Henri Russo (1844-1910)
Comme beaucoup de génies en avance sur leur époque, Henri Rousseau n'a pas connu de son vivant, ni gloire ni richesse. Un artiste talentueux, qui a travaillé jusqu'à l'âge de 41 ans comme commis ordinaire à la douane de Paris, a trouvé la volonté d'abandonner son mode de vie habituel et de se consacrer entièrement à la peinture. La seule chose qui soutenait Rousseau dans son hobby était une foi inébranlable en son propre talent, ce qui lui a permis de devenir l'un des plus grands maîtres de son époque. Étonnamment, le désir d'imiter les techniques du passé a transféré l'artiste directement dans le futur - sa manière créative deviendra très caractéristique de nombreux maîtres du XXe siècle. L'art "naïf" de Russo, au rythme de l'impressionnisme, bientôt séparés dans une école complètement différente. Le style original du peintre, plein d'éléments de fantasmagorie, était admiré par Pablo Picasso et Robert Delaunay, ne donnant à Rousseau lui-même que des moyens de subsistance minimes pendant sa vie.
Jeunesse orageuse
Débutant sa carrière d'artiste à l'âge de quarante et un ans, Henri Russo était autodidacte. Arrivé de province à Paris et installé comme petit fonctionnaire, Rousseau peignait partout :en service au travail, profitant de la faveur de ses supérieurs, et la nuit à la maison. Pauvres, mais patiente, modeste, mais confiant dans son génie, il est devenu l'un des maîtres les plus importants et les plus reconnus de l'avant-garde artistique, qui a été admiré par les contemporains progressistes et des générations de descendants.
Une fois Rousseau lui-même a écrit une note autobiographique pour le livre "Portraits du siècle prochain" - "Né à Laval en 1844 dans une famille aux revenus modestes désespérés, il a été forcé de se consacrer à la mauvaise profession, ce qui l'a attiré vers son amour de l'art. Vrai, le livre n'est jamais sorti.
Le père d'un artiste autodidacte était Julien Russo - un ferblantier héréditaire d'une ville de l'ouest de la France - Laval. Et sa mère est la fille d'un officier de la Grande Armée de Napoléon. Le père d'Henri voulait désespérément devenir riche, donc, ayant acheté une maison à la périphérie de la ville, il abandonne son métier de ferblantier et essaie de créer une entreprise de revente de marchandises diverses. Mais, Hélas, son travail est brûlé, et depuis lors, une pauvreté désespérée s'est installée dans la maison de Russo.
Heureusement, malgré l'extrême nécessité, la famille de la future artiste a pu envoyer son fils unique étudier d'abord à l'école, puis au Lycée. Henri était un étudiant moyen, bien qu'il ait réussi à obtenir un certain nombre de prix scolaires, se distinguant par le chant et le calcul. Ces réalisations apparemment insignifiantes sont partout notées dans sa biographie non pas parce que Rousseau est devenu des artistes de renommée mondiale, mais parce qu'il a également écrit une valse étonnante du nom de sa première femme - "Clemence".
Après l'entrainement, Henry prend un travail au cabinet d'avocats, où il fait une grosse erreur. A dix-neuf ans, à l'instigation de ses amis, Rousseau vole une petite somme d'argent à la comptabilité, mais cela suffit pour mettre un terme à la carrière de son avocat et faire l'objet d'une enquête. En cour, Henry doit accepter un accord - jusqu'à sept ans de service militaire, pour seulement un an de prison.
Le Régiment Russo, en poste en France, ne participera jamais aux hostilités à l'étranger. Même lorsque Napoléon III envoie le corps militaire français au Mexique pour soutenir son protégé Maximilien dans la lutte pour le trône impérial, la future avant-garde ne participe pas à l'expédition. Même si, beaucoup plus tard, le poète Guillaume Apollinaire (1880 - 1918) écrit un poème sur le séjour de Rousseau dans le coloré Pays Aztèque, l'artiste ne cherche jamais à le réfuter, ainsi qu'un certain nombre d'autres mythes sur sa vie.
En 1868, le père de Rousseau meurt, et Henri, seul soutien de famille, est renvoyé de l'armée. Ayant quitté son régiment, qui était alors situé à Paris, il plonge tête baissée dans la vie trépidante de la grande ville. Tout d'abord, le jeune homme trouve du travail et prend sa vie en main, situé non loin du Bon Marché, le premier centre commercial de plusieurs étages de la capitale française.
Le jeune homme tombe immédiatement amoureux de la fille de la maîtresse de maison, Madame Buatar. En 1869, il prend Clémence Buatar pour épouse. Malgré la faiblesse constante (Clémence était atteinte de tuberculose), le conjoint aide Henri à gagner de l'argent à vie, faire inlassablement de la couture sur commande. Les weekends, les amoureux se promènent souvent dans les beaux parcs parisiens. Vrai, le bonheur d'Henri et de Clémence est éclipsé par le fait que leurs enfants meurent les uns après les autres dès leur plus jeune âge.
Des sept enfants d'époux aimants, seuls deux survivent - la fille de Julie-Clemence et le fils d'Henri-Anatole. la femme de Russo, constamment tourmenté par la tuberculose, était trop faible pour s'occuper elle-même des enfants, ainsi, dès leur naissance, ils ont été élevés par une nounou qui habitait en banlieue parisienne. En 1888, Clémence meurt. Henri Russo n'oubliera jamais sa femme bien-aimée. Même de son vivant, il lui consacrerait une valse de sa composition, et après sa mort, il créera encore et encore ses portraits.
