Roi des peintres Titien Vecellio (1477-1576)
Titian Vecellio da Cadore est l'un des plus grands artistes de tous les temps, avec des légendes de la Renaissance italienne comme Léonard, Michel-Ange et Raphaël. Titien, un génie reconnu de son temps, s'appelait « le roi des peintres et le peintre des rois ». Les découvertes de ce titan de la peinture dans le domaine des beaux-arts, D'une façon ou d'une autre, influencé le travail de tous les artistes ultérieurs. Titien a joué un grand rôle dans le développement du genre mythologique, paysage et portrait. D'ailleurs, être capturé avec un pinceau de maître était la plus haute distinction décernée à ses contemporains.
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L'artiste a vécu une longue vie, préservant jusqu'à son dernier jour la clarté de pensée, sensibilité de la perception, acuité visuelle et capacité de travail étonnante. Cela a permis à Titien de ne pas lâcher le pinceau de ses mains jusqu'à la fin de ses jours et de laisser aux descendants un vaste héritage artistique. Dans ses créations, fragilité et solennité, spiritualité et quotidien de la réalité, la tragédie et la beauté de l'homme et du monde se sont combinées d'une manière étonnante. Non sans raison, les œuvres du peintre ont été copiées d'innombrables fois.
La vie et l'œuvre de l'artiste tombèrent sur la période de la plus grande prospérité de Venise, la splendeur même de sa puissance et de sa gloire, le temps des changements globaux et des événements historiques. Selon diverses sources, Titien est né en 1477 ou 1480. Ses parents appartenaient à une vieille famille qui vivait dans la petite ville de Pieve di Calore, situé dans les Alpes. Le garçon a montré sa capacité à dessiner très tôt et à l'âge de dix ans, ses parents l'ont envoyé à Venise pour étudier. Les fondements des beaux-arts du jeune Titien compris dans l'atelier de Giovanni Bellini, qui a joué un rôle important dans le destin du jeune artiste, le présenter au peintre déjà célèbre Giorgione. Cette rencontre a joué un grand rôle dans la vie de Titien, grâce à elle, il trouve très tôt son propre style et se fait connaître. Et bien que deux artistes talentueux ne soient pas devenus amis - habitudes, les personnages et les visions de la vie étaient trop différents - on ne peut pas sous-estimer le rôle que Giorgione a joué dans la vie de Titien. Le respect de ce dernier envers son camarade aîné peut être jugé par les témoignages qui nous sont parvenus sur la dureté de la souffrance du Titien lors de la mort inattendue de Giorgione (le grand artiste est décédé subitement alors qu'il n'avait que trente-cinq ans).
Un hommage particulier au talent de Giorgione et au rôle important qu'il a joué dans le destin de Titien a été la restauration par l'artiste de la Vénus endormie de Giorgione, qui avait brûlé dans l'incendie. Titien a complètement réécrit la toile irrémédiablement endommagée par le feu, ne conservant que la pose de l'héroïne et son visage tendre. Le modeste peintre n'a pas commencé à signer le tableau de son propre nom et n'a jamais mentionné la paternité presque complète du chef-d'œuvre attribué au pinceau de Giorgione. Peut-être que ce travail a été le premier jalon dans la confusion qui a suivi, à cause de quoi, au cours de plusieurs décennies, les peintures de Titien, distingués par leur rare perfection d'exécution, étaient souvent attribuées aux pinceaux de Giorgione.
Mais revenons un peu en arrière, à savoir en 1508, pendant « l'âge d'or » de la Renaissance italienne, lorsqu'un artiste reconnu invita le jeune Titien à l'aider à décorer l'enceinte allemande à Venise. Giorgione a commencé à concevoir sa partie du composé allemand beaucoup plus tôt que son jeune camarade, choisir lui-même la façade principale du bâtiment qui semble la plus avantageuse. Titien s'est retrouvé avec le fond de la cour donnant sur une rue étroite, qui était toujours rempli de monde. Giorgion, qui n'était pas seulement un peintre de talent, mais aussi un homme charmant, il était toujours entouré de nombreux amis qui venaient de temps en temps sur le lieu de travail pour louer l'artiste et élever son esprit créatif. Titien, distingué par son silence et son isolement, travaillait principalement dans la solitude. Sans surprise, Giorgione, accompli et plus sûr de lui, a terminé le travail bien plus tôt que son jeune collègue.
Lorsque la restauration de l'enceinte allemande a finalement été achevée, tout Venise accourut pour voir ce miracle. Le plaisir du public ne connaissait pas de limites et, selon de nombreux témoignages, La peinture de Titien était la plus sensationnelle. Pour évaluer les peintures murales, une commission spéciale a été créée, dirigé par Bellini. Les souvenirs d'un des témoins présents ce jour-là – Dolce a survécu :« Titien a dépeint la magnifique Judith, elle est au-dessus de tout éloge. La couleur et le design étaient si parfaits que dès qu'elle est apparue devant le public, tous les amis de Giorgione, qui a décidé à l'unanimité que c'était son œuvre, a immédiatement commencé à féliciter l'artiste, lui assurant que c'était la meilleure de toutes ses créations. " Malheureusement, à présent nous ne pouvons pas juger le travail des deux maîtres, car après seulement trente ou quarante ans, les fresques ont été presque complètement perdues à cause de la très humide, saturé de sel de mer, air vénitien, peinture rouillée. Mais même à partir des fragments individuels qui ont survécu, il est clair que Titien a brillamment passé cette épreuve difficile, se déclarant comme un artiste talentueux avec un style profondément individuel.
Et le poids, grâce à la participation à ce projet, a commencé très tôt à parler des œuvres du Titien, puisque les premières œuvres du maître se distinguaient par leur réalisme rare et leur transfert minutieux des détails, ce qui était rarement possible pour les jeunes peintres. La situation extrêmement favorable des créateurs du pays n'a pas joué le moindre rôle dans la reconnaissance précoce de l'artiste. Au cours de cette période, Venise a vécu dans la paix et la prospérité, grâce à une flotte puissante, commerce développé et une position économique solide.
