Les « Cathedrals of Art » de Florine Stettheimer célèbrent et critiquent les sanctuaires laïques de New York. Voici 3 choses que vous ne savez peut-être pas à ce sujet

A la mort de Florine Stettheimer en 1944, à 72 ans, l'artiste new-yorkais, poète, et salonnière, mettait encore la touche finale à Les Cathédrales d'Art, le dernier d'une série de quatre peintures monumentales consacrées à la culture new-yorkaise, social, et des temples économiques, de taille identique, chaque tableau mesure cinq pieds de haut sur un peu plus de quatre pieds de large.

Les séries, qui inclut Les cathédrales de Broadway (1929), À Les cathédrales de la Cinquième Avenue (1931) , Et Les cathédrales de Wall Street (1939), était un hommage clinquant aux lieux de culte de la ville où elle avait vécu toute sa vie d'adulte. Pour l'artiste profondément privée, À Les cathédrales d'art est sans doute la plus personnelle des œuvres.

Bien qu'elle n'ait pas été adorée par la critique de son vivant, Stettheimer était pleinement impliqué dans le milieu culturel de la ville et comptait Marcel Duchamp, Alfred Stieglitz, et Georgia O'Keeffe parmi ses amis les plus chers et les invités fréquents de la maison (Duchamp a organisé une rétrospective posthume en 1946 du travail de Stettheimer au MoMA, le premier du musée dédié à une femme.)

Peint dans la quintessence de Stettheimer, et intentionnellement, palette féminine de blancs, roses, et rouges, Les cathédrales d'art est un portrait fantastique de trois des principaux musées de la ville :le Musée d'art moderne, le musée Métropolitain d'art, et le Whitney Museum of American Art - et regorge de représentations de critiques d'art réels, concessionnaires, et même l'artiste elle-même, en bas à gauche, semblant accueillir les spectateurs dans la scène spectaculaire. L'une des toiles les plus célèbres de Stettheimer, Les cathédrales d'art Capricieux, même fey, l'atmosphère est un placage pour le commentaire social incisif de l'artiste et les perspectives contemporaines informées.

Voici trois faits sur Les cathédrales d'art Cela pourrait vous faire voir la peinture d'une toute nouvelle manière.

La peinture est un qui est qui du monde de l'art de New York

De son vivant, Le travail de Stettheimer était largement compris comme ornemental, insulaire en matière, et, dans le meilleur des cas, cultiver une tradition symboliste américaine. Au cours des dernières décennies, cependant, les historiens ont souligné la satirique, même d'inspiration sociale, des messages codés dans son style faux-naïf (Stettheimer était en quelque sorte un épanouissement artistique tardif et travaillait dans une tradition académique avant de trouver son style de peinture caractéristique à l'âge de 40 ans).

Les peintures « Cathédrales » sont uniques pour Stettheimer en ce sens que le sujet n'est pas ouvertement personnel. son sujet était centré sur le monde intime de ses amis et de sa famille, y compris ses sœurs Ettie et Carrie. « Le caractère social de ces œuvres est d'un genre très privé, " A écrit l'historienne de l'art Linda Nochlin. " Les gardiens sont les habitants privilégiés d'un monde des plus exclusifs, le monde des divertissements des Stettheimer, soirées, et des pique-niques."

Les cathédrales d'art A présenté une occasion unique pour Stettheimer de placer les figures du monde de l'art qu'elle connaissait dans la vie réelle dans l'agglomération fantastique du Met (au centre), MoMA (à gauche, avec des références à des tableaux de Picasso et Henri Rousseau), et le Whitney (à droite), présenté dans un décor scénique apparemment continu.

Les personnages célèbres abondent dans l'œuvre. Le critique d'art Henry McBride est représenté vers l'avant du tableau avec des drapeaux "stop" et "go" à la main, une référence à ses pouvoirs critiques. Alfred Stieglitz se tient vers le centre de la toile dans un fringant cape noire qui signale son rôle d'esthète. Le photographe George Platt Lynes est représenté en train de photographier un bébé, que Stettheimer appelait « Baby Art ». objets de la collection du musée, comme en tournée.