Petit art vivant officiel
En 1871, le jeune Russo a obtenu un emploi permanent à la douane du département des accises, qui au XIXe siècle percevait des taxes sur les marchandises importées à Paris. L'inspection des marchandises aux portes de la ville est une occupation ennuyeuse et monotone, mais il ne limite pas la liberté intérieure de celui qui l'exécute.
Au cours d'un des prochains quarts de travail, un petit commis installe un chevalet en plein dans la cour du bâtiment du département, et commence à dessiner. Malheureusement, les peintures peintes par Russo jusqu'en 1877 n'ont pas survécu. L'exception est une seule, représentant une scène de bataille dans le contexte du paysage local.
Bientôt, l'artiste alors célèbre Félix Clément (1826 - 1888), qui a aidé le jeune Russo avec des conseils, présente le peintre en herbe à l'un des représentants de l'art français officiel de cette époque, Baron Léon Jérôme. Après ça, Rousseau loue son premier atelier et en 1885, soutenu par le baron, expose pour la première fois deux de ses œuvres au Salon des Misérables.
Un an plus tard, en 1886, l'artiste Paul Signac (1863 - 1935), intéressé par l'œuvre d'Henri Russo, l'invite à participer à une nouvelle exposition. Signac considérait que le meilleur endroit pour les œuvres d'un peintre aussi original était au Salon des Artistes Indépendants, créé par des représentants de l'art d'avant-garde. Le fait est que toutes les premières tentatives pour créer des salons indépendants se sont soldées par un échec - comme par magie, ils ont commencé à ressembler au Salon officiel, ce qui ne convenait pas aux peintres progressistes qui éprouvaient un besoin croissant d'être exposés séparément.
Pour Rousseau, il était évident que les milieux artistiques officiels représentés par le Salon, avec sa vieille tradition académique, aurait rejeté à jamais l'autodidacte, du moins du principe. Par conséquent, à partir de ce moment jusqu'à la fin, Henri Russo restera fidèle au nouveau "salon sans jury".
Déjà en 1886, ayant exposé quatre de ses œuvres dans un salon indépendant, l'artiste en herbe sera très apprécié par des peintres aussi célèbres que Paul Gauguin (1848 - 1903) et Puvi de Chavannes (1824 - 1898), qui étaient ravis de la capacité de Rousseau à transmettre des moments dramatiques à l'aide de nombreuses nuances de noir. Mais, en général, ses oeuvres restent incompréhensibles pour le public, encore plus - ils sont ridiculisés - les universitaires ont affirmé que même un enfant est capable de dessiner comme ça.
Heureusement, Rousseau était très résistant aux sarcasmes et aux critiques du public. Il conclut même un accord avec Argus, selon laquelle tous les articles de revues et coupures de journaux lui ont été envoyés, qui contenait des critiques et des commentaires sur son travail. En prévision de la reconnaissance universelle de son talent incontestable, l'artiste les a collés avec pédantisme dans un cahier, qui est finalement devenu plus épais. C'est par les journaux que Russo apprend un jour que la mairie de Paris lui a décerné une médaille. Heureux, il ordonne aussitôt de mentionner la récompense sur sa carte de visite, mais plus tard, il s'est avéré qu'il était pressé :il s'agissait d'un autre artiste du même nom.
Préoccupé après le décès de sa femme de trouver des fonds pour l'entretien normal des enfants et d'acheter des peintures, Rousseau, dans l'espoir de gagner de l'argent et d'être impressionné par l'Exposition universelle de Paris en 1889, où la France a présenté sa célèbre Tour Eiffel, l'artiste se tourne à nouveau vers la musique et écrit le livret pour le vaudeville. Malheureusement, cela n'a pas rapporté un centime.
Après avoir pris sa retraite en 1893, après des années de service, Rousseau touche une maigre pension et ne peut que rêver au temps où son passe-temps favori - la peinture, commencera enfin à rapporter des revenus décents. En attendant, Russo est contraint de donner des cours de violon et de dessiner des tableaux sur commande, les vendre à des prix ridicules. Même si, un an plus tard, son œuvre « La guerre », exposé au Salon des Indépendants, obtient une large réponse, en particulier, l'écrivain Alfred Jary (1873 - 1907) l'admire, avec la lumière de qui, l'artiste Henri Russo reçoit le surnom de « Douanier » (Le Douanier), fixé à lui à vie.
Bientôt, toute la famille Russo déménage, qui est où. En 1895, la fille de l'artiste part avec son mari à Angers, situé dans l'ouest de la France, et le peintre déménage avec son fils Henri-Anatole pour vivre à Montparnasse - le célèbre quartier de la rive gauche de la Seine, qui devint plus tard un lieu de rencontre privilégié pour l'avant-garde artistique et intellectuelle. Là, sur Montparnasse, Rousseau rencontre Joséphine Le Tensorer - une femme du quartier qui a conquis le cœur de l'artiste. Pendant longtemps, Joséphine néglige les confessions d'amour du peintre et n'accepte de devenir sa femme qu'après la mort prématurée d'Henri Anatole.
En tant que franc-maçon épris de liberté, Henri Russo se maria encore à l'église avec son nouvel amour en 1898. La situation financière de la famille était plutôt déplorable, donc, pour aider son mari, Joséphine a essayé de vendre son travail dans son magasin de fournitures de bureau, et l'artiste, à son tour, continué à donner des cours rémunérés. Néanmoins, Les dimanches, Rousseau, malgré son besoin, dans le cadre de la Société Philotechnique, dont le but principal était d'éduquer les masses, appris à tous ceux qui voulaient peindre à l'aquarelle, pastel, et aussi, avec fierté et plaisir, a partagé son expérience dans la peinture de porcelaine et de céramique.