Créer un style unique
C'était une époque où les poètes, écrivains, musiciens et artistes ont représenté des gens heureux sur fond de nature sereine, et les thèmes principaux des œuvres d'art étaient l'amour, beauté et poésie des relations. Dans un tel environnement, le chemin créatif du jeune Titien a commencé.
Initialement, l'artiste a été emporté par l'image de la nature, et le temps magique avant le coucher du soleil, quand le ciel a acquis un éclat, couleur saturée, est devenu son moment préféré de la journée. Vous pouvez deviner que la saison préférée du Titien était l'automne, avec ses couleurs anti-émeute et multicolores. Vrai, l'amour des paysages n'a pas duré longtemps, heures supplémentaires, le maître a commencé à privilégier un autre genre, à savoir portrait.
Les gens ont commencé à attirer l'artiste, avec leur monde intérieur riche et complexe. Parmi les premières œuvres de l'artiste, "Portrait d'homme en robe à manches bleues", qui représente l'un des meilleurs amis de l'artiste, le poète Ludovico Ariosto, appuyé sur le parapet avec les initiales « TV », se distingue comme une compétence spéciale. Vrai, il y a une version que Titien lui-même est représenté dans l'image, qui est maintenant conservé à la National Gallery de Londres. La question reste controversée, mais pas fondamental, puisque l'essentiel dans cette œuvre n'est pas son objet, mais la manière d'écrire de la jeune artiste et l'habileté avec laquelle elle était exécutée. La couleur gracieuse de l'image, la légèreté des coups, la composition simple et harmonieuse, le tissu magnifiquement peint des vêtements d'un homme, en regardant le spectateur un peu d'en haut, tout cela caractérise le talent déjà remarquable de Titien.
Heures supplémentaires, L'œuvre de Titien a commencé à être remplie de récits toujours plus grands, dynamique, tension et drame. La nature sur eux n'était plus silencieuse et statique, il était plein de vie, et les gens dans son contexte étaient remplis de sentiments et de mouvements. Par exemple, dans le tableau Trois âges des hommes (1512, Galerie nationale d'Écosse, Edinbourg), le passage du temps et la brièveté de l'âge humain sont affichés. L'intrigue de l'image, se déroulant sur fond de paysage ensoleillé, doit être lu de droite à gauche. Deux bébés, dormir dans un doux sommeil au premier plan à droite, dépeignent le début serein de la vie lorsqu'une personne ne sait pas encore quelles joies et peines l'attendent à l'avenir. Le petit ange garde la paix et la sécurité des enfants, autour duquel la jeune herbe fait à peine son chemin. Dans la partie gauche de la composition, au premier plan, sous une épaisse couronne d'arbre, est un jeune couple amoureux. Cette partie de l'image représente le milieu de la vie quand nous sommes jeunes, plein de force, désirs, santé et énergie. Et à l'arrière-plan se trouve un vieil homme avec deux crânes dans les mains. Les crânes symbolisent l'inévitabilité de la mort qui attend chaque personne à la fin de sa vie. La tête du vieillard est baissée jusqu'à la poitrine, exprimant la tristesse et le désespoir de la vieillesse. Le sens de l'image est simple :nous sommes tous nés pour mourir plus tard. Ce sujet a excité Titien tout au long de son travail, se refléter dans d'autres toiles, par exemple, « Allégorie du temps et de l'esprit, » que nous examinerons plus tard.
Le tableau « Country Concert » (vers 1510, le Louvre, Paris) appartient aussi à la période initiale de la créativité de l'artiste, dans lequel Titien a réussi à transmettre une fusion étonnamment harmonieuse de l'homme avec la nature à une belle et calme soirée. Voici devant nous deux jeunes hommes vêtus de beaux vêtements vert pâle et brillants, couleurs rouge-orange. L'un d'eux est musicien, il va toucher les cordes de son luth, l'autre est un villageois, il est prêt à écouter attentivement. Au premier plan, une femme nue, dans ses mains une flûte, il s'agit probablement de Muse. Elle tourne le dos au spectateur et regarde attentivement le musicien. Sur le côté gauche de la composition se trouve une autre vierge nue, dans ses mains est un vase d'eau, symbolisant l'idée de purifier tous les êtres vivants par la communication avec l'art. La nudité des jeunes filles sur fond de nature semble très harmonieuse et constitue une allégorie importante de l'expression de sentiments chastes.
La composition est complétée par le fond, nous renvoyant de cette atmosphère étonnante et poétique à la prose de la vie, d'où il est impossible de se cacher de n'importe où. Le berger, errant avec son troupeau sous les cimes denses des arbres, est devenu la personnification de la terre dans l'image. Dans les profondeurs de l'image, vous pouvez voir les toits de simples maisons paysannes, les gens qui y vivent ne soupçonnent même pas l'existence de ce coin de nature paradisiaque. Quand tu regardes la photo, on a l'impression que bien que le héros n'ait pas eu le temps de commencer à jouer du luth, les sons envoûtants de la musique ont déjà réussi à remplir tout l'espace. Initialement, cette peinture a été attribuée au pinceau de Giorgione, car elle influence très fortement ses méthodes – l'image d'un monde idéal rempli de rêves et d'illusions, existant en dehors du temps et de l'espace réels.
Le thème du contraste entre le noble et le terrestre a été reflété dans un autre ouvrage de Titien, appartenant à la même période. Dans le tableau « Concert interrompu » (vers 1510, Palais Pitti, Florence), nous voyons un jeune moine jouer avec enthousiasme sur une épinette. Derrière lui se trouve un vieil homme qui tente d'arrêter le jeu du jeune homme en lui touchant l'épaule. Le moine rompt à contrecœur avec son occupation :ses doigts fins continuent de voleter au-dessus des touches, bien que sa tête soit déjà tournée sur le côté. Le visage du camarade senior est sévère, la raison est le jeune homme debout à gauche, dans les habits d'un patricien au regard arrogant et vide, passé devant les musiciens, avec un sourire ironique fixé sur ses lèvres.
L'idée principale de l'image est que le monde sublime de l'art, harmonie, la beauté et l'amour peuvent toujours être détruits par la réalité brute pénétrant de la manière la plus inattendue. Alors sur la photo, l'indifférence du patricien, loin du monde de la musique, et, En réalité, indifférent à cela, fait qu'un homme avec un luth dans les mains arrête son camarade fasciné, afin de ne pas gaspiller de force et d'inspiration sur une personne qui n'est pas capable de l'apprécier.