Femmes, généralement au cœur des mondes peints de Stettheimer, existent principalement sur la périphérie de cette scène.Stettheimer se dépeint, assez jeune étant donné qu'elle avait 70 ans à l'époque, étiqueté sur la toile comme un commere , Ou marraine, de la scène, mais elle apparaît comme une observatrice extérieure, résidant dans un espace couvert. La réalisatrice de Whitney, Juliana Force, semble isolée, un peu résolu à côté d'une statue dorée de Gertrude Vanderbilt Whitney, au fond à droite du tableau.

Comme c'est typique du travail de Stettheimer, un arrangement d'indices et de codes ressemblant à un puzzle peut être interprété pour des significations possibles.Alors qu'elle arbore le nom de Picasso sur le mur du musée, elle ajoute le sien aussi, mais c'est écrit à l'envers, un indice faisant allusion à sa propre obscurité, et le genre de détail qui dément l'apparente frivolité de l'œuvre.

La peinture était conçue comme un retable profane

La série « Cathedrals » de Stettheimer était censée représenter les soi-disant « lieux de culte » de la ville de New York :les arts, la finance, et la société. En créant ces œuvres, Stettheimer s'est tourné vers l'art religieux pour s'inspirer de la composition, notamment des retables triptyques.

"La série est conçue pour ressembler à un retable en plusieurs parties, non seulement par son échelle et sa dimension (chaque œuvre mesure plus de 50 pouces de large et 60 pouces de haut) mais aussi dans son affichage idéal, "A écrit l'historien de l'art H. Alexander Rich dans l'essai "Redécouvrir Florine Stettheimer (Again)." Dans cette lecture, trop, nous pouvons imaginer les représentations de Stettheimer d'elle-même et de son ami Robert Locher comme animateur et Commère (parrain et marraine), comme les saints qui nous accueillent dans la scène, mais eux-mêmes existant en dehors de lui.

"Les deux personnages [agissent] en tant que saints patrons ou intercesseurs entre le monde de l'art et son public. Cathédrales d'Art , alors, n'est pas seulement un hommage à l'art mais aux institutions artistiques de New York et aux personnes qui les dirigent, " A écrit Nochlin.

Avec ces références religieuses à l'esprit, le cadre voûté de la structure du musée peut être interprété comme une sorte de mandorle, entourant les allées sacrées du musée tandis que « Baby Art » au centre est un substitut de l'enfant Jésus dans une crèche, avec le flash des appareils photo, une représaille contemporaine de la lumière divine.

Le théâtre a profondément influencé son approche de la peinture

Les discussions critiques sur le travail de Stettheimer notent souvent à juste titre l'influence de la conception théâtrale, surtout dans son sens aigu de la mise en scène et du cadrage.Elle avait passé une grande partie de sa jeunesse en Europe avec ses sœurs et sa mère, et une visite aux pionniers des Ballets russes de Sergei Diaghilev a eu un impact durable sur sa peinture (Stettheimer a également conçu le décor de l'opéra de Gertrude Stein de 1933. Quatre saints en trois actes. )

Stettheimer était aussi un poète dévoué, et on dit souvent que son écriture est influencée par les philosophies du philosophe français Henri Bergson. Bergson a plaidé contre les notions fixes de temps et de mémoire en faveur des idées de simultanéité, mouvement, et le changement - influences apparentes non seulement dans la poésie de Stettheimer, mais aussi dans sa peinture.

"En dupliquant des figures au sein de la scène et en combinant plusieurs jours en un seul, Stettheimer a puisé dans sa compréhension de l'époque bergsonienne, " A écrit l'historien de l'art David Tatham. " Les arguments de Bergson distinguaient la durée avec son hétérogénéité, événements superposés et linéaires, temps mesurable. Dans l'expérience humaine, la durée embrassait le passé remémoré aussi bien que le présent conscient, et en tant que concept, c'était étranger au moment figé de l'art pictural."

Dans Cathédrales d'Art nous pouvons voir cet emploi de la simultanéité à travers son amalgame fantaisiste d'espaces et d'événements, mais aussi dans sa représentation de « Baby Art, « Qui apparaît à la fois au premier plan du tableau et en arrière-plan, dirigé par le réalisateur du Met Francis Henry Taylor.