Mendiant Génie
À peine cinq ans plus tard, en 1903, le peintre devient veuf pour la deuxième fois, et, essayer de faire face au deuil, il se consacre entièrement au travail. Je dois dire, sa carrière d'artiste, a finalement commencé à prendre rapidement de l'ampleur. En 1903, il a de nouveau participé à deux salons d'art - Artistes Indépendants (en mars) et au premier Salon d'Automne, qui a ouvert en octobre. Mais le peintre est toujours dans le besoin. Heureusement, la famille papoue modeste mais généreuse, qui habitait le quartier, l'invitait souvent à leur dîner, et amie Marie Bisch, qui fait du petit commerce, plus d'une fois aide Russo dans des situations financières critiques.
Le tournant n'a lieu qu'en 1906, lorsque l'artiste rencontre Robert Delaunay (1885 - 1941) et le poète Guillaume Apollinaire. De nouveaux amis admirent ouvertement le talent du peintre, et Pablo Picasso (1881-1973), ayant accidentellement acquis le Portrait de femme de Bris Henri Russo en 1908, organise un magnifique banquet en l'honneur de l'auteur.
Un des amis de Picasso, Fernanda Olivier, décrit Rousseau :« Ce respectable, homme légèrement voûté qui a plus tendance à courir qu'à marcher, ses cheveux sont gris mais épais, malgré son âge, a les habitudes d'un petit rentier, et son visage est légèrement effrayé, mais gentil. Il rougissait facilement quand il était embarrassé ou quand quelqu'un s'opposait à lui. Il a consenti à tout ce qu'on lui a dit, mais on sentait qu'il se tenait à l'écart et n'osait tout simplement pas exprimer ses pensées. "
Parmi les amis de Rousseau se trouvait Alfred Jary (1873 - 1907), l'artiste l'a rencontré au moment où la dernière œuvre - "King Ubu" (1896), qui fait de lui le célèbre fondateur du théâtre de l'absurde, n'était pas encore écrit. C'est peut-être justement la passion du choc et de la provocation qui rapproche Rousseau et Jary. Selon le jeune écrivain, l'art naïf du douanier, franche et sans concession, choquant l'homme moyen. Une fois que, Zhari a commandé au peintre son portrait. L'image, Malheureusement, n'a pas atteint nos jours, mais on sait que Russo a dépeint son ami avec un caméléon et un hibou. Fry était ravie ! Il verse à Rousseau de l'argent de l'héritage parental et vante partout son talent. L'artiste chérissait cette amitié. C'est lui qui a tendu la main et a abrité le jeune excentrique quand la chance l'a changé en 1897, et Zhary, sans le sou dans sa poche, fini dans la rue.
Henri Rousseau avait un clair, voix enfantine, tout le monde le considérait comme naïf et simple, mais était-ce vraiment le cas ? Une confiance inébranlable en son propre génie a permis au peintre de devenir une personne déterminée avec une endurance extraordinaire, et naïveté presque enfantine - un artiste très original.
En décembre 1907, Rousseau, en raison de son insouciance et de sa crédulité, est de nouveau allé en prison pour fraude, même si, En réalité, il était sa victime. Pour obtenir la liberté, ne serait-ce que pour donner des leçons charitables le dimanche, l'artiste écrit une requête à la Cour :« Se tournant vers votre bonté, Je demande au moins une libération conditionnelle pour pouvoir continuer à travailler. Je vous prie de ne pas détruire ma carrière, pour laquelle j'ai travaillé si dur. " Heureusement, La demande de Rousseau fut acceptée après les vacances de Noël.
Astuces amicales
Selon les contemporains, Rousseau travaillait généralement dans une simple chemise blanche en lin, mais enfile toujours un costume lorsqu'il organise des réceptions dans son atelier. Le collectionneur allemand Wilhelm Ugde, le premier à dédier un livre entier à l'artiste en 1911, était l'un des habitués des soirées des douaniers. Voici comment il décrit la rue où se trouvait la maison de Rousseau :« Elle ne fait que quelques marches et repose ensuite contre un mur de pierre. Il semble que nous soyons quelque part en province et pas à Paris. Dans les chambres du rez-de-chaussée le propriétaire habite avec sa famille, et au-dessus sont les appartements des invités. Sur l'une des portes, il y a un panneau - "Leçons de rhétorique, musique, dessin, solfège ». Nous appelons et entrons :Russo nous rencontre. "
Presque tous les samedis soirs, parmi ses tableaux et amis, le douanier joue du violon pour les artistes, collectionneurs et amateurs d'art. Il est à nouveau amoureux, mais Léonie, une veuve de 59 ans, refuse de devenir sa femme. A ces soirées, on pouvait souvent rencontrer le propriétaire de la maison où habitait Rousseau - M. Keval, un homme calme et respectable qui était le collègue de Russo pour le travail dans le service des douanes de Paris. Parmi les invités, il était souvent possible de voir Ambroise Vollard, qui a acheté des tableaux de l'artiste et l'a invité plus d'une fois avec lui à des soirées artistiques. Henri Rousseau était en pleine effervescence :il était enfin temps de goûter aux fruits de nombreuses années de travail acharné - une situation financière stable, reconnaissance universelle. C'est juste la santé… Le peintre a longtemps été troublé par des blessures non cicatrisées sur ses jambes, lequel, à la fin, causé la gangrène.