Peut-être que l'intrigue du tableau a été influencée par les œuvres du philosophe Platon, publié à cette époque à Venise, qui dans ses « Lois » exprimait l'idée que :« le plus bel art est celui qui n'est perçu que par les élus ».
L'une des premières peintures bibliques de Titien est une peinture intitulée "Ne me touche pas" (vers 1512, Galerie nationale, Londres). Au cœur de la toile se trouve un épisode de l'Évangile dans lequel Jésus-Christ apparaît à Marie-Madeleine, et elle, afin de s'assurer qu'il est bien vivant et non un rêve, tend la main vers Lui. Mais Jésus couvrant timidement sa nudité d'un linceul, il dit :" Ne me touche pas, car je ne suis pas encore monté vers mon Père." L'arrière-plan de l'intrigue est le paysage - un grand arbre représenté au centre de la toile, les maisons s'élèvent à droite sur la colline, et la mer est visible au loin. Les figures de Marie et du Christ au premier plan brillent littéralement, couleurs magistralement sélectionnées en doré, Les tons bruns et ocres ont longtemps fait penser aux historiens de l'art que le tableau appartenait au pinceau de Giorgione.
Amour et envie de ceux qui sont au pouvoir
Titien, dès son plus jeune âge traité avec bienveillance par le pouvoir, s'est vu proposer à maintes reprises de quitter sa Venise bien-aimée et de s'installer sous l'aile de l'un ou l'autre mécène. Mais l'artiste aimait trop cette ville et comptait y construire sa vie et sa carrière. Par conséquent, ayant obtenu une certaine reconnaissance, le peintre a écrit une lettre d'appel aux dirigeants de la ville, dans lequel il se proposait d'entreprendre le travail le plus difficile de l'ordonnancement de la salle du Grand Conseil. Parallèlement à cela, il a demandé d'examiner sa candidature pour le poste vacant d'intermédiaire d'approvisionnement en sel au complexe allemand à ce moment-là. A première vue, cela est étrange, mais cette position administrative à Venise était occupée, comme règle, par des artistes. Cela était dû aux spécificités de leur travail, nécessitant une connaissance des minéraux, que ce soit du sel ou de la peinture. La position intermédiaire était une friandise pour tout artiste de cette époque. Elle a donné le droit de recevoir un salaire annuel et le titre honorifique de peintre officiel de la République de Saint-Marc. Et ça, à son tour, a fourni du travail à l'artiste - il a reçu automatiquement la majeure partie de la commande de l'État, y compris les portraits de tous les nouveaux doges pour la salle du Grand Conseil. En outre, le trésor a payé une grande partie des dépenses de l'artiste :location d'un atelier, l'achat de toiles et de peintures, ainsi que d'autres besoins.
Et donc, en 1513, Titien a eu une chance incroyable – le Conseil de gouvernement a accepté sa proposition. L'heureux artiste a commencé à s'installer dans un nouvel endroit. De nombreux étudiants sont venus à son atelier, de jeunes artistes rêvaient de travailler avec un maître aussi reconnu et célèbre, des peintres plus mûrs enviaient sa position avantageuse et honorable. Mais, Malheureusement, La joie de Titien ne dura pas longtemps. Un autre artiste vénérable, Giovanni Bellini, dans l'atelier duquel travaillait le jeune Titien, a été scandalisé par cette nomination, et il s'est tourné vers son patron – l'un des influents doges vénitiens – pour lui demander de contester la décision du Concile. Par conséquent, un scandale a éclaté, et la décision de nommer Titien fut rapidement renversée. Cela a également été facilité par un changement dans la composition du Grand Conseil, ce qui est arrivé au mauvais moment pour le jeune artiste. Titien était furieux, mais n'a pas abandonné ses plans ambitieux. Le résultat de sa lutte fut sa nouvelle nomination au poste d'intermédiaire du sel, qui n'a eu lieu que quatre ans plus tard, en 1517.
Titien a partiellement exprimé sa colère contre ceux qui détenaient le pouvoir dans son ouvrage The Caesar's Dinarium, créé en 1516 (maintenant la peinture est dans la galerie d'art de Dresde). La toile est peinte avec une palette exceptionnellement riche et riche, grâce à quoi l'image semble très en relief. La composition de l'image est simple et expressive. Deux chiffres, montré à la taille, semblent se heurter à la toile. Ce sont deux opposés - les vertus à l'image du Christ debout au centre et la cupidité à l'image du pharisien, comme s'il envahissait l'image de droite. L'hypocrite étend le denier au Christ, toute son apparence provocante et désagréable. Christ, au contraire, est une incarnation de la pureté et de la sincérité, sa silhouette sur fond sombre, comme c'était, illumine toute la toile. Il regarde calmement le pharisien, dans ses yeux la confiance et une question stupide :« Pourquoi me tentez-vous ? Le sens de l'image est simple et compréhensible - le Seigneur connaît toutes nos pensées, parce qu'il est l'omniscient, et sa réponse est simple, mais profond :« Donne à César ce qui est à César, mais Dieu le Dieu." Prenant le complot biblique traditionnel, l'artiste y reflétait ses pensées les plus intimes sur le bien et le mal. La couleur générale de l'image est alarmante. Brillant, comme rempli de lumière, les robes du Christ, couplé à son visage éclairé impeccable, contraste fortement avec les teintes brun-doré qui représentent le pharisien, incarnant tout le mal et l'injustice du monde. Son apparence est colorée – un nez rugueux avec une bosse, un front haut, une boucle d'oreille dans l'oreille, peau bronzée, une main nerveuse tend une pièce de monnaie. Ce n'est pas un hasard si deux chiffres, dont l'un représente la bonté et la noblesse, et l'autre - toute la bassesse et la méchanceté dont une personne est capable, occupent un espace si différent sur la toile. Ce n'est pas par hasard que Titien taille la figure du pharisien, le presse au bord de l'image, montrant ainsi son attitude face à la question de la lutte entre le bien et le mal, sa croyance sans fin que le principe divin stocké dans chaque personne peut vaincre tous les vices du monde.
