en arc abrupt fait écho à l'estampe d'Hiroshige d'un prunier en fleurs, une estampe que van Gogh a également copiée.
À droite :Katsushika Hokusai, Manga Hokusai , 1817, gravure sur bois (Collection Pulverer, Institution Smithsonian); A gauche :Utagawa Hiroshige, Jardin de pruniers à Kameido , 1857, gravure sur bois, 36 x 23,5 cm (Brooklyn Museum)
Approches décoratives
Comme de nombreux artistes associés à l'Art Nouveau, Henri de Toulouse-Lautrec a été fortement marqué par l'art et le design japonais. Ses affiches, comme celui d'un café-concert club appelé Divan Japonais, montrent la forte influence des estampes japonaises d'acteurs Kabuki dans leurs formes plates, conception de contour puissant, et l'utilisation dramatique de formes noires. Contrairement aux peintures que nous avons examinées jusqu'à présent dans cet essai, Les affiches de Toulouse-Lautrec jouaient un rôle similaire à celui des estampes japonaises; ils étaient bon marché, forme de publicité produite en série pour l'industrie du divertissement.
A gauche :Henri de Toulouse-Lautrec, Divan Japonais , 1892-3, lithographie en couleurs, 80,8 x 60,8 cm (The Metropolitan Museum of Art, New York); A droite :Toshusai Sharaku, Acteur de Kabuki Otani Oniji , 1794, gravure sur bois, 38,1 x 35,1 cm (Le Metropolitan Museum of Art, New York)
Les Nabis, un groupe d'artistes postimpressionnistes français affiliés à la fois à Pont-Aven et au symbolisme, étaient de grands admirateurs de l'art japonais. Ils étaient dédiés aux arts décoratifs et étroitement associés à la galerie Maison de l'Art Nouveau de Siegfried Bing. En plus de créer des peintures, ils ont conçu de nombreux objets de décoration dont des paravents et des vitraux.
Pierre Bonnard, Les femmes du jardin , 1891, détrempe sur toile, 160 x 48 cm (Musée d'Orsay, Paris)
Pierre Bonnard, le plus japonais du groupe, peint un ensemble de quatre panneaux verticaux étroits, initialement destiné à faire partie d'un paravent à la japonaise, montrant des femmes dans des jardins stylisés. Le sujet ainsi que les motifs détaillés et les formes décoratives plates sont directement inspirés des estampes japonaises et des paravents peints. Son dernier écran lithographique en papier, Promenade des nounous , est encore plus sensiblement influencé par le design japonais dans sa composition diagonale et son utilisation d'une gamme de couleurs restreinte et de silhouettes à motifs sur une étendue de papier blanc.
Pierre Bonnard, Promenade des nounous, Frise de Carrosses , 1899, lithographie en couleurs, chaque panneau 137,2 x 47,6 cm (MoMA)
L'art japonais a eu des effets significatifs à la fois sur les arts décoratifs occidentaux et sur l'évolution de nouveaux styles artistiques associés à l'art moderne. Les qualités distinctives de l'art japonais - utilisation décorative de la couleur, modelage de surface, et les compositions asymétriques - ont offert de nouvelles approches frappantes aux artistes modernes développant des alternatives à la tradition occidentale de la représentation naturaliste.