Un artiste brillant, Henri Russo est décédé le 2 septembre 1910 à l'hôpital municipal Necker à Paris. Il a été enterré dans une fosse commune. Robert Delaunay, Ambroise Vollard et Paul Signac sont venus voir l'artiste lors de leur dernier voyage.
Un an plus tard, Delaunay organise à ses frais une réinhumation de la dépouille de l'artiste. Et Guillaume Apollinaire écrira sur sa pierre tombale une épitaphe composée par lui :« Adieu à vous, notre bon ami Russo ! Écoutez-nous - Delaunay avec sa femme, Kéval et moi. Nous vous apporterons des pinceaux, des peintures, et toile en cadeau, afin que vous fassiez des portraits d'étoiles à votre saint loisir. "
Premiers travaux
En regardant les premiers tableaux d'Henri Russo, l'un des critiques s'exclamera :« Il est sincère et naïf, rappelle quelque peu les primitifs. » Le deuxième critique est d'accord :« Cette peinture est plutôt sèche et dure, mais très intéressant, car sa naïveté conduit à l'idée de primitivistes italiens.
Bien que les toiles soient « Walking through the Forest » et « Meeting in the Forest », le peintre est encore plus proche de la peinture nationale de l'époque rococo du XVIIIe siècle que des primitifs italiens. Ceci est dû en grande partie au motif traditionnel bien visible des scènes galantes (fetes galantes), très caractéristique de l'artiste français Antoine Watteau (1684 - 1721), dont les tableaux ont été exposés au Louvre. D'ailleurs, ce sont leurs reproductions qui ornaient les murs de l'atelier Russo.
Les œuvres de la première période chez Rousseau le distinguent beaucoup de ses contemporains - les impressionnistes. Cela se voit clairement dans la palette de couleurs sophistiquée des peintures « Rencontre dans la forêt » et « Promenade dans la forêt », dans lequel le peintre représente des arbres réels et imaginaires en utilisant un grand nombre de nuances différentes de brun et de vert.
Dans la première image, la forêt est dense et infranchissable, dans le second - léger et transparent. Tous les plans à long terme sont faits de vagues, petits coups, qui facilite la perception visuelle, neutralisant une forêt sombre trop saturée. Le ciel, occupant un tiers de l'image, arbres délibérément réduits au loin - tout cela parle de la tentative de l'artiste - autodidacte de déterminer en quelque sorte les limites de l'espace, donnez-lui de la profondeur, C'est, montrer la perspective que pour Rousseau, privés de connaissances et de compétences académiques, était une véritable pierre d'achoppement. C'est peut-être pourquoi, plus tard, il abandonne délibérément toute perspective dans ses toiles.
Le tableau «Rencontre dans la forêt» représente des amoureux à cheval et se regardant. Ils sont vêtus de costumes typiques du XVIIIe siècle. Les longs cheveux de la femme sont librement lâches sur ses épaules - un motif présent dans de nombreuses images féminines du pinceau de Rousseau. La force des sentiments, câlins mutuels, la tendresse dans le regard de l'homme crée un effet clair de la présence de ce couple sur la toile, malgré le fait que leurs corps sont pratiquement invisibles derrière la végétation luxuriante. N'aimant que dans leur propre monde, ils sont apparus pendant une courte période de derrière la forêt, et il semblait qu'ils étaient sur le point de disparaître de nouveau à jamais.
Sur la toile « Walking through the Forest » on voit une femme très proche de Clémence, elle semblait se figer - peut-être était-elle effrayée par les échos précipités de la cavalcade, le bruissement alarmant des feuilles ou le craquement soudain d'une branche.
Images féminines
Images féminines, ainsi que des images d'animaux, occupait une grande place dans l'œuvre de l'artiste. Deux grands portraits féminins, peint par Rousseau avec un petit manque, sont des compositions très similaires. Les deux représentent des femmes en noir debout en pied. Le format des œuvres et les poses des personnages permettent d'attribuer les tableaux au genre des portraits de parade. Peut-être que les deux ont été fabriqués sur commande, bien que l'identité des modèles soit restée inconnue.
La première toile - "Portrait de femme" (nom alternatif "Portrait de Mme M.") a été créée vers 1895. C'est ce tableau qui a été acquis à un prix très modeste en 1908 par un autre artiste brillant - Pablo Picasso (1881 -1973), qui en était très enthousiaste. Cette œuvre est également connue sous le nom de Jadwiga, bien qu'il n'y ait aucune preuve que le nom du modèle correspond.
Il existe une légende selon laquelle la jeune fille sur la toile était une belle Polonaise qui a charmé le peintre. Et bien que cette version n'ait aucune preuve, le fait demeure :Rousseau aimait ce nom. Il les a lui-même appelés le personnage principal de la pièce de sa propre composition - "La vengeance de l'orphelin russe". C'est peut-être elle qui incarnait pour l'artiste une certaine image de la femme idéale. Du même nom, le maître appellera l'héroïne de son autre toile - "Dream" (1910).
La composition du premier portrait ressemble à une photographie mise en scène d'un magasin à l'époque. Une figure féminine se dresse sur un balcon rempli de vases à fleurs contre un rideau massif, entouré d'un paysage fantastique. Dans les mains de Jadwiga se trouve une branche d'arbre. Ce détail est particulièrement intéressant dans la mesure où il s'agit d'un symbole traditionnel de la mort. Cela peut s'expliquer, si vous en croyez les tenants de la théorie de l'existence réelle de cette femme, qui prétendent qu'au moment de la rédaction de la toile Jadwiga était déjà morte. Cette hypothèse est indirectement confirmée par le fait que l'artiste a choisi la couleur noire pour la robe de la femme, qui a toujours souligné la nature dramatique particulière de la scène représentée.