Recherche du bonheur personnel
La vie personnelle de l'artiste n'a pas fonctionné tout de suite. Pendant longtemps, il n'a pas pu trouver sa bien-aimée à son goût. Pour la première fois, la pensée du mariage a été visitée par Titien lorsqu'il a rencontré la fille de son ami - une très jeune fille nommée Violana. Malheureusement, il n'y avait aucune preuve que son amour était réciproque, mais à en juger par le fait que Violana visitait souvent l'atelier de l'artiste et posait pour lui pour un certain nombre d'œuvres, Titien ne lui était pas indifférent. Vrai, malgré cela, le mariage n'a pas eu lieu. Les biographes de Titien ne peuvent que spéculer sur les raisons de ce résultat, mais le plus probable, les parents de la fille se sont opposés à l'union.
L'artiste a immortalisé son amour et sa passion pour Violanta dans le tableau Flora, écrit vers 1515 (maintenant l'œuvre appartient à la Galerie des Offices à Florence). Cette œuvre est devenue un véritable chef-d'œuvre du jeune Titien. L'image est saturée de sensualité et d'admiration pour la beauté féminine. Une belle fille aux cheveux d'or tient dans sa main droite un bouquet des premières fleurs du printemps, de son autre main, elle tient un manteau qui glisse de son épaule, exposant presque toute sa poitrine. L'image de Violana est apparue plus tard dans de nombreuses œuvres du maître (« Amour céleste et amour terrestre », "Solomei", "Jeune femme au miroir", « Violana » et autres), comme une incarnation de la vraie beauté et de la féminité. Mais Flora est devenue la plus célèbre d'entre elles, la toile a été copiée et copiée par d'autres artistes à plusieurs reprises.
La deuxième œuvre significative de l'artiste, écrit dans le même laps de temps, était « Amour Céleste et Amour Terrestre » (vers 1515, Galerie Borghèse, Rome). L'inspiration idéologique de l'image était les "Azolan Nymphs" de Bembo et le roman "Love Battles in Polyphilus Dreams", qui ont été activement discutés dans les salons vénitiens. Les racines des deux se trouvent dans la mythologie romaine, dans lequel deux Vénus personnifiaient l'unité des contraires – sublimes sentiments platoniques et désirs et passions charnels.
La toile est peinte dans des couleurs étonnamment vives et claires qui transmettent une perception joyeuse de la vie et du monde qui l'entoure, il est plein d'allégories et de symboles, car il a été créé par ordre d'une personne qui est bien versée dans l'art. Au premier plan de l'image se trouvent les figures de deux belles femmes assises près de la source. Sur la gauche se trouve la belle Violana à l'image de l'Amour Terrestre. Sa robe était interceptée par une ceinture à boucle métallique, qui représente le symbole du mariage, son emblème est une couronne de brindilles de myrte sur sa tête. L'amour céleste dans la partie droite de l'image tient solennellement une lampe allumée dans sa main levée, comme s'il bénissait l'amour terrestre pour la réciprocité. Il est difficile de ne pas le remarquer, malgré le fait que les deux femmes sur la toile soient, comme c'était, opposés l'un de l'autre – en fait, ils sont sur le même visage. La différence ne réside que dans les tenues des héroïnes. L'amour céleste est nu, seul un morceau de tissu blanc couvre ses hanches - c'est un symbole de sa pureté et de son innocence, sa cape rouge contraste fortement avec les couleurs modestes et retenues des vêtements de Earthly Love.
Comme dans toute toile de cette époque, l'arrière-plan jouait un rôle non moins important dans la signification symbolique de l'image que ses personnages principaux. Le paysage sensuel et en même temps exceptionnellement clair est divisé en deux parties par un arbre puissant. Dans la moitié «terrestre» de l'image est représentée une riche maison et un cavalier s'en approchant, qu'évidemment une épouse aimante et fidèle attend devant la porte. Lièvre, laissé derrière lui la figure de l'amour terrestre signifie la fertilité. Le paysage sur le côté droit de l'image comprend un clocher d'église au milieu de chaînes de montagnes, un lac et un troupeau de moutons avec un berger les gardant. Cupidon au centre de la toile est occupé à attraper les pétales de rose tombés de l'eau.
Dans cette composition exceptionnellement harmonieuse, le maître essaie d'une manière très élégante de résoudre lui-même le dilemme réel et éthique sur la relation entre le sentiment exalté et la passion charnelle. L'œuvre lyrique est remplie de nombreux détails très réalistes qui caractérisent le style de Titien de l'auteur actuel, ainsi que sa riche palette. Le client de la toile, un fonctionnaire amoureux du Grand Conseil, était très satisfait de la peinture, sans même se douter qu'il deviendrait un grand chef-d'œuvre de la peinture mondiale.
À la fois, le tableau "Madonna aux cerises" a été peint (1515, Musée Kunsthistorisches, Vienne). La toile se distingue par la luminosité de la solution coloristique et les détails exacts de toutes les figures et objets, lequel, indubitablement, parle du grand talent et de l'habileté de son auteur.
Quant à l'histoire de l'amour inassouvi de Titien et de la jeune Violana, elle, ayant rencontré l'opposition d'autrui et de parents, par lui-même est venu à rien. Le maître rentra chez lui, sans même se douter que c'était là que le destin l'attendait. Le frère aîné de l'artiste a amené une nouvelle gouvernante chez lui - une fille simple, Tchéchilie. Avec elle, la maison de l'artiste était remplie de propreté et de confort, son foyer s'anima, la cuisine était pleine d'arômes appétissants. Titien a été frappé par la simplicité, spontanéité, modestie et noblesse de la Tchéchilie. Mais alors il ne savait toujours pas que c'était elle qui deviendrait sa compagne pour la vie, une amie fidèle et mère de trois enfants.