La femme du deuxième portrait est représentée au milieu d'une variété de verdure passionnante. Sa main repose sur sa cuisse, et ses jambes dépassant à peine de sa robe touchent à peine le sol, qui crée l'illusion du mouvement. Au bas de la toile on voit un chaton jouant avec une pelote de fil, apportant vivacité et spontanéité au ton officiel du portrait.
Russo termine son célèbre ouvrage « The Sleeping Gypsy », également dédié à l'image féminine, juste un mois après la mort de son fils unique, Henri Anatole.
En 1897, il expose l'oeuvre au Salon des Indépendants, l'accompagnant d'une légende inscrite sur le cadre :« Un prédateur, accablé par une soif de sang, se fige sur place, n'osant pas attaquer une victime profondément endormie." La figure de la bohémienne avec son écharpe et ses vêtements colorés, contrastant fortement avec le teint foncé, rappelle un peu les femmes orientales des peintures d'artistes académiques. C'est cet ouvrage que Russo proposa activement d'acquérir les mesures de sa ville natale de Laval, en mémoire de lui-même.
L'artiste a même écrit au maire de la ville :« Ici, tout est baigné de clair de lune. Bien sûr, la mairie a rejeté son offre. L'œuvre disparaît et n'est redécouverte qu'en 1923 et, puisque tous les tableaux de Rousseau n'étaient pas largement connus, provoque beaucoup de controverses et de rumeurs. Beaucoup le considèrent comme un faux, une blague, qui a été attribué à un autre artiste - Derain. Ceux qui ne doutaient pas de la véritable paternité du tableau, considéré comme une étape très décisive du peintre du réalisme au surréalisme.
Bientôt, Rousseau s'est éloigné des impressionnistes, bien qu'il partageait toujours leur aversion pour les canons traditionnels des beaux-arts. L'impressionnisme impliquait la liberté de création si nécessaire à Rousseau. Son art, basé sur une interprétation complètement plate de toutes les formes, non seulement ne prend pas en compte les règles standard de représentation des perspectives adoptées à la Renaissance, mais aussi les néglige consciemment. L'artiste simplifie la forme, créant son propre style de peinture unique. Les vraies proportions sont ici déformées, l'élaboration couleur du volume est absente, et l'ombre n'existe pas du tout. Rousseau ne voulait pas dépeindre une réalité ennuyeuse et banale, passant par son riche imaginaire toutes les images et toutes les formes.
L'art de l'artiste ressemble fortement à des tableaux peints décoratifs avec des figures multicolores de texture lisse et de forme sans prétention. Son tableau "L'enfant à la marionnette" fait une impression étrange qui fait frémir. Le maître dessine d'abord les contours de la figure d'un enfant ressemblant à une poupée de porcelaine, le laissant lui-même non écrit, puis travaille sur le fond de l'image et revient à nouveau à la figure. Rousseau, comme Emil Bernard (1868 - 1941) et Paul Gauguin, ignore complètement les principes de la perspective classique. En outre, le peintre donne une nette préférence aux conventions de fond, plutôt que des détails ennuyeux.
Portraits d'enfants
Brushes Russo possède de nombreux portraits d'enfants. On ne sait pas pourquoi le thème des enfants était si important pour l'artiste, s'il s'agissait de travaux sur mesure, si l'artiste ressentait la perte de ses six enfants. La réponse exacte à cette question est inconnue, on ne peut que supposer que, représentant des enfants, le peintre a essayé à l'aide de peintures, pinceaux et imagination pour faire revivre les images de ses proches. Many of Rousseau’s portraits of children are in large format.
Par exemple, a child in a red dress looks so large that it feels as if his figure hardly fits on the canvas. Apparemment, the child is sitting:legs bent at the knees and almost hidden in the grass speak about this. The figure itself seemed to hover between heaven and earth, which imperceptibly smoothes the feeling of excessive massiveness. Like “The Child with the Puppet, ” the kid in this picture also holds a strange doll in his hand, resembling an adult with facial features.
In another picture of the same period - “Peasant Wedding”, we see a bride who looks at us with humble reverence. The figures of the people around her are so flat that they seem to be separately cut out of colored paper and glued to the background landscape. Even in spite of the trees carefully arranged by the letter “V” and some awkward dog located in the foreground, which theoretically should have been a compositional designation of the perspective, they could not erase the collage impression made by this painting.
The bride’s figure is the undisputed dominant of the picture, it is she who, with her snow-white belt, seems to connect the remaining characters into a single group. Sur la toile, the artist symbolically indicated the continuity of generations, with the help of a long veil of the bride, slightly covering the elderly woman sitting nearby, who is obviously the grandmother of the bride or groom. The figure of an old man sitting separately from the group of main characters, whose legs are hidden in the grass, conjures up thoughts about the connection between modernity and eternity, life and death, earth and sky. The solemnity with which the whole group is located under the trees again reminds of a 19th century shop. It was in such static poses that people froze in front of a photo lens against the background of painted flat scenery:“We don’t move! Do not breathe! ". It’s possible that while working on the “Wedding”, the painter drew inspiration from some photograph, but nothing is known about the reasons for his appeal to this topic, as well as about the personalities of the prototypes of the characters. Although the man standing to the right of the bride remotely resembles the artist himself.
Symbolic works
In 1906, Henri Rousseau presented to the public his new work - “Freedom, calling for painters to participate in the 22nd exhibition of Independent Artists”, which, even being in the exhibition of the Salon of Independents, causes visitors to laugh only. Only a close circle of friends admires the new work of the artist, while the rest can not understand either the design itself or the ways of its implementation.
Friend of the painter - Robber Delaunay exclaims:“In another era, he would have painted the walls of the palaces by order of patrons. In ours, he is forced to be a jester for the inhabitants, he is so serious, so calm. What a senseless irony of fate! ” Russo celebrates the Salon with his new work, which made him a full-fledged artist, in every sense of the word. The compositional center of work is the allegorical figure of Liberty, depicted in a manner reminiscent of the academic. She plays the trumpet, traditionally a symbol of worship.
Un an plus tard, Rousseau again amuses the audience in the Salon of Independents with his work “Foreign representatives arrived under the banner of peace to salute the Republic”. Sur la toile, we recognize the six presidents of the French Republic (dressed in black) standing on the podium, the Russian emperor (in a yellow and blue uniform), the king of England (on the left side), and also on the right:Franz Joseph from Austria, Peter I from Serbia, William II from Germany, Leopold II from Belgium, George I from Greece, the Persian Shah and King of Ethiopia. The republic, in red robes and a Phrygian cap (the headdress of the era of the French Revolution of 1789) triumphantly rises above all, holding an olive branch in outstretched hand. This multicolored extravaganza, colored by foreign flags, passes under the slogan written on three black pedestals standing in the foreground of the canvas:“Work, freedom, equality. ” And in the background we see people gathering in a circle to start their holiday dance.
The artist was very fond of allegories, so popular among representatives of political circles. Repeatedly Rousseau took part in various competitions, which from time to time are arranged by the Paris authorities in order to decorate the premises of various departments. The painter always wanted to receive an official order, well paid and prestigious, because, Premièrement, he constantly felt the need for money, and, Deuxièmement, he still dreamed of universal recognition.
Cependant, the Customs Officer has failed to conquer either one or the other. En outre, all the time there were people who used this artist’s weakness and his inherent naivety to repeatedly play poor Rousseau. It even came to the point that the painter almost went to the Champs Elysees to personally thank the President of the French Republic for awarding him with his main state award - the Order of the Legion of Honor, the award of which was announced to the artist by evil jokers.
Exotic India
Une fois que, the mother of the artist Robert Delaunay, succumbing to the entreaties of her son, decided to order a Russo painting. Her stories about an exotic trip to India inspired the Customs Officer to create a canvas designed in rich green tones typical of the tropical jungle. In the center of the picture we see the figure of a black-haired woman - a snake charmer, who is very reminiscent of an ancient mystical deity. Black snakes, as if mesmerized by the magical sounds of her pipes, slowly creep out from everywhere, and if at first glance they are barely distinguishable, then when the look gets used to a variegated variety and begins to distinguish details, you see them more and more. Étonnamment, their movement on the canvas is felt almost physically. The eyes of the female figure, which are the only bright spot in the picture, add a mystical shade to the canvas, their tremendous attractive power is striking.
A river illuminated by a full moon, a thick and mysterious veil of plants shimmering in all shades of green, an exotic pink bird, brightly shining yellow flowers - the whole scene exudes incredible paradise and tranquility. The vertical lines of the figure and the plants surrounding it are softened by horizontal rays of light coming from the month. This fundamentally distinguishes the composition of “The Enchantress” of Rousseau from his “War”, where the horizontal construction of the entire canvas creates the effect of decay and symbolizes destruction and destruction.
Unpleasant Surprise is somewhat close to Snake Charmer. In this picture we see a woman scared by a bear. The figure of the woman again resembles the mythical goddess, or Old Testament Eve, lost in the Garden of Eden. Her round hips are slightly covered by hair falling down to her knees. As in The Caster, the woman is surrounded by the same bizarre trees with bright foliage, and in the background - on the shores of a magical lake, depicting dense forests of bizarre trees. And in the depths, the figure of a lurking hunter is hardly noticeable. When you see her, the soul becomes calm - he will certainly shoot and save the woman from the predator.
Contemporaries will write down a statement by an Italian critic dedicated to Rousseau:“He lives in a strange world, fantastic and real at the same time, close and far, sometimes funny, sometimes tragic. He loves a riot of colors, fruits and flowers, wild animals and fabulous birds. He lives, working unconscious, focused and patient, met with ridicule and unfriendly shouts every time he decides to break his loneliness in order to present his creation to the world. "
Buddy portrait
The hero of the picture “Chaise of Father Juniet” (1908) is a real character - a seller of vegetables, a former friend of Rousseau (though his real name was Claude Junier). His shop on Montparnasse was located just a few meters from the painter’s workshop. Junier always helped an artist who often lacks money for products. Sometimes Junier, along with his friends, took Rousseau to ride on his chaise, which served him for the transport of goods. Juniera’s pet - a mare Rosa pulled a chaise. The seller of vegetables had a great weakness for horses and dogs, one of which is shown in the picture next to the chaise.
When creating the canvas, the artist used a photograph taken in Klamar in 1908. Rousseau transferred the composition of the photograph to the canvas, adding to it a dog on the road and several figures. While the painter was working on the painting, his workshop was visited by the American artist Max Weber (1881-1961). Considering the work, Weber drew the author’s attention to the imbalance in size between dogs and other objects and characters. Rousseau replied:"Everything must remain as it is."