Le peintre officiel de la République de Saint-Marc
En 1517, Titien, finalement approuvé comme artiste officiel de la République de Saint-Marc, a travaillé pour créer l'image d'autel de l'Ascension de Marie (1516-1518, Église de Santa Maria Gloriosa dei Frari à Venise). Le jour de l'ouverture, l'église était pleine d'invités éminents et de gens ordinaires. Lorsque le couvercle fut solennellement retiré de l'autel, les personnes présentes haletaient littéralement de la lumière aveuglante qu'elle dégageait. L'intensité émotionnelle a atteint son apogée exprimée en cris de joie et d'indignation, un tel effet étonnant a produit une nouvelle création de l'artiste. C'est devenu une nouvelle étape dans l'histoire de la peinture vénitienne et mondiale, dans laquelle il sera difficile de trouver une œuvre qui se distingue par le même impact émotionnel puissant. L'art des célèbres Bellini et Carpaccio n'a jamais atteint de tels sommets, et la peinture du monde à cette époque n'avait pas d'autres exemples d'un tableau aussi grand et monumental.
La composition de l'œuvre est divisée en trois parties. Dans la partie inférieure se trouvent des figures de trois mètres des onze apôtres, escortant la Vierge, monter au ciel. Le maître a parfaitement transmis leurs émotions à travers des moments tendus, expressions agitées de leurs visages. Les apôtres sont exécutés de manière si réaliste qu'il semble au spectateur qu'il entendra maintenant leurs gémissements et leurs exclamations désespérés. Au centre de la fresque représente la figure majestueuse de la Mère de Dieu, dire au revoir à ce monde et escorté par des anges à Dieu. L'expression de son visage est calme, dans son regard, il y a la paix et la joie tranquille de la prochaine rencontre avec notre Père céleste. Et enfin, dans la partie supérieure de la composition le Seigneur est représenté, en attendant la vierge Marie avec deux anges. Malheureusement, l'image n'a pas été conservée. Le temps l'a beaucoup influencée, les couleurs se fanent et pleuvent, en outre, pour de nombreuses raisons, une immense toile était constamment transportée d'un endroit à un autre, ce qui ne pouvait qu'affecter sa sécurité. Cependant, il ne fait aucun doute qu'avec ce chef-d'œuvre, Titien a prouvé à ses compatriotes à quel point il a reçu à juste titre sa position d'artiste en chef de la République de Saint-Marc.
Les chefs-d'œuvre de l'artiste sont nés les uns après les autres. En 1520, le magnifique « Portrait d'homme aux gants » a été peint (le Louvre, Paris), qui dépeint un représentant typique de l'intelligentsia de l'époque, qui était proche d'esprit de Titien lui-même. L'homme représenté est plongé dans ses propres pensées, il est rêveur et réfléchi, dans ses mains sont des gants, mais il semble les avoir oubliés. Malgré le détachement apparent, son visage exprime clairement une position active envers la vie. Il donne l'impression d'une personne très autonome, confiant et bien informé dans la vie. Dans cette image, Titien a présenté un certain héros de son temps, celui qu'il aimerait tant rencontrer dans la société vénitienne :un homme instruit, mince, homme intelligent et profond qui a conservé sa dignité et sa noblesse spirituelle, malgré une période très difficile, quand le mensonge règne partout, l'hypocrisie et la colère.
En plus des portraits et de la peinture religieuse, de 1520 à 1523, Titien crée plusieurs peintures avec une intrigue mythologique. La mythologie et l'allégorie étaient le patin incontesté du maître, cependant, après la création des tableaux « Bacchus et Ariane » et « Bacchanales sur l'île d'Andros », l'artiste s'est longtemps écarté des intrigues mythologiques. Les biographes de Titien attribuent cela au fait que le peintre a participé activement à la vie de la société, dont les problèmes l'inquiétaient constamment. La joie aveugle et le plaisir débridé des héros mythologiques étaient trop éloignés de la réalité entourant l'artiste avec ses vices et ses problèmes.
L'intrigue du tableau « Bacchus et Ariane » (1520-1523, Galerie nationale, Londres) nous montre le retour victorieux de Bacchus (dans la mythologie grecque antique de Dionysos) de l'Inde à l'île de Naxos, où Ariane aspire seule. Le char de Bacchus, harnaché par deux léopards, est déjà tranquillement debout sur le rivage, et le dieu lui-même saute promptement d'elle à sa bien-aimée Ariane. L'escorte Bacchus appropriée est une compagnie amusante de satyres et de bacchanales. Ils courent après le chef, qui, ayant levé une jambe de mollet au-dessus de sa tête, et qui essaient d'échapper à la colère d'un boa constrictor. Au dessous de, un petit satyre, encore un enfant, traîne la tête d'un veau, sur lequel le chien aboie, par terre. Le garçon regarde le spectateur avec un regard malicieux avec un sourire narquois, comme s'il attendait une réponse du public à son entreprise.
La cape pourpre du Bacchus nu flotte au vent, toute sa silhouette est exceptionnellement dynamique, cela reflète son impatience. La figure d'Ariane, au contraire, est détourné du spectateur, comme si fermé de lui. Il semble que Bacchus, avec sa rapidité, lui fait peur. Ariane, choqué par tout ce qui se passe, se cache derrière sa main, ne sachant pas quoi faire ensuite. La toile de fond de l'action est un paysage représentant des arbres puissants, un village lointain, montagnes à l'horizon et la mer.
Le deuxième tableau mythologique de cette période était « Bacchanales sur l'île d'Andros » (1523, Musée du Prado, Madrid). La toile dépeint une orgie des habitants de l'île, leurs nombreux corps remplissent presque tout l'espace du tableau. Ici, hommes et femmes qui boivent, amusez-vous et les atrocités. À l'arrière-plan à droite sur la colline se trouvait un Selen ivre nu, dans la partie avant droite de la toile une fille nue est représentée, elle a déjà bu du vin et s'est endormie ici, sur une couverture blanche, oubliant apparemment sa nudité. Dans le centre, à côté de celui qui dort, un petit enfant se soulage.
A la fin de cette année, l'artiste a appris la triste nouvelle - un talentueux peintre italien, un représentant de l'école classique vénitienne Vittore Carpaccio, décédés. C'est à lui que Titien dédie son nouveau tableau, « La position dans le sépulcre » (1523, Musée du Louvre, Paris).