Perhaps the artist is right, relying only on his own vision, because when you look at this work for a long time, it starts to seem that it is this absolutely disproportionate, and therefore some mysterious dog that gives the picture a touch of fabulousness. It is the altered proportions and disturbed perspective, abundantly supplemented by elements of phantasmagoria, that give Rousseau’s everyday scenes this element of attractiveness and mystery.
Five people and a dog are sitting in a chaise. All of them are depicted facing the viewer, as if lined up in a line, like a group from the canvas "Peasant Wedding", but at a clear angle with respect to the seats of the chaise and the direction of the road. The canvas has an impressive size, very characteristic of works of decorative art, and this, according to critics, makes it similar to the "tapestries of a thousand flowers" - magnificent carpets popular in the 15th century on which colorful ornaments were woven from fancy plants.
Pour la première fois, the artist uses an absolutely smooth canvas in the painting, thanks to which the strokes are almost invisible. The whole color of the picture is clearly divided into two scales:black, white and red in the foreground, and ocher, green and blue - on the "backdrop".
City landscapes
Less well-known but no less significant part of Rousseau’s creative heritage is urban landscapes. Numerous types of Paris and its suburbs were in high commercial demand, donc, l'artiste, constantly constrained by the means, had to write them tirelessly. In those distant times, the outskirts of Paris were still little built up and literally buried in the pristine greenery of forests. The artist did sketches for future paintings immediately with oil paints, without using gouache or charcoal. He confidently writes from life, directly on canvas, only sketching from time to time.
Prescribing individual fragments in the open air with sweeping sharp movements of the brush, Rousseau completes the picture already in the workshop, carefully finalizing the details of each component. Two of the most famous examples of urban landscape in the work of Rousseau are the canvases “Furniture Factory in Alfortville” and “View from the Sevri Bridge”. On them, the painter depicted a free interpretation of the factory for the production of armchairs and chairs in Alfortville and one of the districts of Sevri on the southwestern outskirts of the French capital.
The Furniture Factory in Alfortwigle was written ten years earlier than The View from Sevri Bridge. When you look at the picture, the sky immediately catches your eye, with bizarre clouds on it. On the left is a river, and in the background is a bridge. But both elements are, plutôt, of secondary importance. All the compositional construction of the painting comes from the wavy sidewalk, which unexpectedly creates the impression of the right perspective, rare for Russo’s paintings. The factory building itself strongly resembles a cardboard house from theatrical scenery, and figures of people around look unnatural. All this makes the scene very conditional, almost surreal.
A striking element of the picture is the figure of a fisherman in the foreground. Initially, his image was only a compositional necessity. Cependant, after the character was completed, the artist discovered that this fisherman, waiting for the bite, symbolizes a certain existence outside of time and space, thus embodying eternity in the picture. It is this distinctive approach to the depiction of time that sharply distinguishes Rousseau from the Impressionists, who were characterized by admiring a moment taken separately from life.
The compositional center of the second picture is the bridge over the Seine, which connects its wooded shores. The black and white boat, located in the foreground, is very expressive, its hull is strangely similar to the face of a man. Small figures of pedestrians merge with houses shaded by red foliage. Red and gray-green roofs perfectly match the gamut of the autumn landscape. A balloon, a hang glider and an airplane symbolize the three epochs of conquering the sky, which were often mentioned in the press of that time, and which Rousseau himself admired.
Rêves
In 1910, Henri Russo creates his greatest masterpiece - the canvas "Dream", exhibited by him in the same year at the 26th Salon of Independents. All his friends and colleagues unanimously claim that the work is worthy of the best reviews. The poet Guillaume Apollinaire writes about her in one of his articles:“I think that this year no one dares to laugh. You can ask the artists - everyone is unanimous, everyone admires them, even this sofa in the style of Louis - Philippe, lost in a virgin forest. And they are right. "
Russo supplies the work with the following comments:“Jadwig has a magical dream. She quietly fell asleep to the flute of an unknown seducer. When a month casts light on flowers and green trees, animals, and even predators, freeze, listening to the wonderful sounds of music. ” Andre Breton (1896 - 1966) will note, a few years later:“I am close to saying:this great canvas absorbed all the poetry and all the secrets of our time. It is characterized by the inexhaustible freshness of discoveries… "
The painting "Dream", which has become one of the last works of Russo, is considered the will of the artist. Intertwined, the plants create an illusion of space on the canvas, which is echoed by the whole color scheme of the picture. The feeling of depth is emphasized by iridescent shades of green. Monkeys frolic in bizarre branches, where bright exotic birds are seen everywhere, and below, under them, predators roam in the grass. Only a black musician stands in the thick grass and plays his flute, as if not noticing anything around. Both characters and plants are torn from real space, their characteristic form and their true condition, but they are all written out so carefully that they look incredibly plausible. As if anticipating his demise, Henri Russo leaves us a legacy of a true paradise.With his “Dream”, the artist illuminated the coming generation with the road to surreal art, ahead of his time.
In the same 1910, Rousseau painted another picture - “The attack of the jaguar on the horse”, bought later by the patron Ambroise Vollard. The artist himself was proud of the work. “Twenty-two shades of green!” - the painter proudly told the famous Italian critic Argendo Soffichchi, who came to him to look at a new work. Sofficchi was shocked by the picturesque manner of Rousseau. After drawing with a pencil all the contours of exotic plants, the artist applied various shades of green in separate strokes, prescribing each fragment several times, and carefully cleans the palette with each color change.