La composition de l'image est riche, réalisé dans des tons rouge-orange et noir, transmettre le drame et l'anxiété d'une intrigue dynamique. Il n'y a presque pas de fond, seulement un ciel gris et un sombre, presque forêt noire dans le coin droit. A gauche, les figures lugubres de la Mère de Dieu et de Marie-Madeleine la réconfortant, qui la soutient par les épaules. Tous deux regardent avec horreur les trois disciples porter le corps sans vie du Christ pour être déposé dans un tombeau. Le premier plan de l'image est rempli de rayonnement émanant du corps du Christ, comme s'il brillait de l'intérieur. Il semble briller de l'intérieur, remplir d'éclat le premier plan de la toile. L'image est construite sur une combinaison de couleurs rouge et noir, la transmission d'un épisode dramatique alarmant et dynamique.
Les portraits de doges pour la salle du Grand Conseil ont occupé une large part dans l'œuvre du Titien en tant qu'artiste de cour, mais, Malheureusement, presque tous ont été brûlés lors de nombreux incendies. Une place honorable dans la galerie des portraits de cour conservés appartenant au pinceau de Titien est occupée par « Portrait de Federico II Gonzaga » (vers 1525-1529, Musée du Prado, Madrid), sur lequel le doge est capturé avec son chien de compagnie bien-aimé. Gonzaga est représenté presque à pleine hauteur. Ses vêtements bleu foncé, décoré d'ornements étonnants, donner à l'image un luxe et une certaine solennité. Le visage d'un doge aux traits aristocratiques délicats et à la barbe soignée et soignée est plein d'estime de soi. Il regarde le spectateur avec un regard distant. Les doigts gracieux et soignés de Gonzag caressent le chien, qui est pressé contre le propriétaire de tout son corps.
Série de pertes
À l'apogée de sa reconnaissance publique et de sa pertinence, l'artiste a subi une tragédie personnelle. During the birth of their second son with Titian, Cecilia suddenly began to bleed heavily. This news greatly shocked the painter and, fearing the worst, he decided to immediately get married. Titian invited the best doctors to Cecilia, with whose efforts she finally got better, but the artist did not change his mind about getting married. This news quickly spread all over Venice, because Titian was a very famous artist and public figure. Cependant, he and Cecilia arranged a very modest wedding ceremony at home in the circle of only the closest and dearest people.
It was in 1525, Titian stayed with his family for a little while, and when Cecilia became strong enough, he went back to Venice, where he was awaited by numerous unfinished orders.
In 1530, Titian embarked on a new religious-themed canvas, Dinner at Emmaus (Louvre, Paris). The traditional gospel storyline depicts the risen Christ sitting at a table covered with a snow-white tablecloth. On both sides of him are his students, next to the owner of the institution and the waiter, watching this wonderful phenomenon. Christ blesses the served dishes with a gesture of his hands. The whole composition is very light, lyrical, sustained in bright and gentle colors, it is written with light free strokes.
Time flies quickly, and the constantly busy Titian is again informed about the grave condition of his wife. The artist throws everything and rushes home. He barely manages to catch Chechilia, which has changed beyond recognition. After the birth of their third child, a daughter named Lavinia, the poor woman again experienced severe bleeding. Despite all the efforts of the doctors, after a sleepless night that Titian spent at his wife’s bedside, she died on August 5, 1530.
The artist unusually hard suffered this loss. According to the descriptions of his contemporaries, he lived like in a dream, continued to do something, met with people, but as if he had not seen and heard no one. All of Titian’s thoughts were occupied by his beloved Cecilia, who for many years was his faithful friend, devoted wife and loving mother of their children. Only after he lost her did the artist realize how much light this woman, who was so noble and modest, brought to his life. Cecilia filled his house with warmth and comfort, she surrounded Titian with endless care, so that nothing would stop him from creating his masterpieces. Une fois que, the artist wandered around his house, thinking about his irreparable loss, when he stumbled upon an unfinished canvas, which the customer had long been waiting for. It was the Madonna and the Rabbit (circa 1530, Louvre Museum, Paris). Titian’s eyes filled with tears – Cecilia looked at him from the picture, embodied in the image of a woman standing to the left of the Virgin Mary.
Time passed, the children grew up. The two sons of Titian were complete opposites of each other:the eldest Pomponio was selfish and lazy, and the younger Orazio, au contraire, was calm and complaisant. Little Lavinia was very similar to her mother. Titian every day more and more clearly understood that he had more oppression to be in the house, where every corner reminds him of his dead wife. But the artist was also tired of Venice, he did not want to return there. The painter for a long time was looking for a new home in a quiet secluded corner. And so, on September 1, 1531 he succeeded – he rented a two-story house with a wide terrace and a mezzanine on the outskirts of Biri Grande.
In 1532, Titian embarks on his first full-length portrait. This is a “Portrait of Emperor Charles V with a Dog” (Prado Museum, Madrid).
Hours of posing helped to establish a very friendly relationship between the artist and the emperor. The emperor sincerely told Titian about his life and about himself. Charles V was a man infinitely tired of power, whose life was filled with soulless formality and formalities. That is why the painter portrayed the emperor in simple clothes, and not in a luxurious full dress, thereby emphasizing that his hero, first of all, is a man. The only faithful creature in his life was the dog pictured next to him. According to eyewitnesses, Charles V was very pleased with the painting and admired the skill of the artist. Filled with emotion, the emperor parted tightly hugged the painter. The retinue of Charles V, who was present at all this subsequently overwhelmed the artist with orders, providing him with work for a long time.
Following this, Titian overtook another loss – his mother died. This event plunged him into an even deeper depression. Only the joyful laughter of the children in his new home helped the master stay and live on. Et encore, for several years the artist lived like a recluse, without leaving his workshop for days. He worked extremely hard, and devoted his free hours to talking with children.
Pinnacles of excellence
After the loss of Cecilia in the house of Titian, his sister Orsa began to farm, she also was engaged in raising children. Time passed, and once Orsa noticed that every evening a gondola floated to the painter’s house, in which a young woman sat, always trying to go unnoticed. She quickly climbed the outer staircase directly to the artist’s workshop, located on the second floor. Bien sûr, it never occurred to anyone to reproach the painter, au contraire, the relatives hoped that the appearance of a new lover would somehow brighten up the solitude of Titian and help him regain the joy of life. The result of this hobby was such work, depicting a beautiful stranger, such as “Portrait of a young woman in a hat with a feather”, “Girl in a fur cape”, as well as the magnificent “Venus Urbinskaya”.
“Girl in a Fur Cape”, written in 1535 (Kunsthistorisches Museum, Vienna) was a commissioned work and is an allegory of marriage. A young girl is depicted on the canvas playfully covering one breast with a fur cape, while her second breast remains naked. The girl’s timid look and delicate blush on her cheeks only emphasizes the erotic meaning of the picture, which consists in contrasting female flesh and fluffy fur. A similar composition is in the painting “Portrait of a Young Woman in a Hat with a Feather” (1536, State Hermitage Museum, St. Petersburg), where the model also has her right shoulder, chest and arm. Under the trimmed fur cloak you can see a translucent white shirt. A hat with feathers decorated with stones is on the girl’s head. In both paintings, the artist does not hide his admiration, on the verge of frank lust, the beauty of a young female body. The heroine’s snow-white skin, written in light, weightless strokes, contrasts sharply with the rich dark background, thanks to which her image seems even more delicate and fragile.
And in 1538, by order of the governor of Venice, Guidobaldo della Rovere, who will later be Titian’s regular customer, the painting “Venus Urbinskaya” (Uffizi Art Gallery, Florence) was painted. This picture was the wedding gift of the duke to the future wife. The golden-haired Venus, lying in a graceful pose on snow-white sheets, is full of bliss, in her right hand is a rosehip branch. Her gaze is calm and sure, she is not shy of her nakedness. A beautiful body is written so thinly and lightly that it seems as if a glow emanates from it. At the feet of Venus, instead of the traditional cupids, a small dog sits and sleeps. In the background of the painting is a room bathed in the bright light of a sunny morning. On the window of Venus is a pot of myrtle, representing marriage and fidelity. Two handmaids scurry around her chest, picking outfit for the morning toilet of the hostess. Oddly enough, Venus Titian is not at all a celestial, but a very real earthly woman, who appears before us in frankly naked beauty.
If we follow the approximate chronology, alors, from the works known to us, there is the canvas “Crowning with a Crown of Thorns”. This painting exists in two versions:one of them is stored in the Louvre (1542), and the other in the Old Pinakothek of Munich (1572-1576). The composition of the two paintings is very similar. In the center of the canvas is the figure of the tortured Christ, surrounded by five tormentors and three steps leading to the place of public scourging. The difference is only in the background. At an early work, a brutal scene of mockery of Jesus takes place against a backdrop of a brightly lit stone arch above which stands a bust of the emperor Tiberius. In a later picture, only a lighted chandelier is visible at the top of the canvas. In both cases, Christ humbly endures bullying and pain from people who vehemently attacked him with spears. Après tout, He has already forgiven them, and this gives His image true majesty.
In 1545, Titian creates another outstanding portrait of the Doge of Venice, “Portrait of the Doge Andrea Gritti” (National Art Gallery, Washington). It depicts a ruler with a stern gaze of cruel eyes, betraying his merciless and oppressive character. Deep red clothing once again emphasizes his charisma and desire for leadership. On the doge there is a cloak from an expensive, as if luminous fabric of brown-golden tones and the same headdress.
The closed and uncommunicative Titian had very few close friends. One of them was the poet and writer Pietro Lretino. These were two very different people:Lretino was very cheerful, loving, loved luxury, feasts and festivities, talkative and self-confident, he had great connections. Titian liked optimism, cordiality, charisma and the fact that the poet was very well versed in art and literature. Titian even became the godfather of one of the daughters of Loretino. In 1545 he painted his portrait. In the painting “Portrait of Pietro Lretino” (Palazzo Pitti, Florence), almost the entire space of the canvas is occupied by the figure of the poet. The canvas is written using numerous variations of red and golden colors, they will fill it with energy and power of spirit, revealing the character of the hero. There is evidence that Lretino was dissatisfied with the work, en particulier, he did not like that the golden chain (received as a gift from King Francis I) was almost invisible on his chest and glistened too dimly. Vrai, this could be a joke of the poet, misinterpreted by an eyewitness.
In the same year, in 1545, Titian writes "Portrait of a Young Man" (Palazzo Pitti, Florence). A handsome man with a hypnotic and bewitching look of greenish eyes looks at the viewer from the canvas. For a long time it was believed that the picture depicts the English Duke of Howard, so the painting was called "Portrait of a Young Englishman." But in 1928, the art critic Venturi put forward his own version, supported by convincing evidence. He believed that the man on canvas was Ippolito Riminaldi, a lawyer, another friend of Titian, whom he loved to meet during his trips to Ferrara. As for the composition of the canvas, it is extremely simple:before us is a young man in a strict black camisole, white lace cuffs peeking out from under his collar and sleeves. His left hand lies on his hip, and in his right he holds gloves.The overall color of the canvas is very restrained, it is built on a combination of two primary colors:black and gray. Only white spots of cuffs and brown gloves dilute them. It is amazing how accurately and subtly his face is written out with thoughtful, clever eyes. In all its appearance, nobility shines through.
In 1548, Titian painted another portrait of Charles V. The emperor confessed to the artist, with whom he became close even earlier that he was tired of the sight of blood being shed and that he lived only waiting for the upcoming meeting with his unforgettable wife. Full of sincere compassion, Titian conveyed his feelings in “Portrait of Charles V in an Armchair” (Old Pinakothek, Munich). Here the emperor is depicted sitting in an armchair against the backdrop of a deserted dull landscape, from which he still blows with cold and longing. Charles V sits in an armchair, dressed in all black, as if forgetting to take off one glove. The red floor contrasts sharply with the colors of his clothes and headgear. The emperor is very sad, thoughtful and lonely.
Perfection of style
The last fifteen years of the artist’s life, when he had already exchanged the eighth dozen, is usually called the late period of his work. This is the time when Titian again turns to his favorite mythological theme, which he always interpreted in his individual spirit.