Among strangers
Despite the fact that Rousseau’s personal sympathies were always on the side of academic painting, he received recognition only among the most progressive contemporaries - avant-garde artists were his best friends all his life. The creative manner of the artist himself is attributed to primitivism, thanks to his original style and because of his love for Italian primitive artists, such as Fra Angelico (c. 1400 - 1455) and Giotto (1267 - 1337), who worked in the XIV and XV centuries, when the laws of a classical perspective had not yet been discovered, the absence of which would become a real hallmark of all of Rousseau’s work. “Only in 1885, after numerous disappointments, was I able to devote myself to art, studied myself, learned nature and took the advice of Jerome and Clement, ” says Henri Russo about himself.
In search of his own style, Russo worked a lot in the Louvre, creating copies of the masterpieces of the great masters of the past. The painter received permission to work in the famous museum thanks to his friend Felix Clement (1826 - 1888), qui, like Rousseau himself, was a self-taught artist. Mais, unlike the Customs officer, Clement was recognized and kindly by the authorities. He, the lucky winner of the Roman Grand Prix of the French Republic, was paid for accommodation and training in Italy. The intelligent Clement, a devoted friend and delicate adviser, never allowed himself to be ridiculed or mocked at Rousseau and his paintings. Au contraire, he always insisted that the artist remained faithful to his style and did not turn off the chosen road. Clement introduces the Customs Officer to Leon Jerome (1824 - 1904), who worked at that time on the artistic embodiment of the lofty scenes of ancient mythology and ancient Eastern plots. Jerome - the star of official art - belonged to a group of artists - pompiers, named for their pompous luxury inherent in their canvases and pretentious splendor, and for the characteristic headdresses of their ancient heroes, reminiscent of helmets of firefighters (pompiers).
With rare exceptions, such as Clement and Jerome, Russo’s friends belonged mainly to the circle of Independent Artists. It was the representatives of neo-impressionism, in particular Georges Cera (1859 - 1891) and Paul Signac (1863 - 1935), who were the first to recognize a brilliant and original master in Rousseau in 1886. Signac highly appreciated his talent as a colorist, and Camille Pissarro (1831-1903) was loudly admired by the artist’s works, recognizing that it was precisely “feelings in the first place”. Robert Delaunay, the former, together with his wife Sonia (1885 - 1979), one of the founders of abstract art, expressed their admiration for the artist.
Delaunay and Russo become friends, despite the fact that the Customs officer does not always penetrate the essence of the creative research of his friend. “Why did Robert break the Eiffel Tower?” - Rousseau’s sincere question regarding the painting by Delaunay led to the appearance of the legend about the Customs officer as a naive genius who never really understood the figurative techniques of avant-garde art.
The author of this, like many other legends about the artist’s life, was the modernist poet Guillaume Apollinaire. He created myths about Rousseau, passing through his poetic imagination the story of his life, and the artist, in turn, immortalized his image on canvas. Apollinaire described the process of writing his own portrait:“First of all, he measured my nose, mouth, my ears, my forehead, my arms, my whole body and very accurately transferred all these measurements to his canvas, reducing it in accordance with the size of the frame. (…) I did not move, watching with admiration how anxious he was towards the work of his imagination, not allowing anyone and anyone to interfere in the creative process, so as not to disturb the harmony of the picture. And how mathematically accurately he depicted the figure of a man! If my portrait had nothing in common with my appearance, this would not have happened through the fault of Rousseau, but due to some annoying calculation error. Cependant, even those who are not familiar with me recognized me in the picture. ” In the role of the poet’s muse, the canvas depicts the artist and Apollinaire’s close friend, Marie Lorensen (1883 - 1956).
An evening in the history of art
Here is an example of one of the stories related to the life of Russo and his friends. One January evening in 1908, Rousseau and Apollinaire appeared in Bago Lavoir, where Pablo Picasso (1881 - 1973), an artist from Catalonia, set up his workshop in a small wooden house. The customs officer, wearing a soft felt hat, takes pride of place at the table, leaving outer clothing and a cane at the door. On the wall hangs the work of the self-taught artist "Portrait of Mrs. M." (that same mysterious "Jadwiga"). The wall itself is decorated with flags, lanterns and a large poster with the inscription "In honor of Rousseau." The guests present are all in high spirits, some have already visited the nearby tavern.
Apollinaire solemnly recites the ode he wrote for this evening:“We have gathered to honor you with wine, which pours Picasso. There is reason to drink, and we will drink and rejoice:“Long live Rousseau!” Around the table gathered:artists Georges Braque (1882 - 1963), Marie Lorensen and Andre Derain (1880 - 1954), writer Andre Salomon, poet Max Jacob (1876 - 1944) and two American women - the famous writer Gertrude Stein (1874 - 1946) and Alicia Toklas. Wine flows like water, Rousseau takes the violin and plays the waltz that he once wrote for Clemence. Then he comes to Picasso and quietly says in his ear:"We are the two greatest artists of the era." Then Apollinaire gets up again and reads a poem telling about Rousseau’s trip to Mexico invented by him:“Do you remember, Rousseau, the Aztec landscape? Forests where pineapples and mangoes grew, Merry monkeys, watermelon pulp, Race warmed the emperor Maximilian? "Your paintings come from Mexico, Where the burning sun and the riot of nature." An artist who has never been to this country does not even try to object, because today is the long-awaited day of his triumph.
Plus tard, a friend of Picasso, Fernanda Olivier will argue that the festive reception in Bateau Lavoir was a joke, a hoax. Cependant, Andre Salomon writes in his memoirs:"In Bato Lavoir, we had only one task - we wanted to give Rousseau the holiday he deserved." This technique in Bato Lavoir was one of the key moments in the history of the development of modern painting:it was there that two generations of artists met, thanks to whom new art was born.