The painting “Venus and Adonis” (Prado Museum, Madrid) dates back to 1533, the plot of which shows us a scene of parting. Venus tries to keep her beloved, absorbed in the thirst for hunting and not listening to her warnings about impending danger. Trying to keep Adonis, with the force breaking out of her arms, Venus accidentally knocks over a vase with her foot. In the background of the picture, under the thick crown of a tree, Cupid sleeps quietly, designed to protect their love. The dynamic and exciting character of the plot contrasts sharply with the landscape around, filled with calm and pacification, nothing that portends trouble in it. In this hunt, where Adonis died, Titian sees a metaphor for human life:people are always looking for something, they want more, they are ready to risk their health and life, go against fate, even forgetting about God, who will inevitably punish them for this. The picture was an unprecedented success with the public. The artist had to make about twenty copies of the canvas with various variations of similar plots.
The second incredibly popular painting by Titian, which he had to copy many times, was Venus with a Mirror, painted around 1555 (National Gallery, Washington). She has a fair-haired Venus covering her breasts with her left hand, she hides her knees under her bright blanket with her right hand. Two chubby cupids hold mirrors in front of her. The goddess’s cheeks burn with a charming blush that symbolizes blooming youth and beauty. The masterpiece was in Russia, but in 1931, by order of the government of the USSR and regardless of the opinion of the directorate of the State Hermitage, it was sold to a private person. Later, the picture was in the National Gallery of Washington.
Another masterpiece of the late period of Titian’s work is the painting “The Abduction of Europe” (1559-1562, the Isabella Stewart-Gardner Museum, Boston), the plot of which reproduces one of the episodes of Ovid’s Metamorphosis. Techniquement, the picture was done freely and boldly, this distinguished the last works of the master, written in wide, careless strokes. If you look at the picture from close up, it is difficult to understand what is painted on it and only from a distance a great masterpiece of Titian is revealed to us. En réalité, these paintings were the forerunners of impressionism, when you look at them, it seems that the whole work is written at one time, facilement, naturellement, on a grand scale.
In the spring of 1559, Titian fell into an unpleasant position. His youngest son, Orazio, went to Milan, where he was supposed to receive from the treasury a very large amount of money belonging to his father. On the way home, they attacked the young man, beating him and robbing him. As it turned out later, the robbery was arranged by the sculptor Leone Leoni, who also worked for the royal court. Titian immediately suspected Leone and wrote a letter to Philip II, the text of which reached us:“Leone, who knew about the payment of state benefits and was prompted by devilish instigation, decided to take Orazio’s life in order to appropriate his money… He invited Orazio to his house and offered him to live in his house. My son rejected this offer and this villain, expelled from Spain for Lutheranism and spurred on by an enemy of the Lord God, decided to commit the murder with the help of accomplices.The scoundrels attacked Orazio with swords and daggers in their hands, having previously thrown a net over his head. Not expecting such a betrayal, my poor Orazio fell, having received six serious wounds. If Oratio died, on whom I have all my hopes in impending old age, alors, under the weight of this grief, I swear I would lose my mind. " At the end of the letter, he demanded to punish Leoni with all the severity of the law. The sculptor was arrested, but after he paid the fine, he was released.At the end of the letter, he demanded to punish Leoni with all the severity of the law. The sculptor was arrested, but after he paid the fine, he was released.At the end of the letter, he demanded to punish Leoni with all the severity of the law. The sculptor was arrested, but after he paid the fine, he was released.
Before Titian recovered from this shock, his brother Francesco passed away. The artist’s biographers suggest that in the same period, the beloved daughter of the artist Lavinia died in childbirth. A series of these events hit the master very hard.
In 1550, at the age of seventy-three years, the artist began to write “Self-Portrait” (State Museum of Art, Berlin), completed only eleven years later. On it, Titian appears before the viewer as not a decrepit and feeble old man, who only has to humbly wait for his death. Au contraire, we see a strong and confident person in front of us. A fur cape is thrown over the broad shoulders of the master, a shirt underneath it, on which a golden chain is clearly visible. The fingers of his hands drum on the table, which characterizes his restless disposition and concentration. It seems that in a moment the artist will cheerfully stand up and with great strides will go to create his next masterpiece. In the narrowed gaze of Titian we see wisdom and a genuine interest in life. Most likely, this self-portrait was created for children, since until the death of the painter was in his house.
Around 1565, Titian received an order for the painting “Penitent Mary Magdalene” (State Hermitage Museum, St. Petersburg). The model for the canvas was a certain Julia Festina, who delighted the master with a shock of long golden hair. The duke of Gonzago really liked the painting, he immediately ordered a copy of the canvas to give it to a certain poetess. The work was such a resounding success that Titian decided to immediately make several copies, changing in each only the position of the heroine’s hands, the tilt of his head and the surrounding landscape background. The biographer of Titian Ridolfi points out six paintings by Titian with the penitent Mary Magdalene. One of the surviving canvas options is kept in Moscow in a private collection. Mais, according to experts, the best of them is the one that is represented in the State Hermitage Museum of St. Petersburg. On her the image of the penitent Mary is the most chaste.Her beautiful body is covered with light translucent clothes and a striped cape, as well as flowing hair scattered over her shoulders and chest. The penitent Magdalen looks at the sky with a look full of remorse, her eyes are full of tears and despair. In the foreground of the picture are Christian symbols – the skull and the revealed Scripture.
In 1565, Titian creates another of his best masterpieces – “Portrait of the Antiquarian Jacopo Strada” (Kunsthistorisches Museum, Vienna). The painting perfectly conveys the character of the collector depicted in "his element" – around him are old books, coins, on the wall is either a painting, or part of an ancient manuscript. Jacopo shows the invisible interlocutor a figurine made of white marble, his face and the whole pose are filled with energy, inspiration and even excitement. The canvas has an unusually harmonious color. The clothes of the antique dealer and his whole environment are made in warm colors creating an atmosphere of a certain solemnity. This picture was a vivid example of a “different” painting discovered by Titian on his declining years. Later, this direction, with its richness of colors and shades, and unusually skillful transmission of chiaroscuro, will be developed by such artists, like Rembrandt and Caravaggio. But this will be more than 100 years later, and now, Titian, already at a very advanced age, having undergone many adversities and personal afflictions, continues to create.
The last years of the master’s life
Dans les années récentes, the artist often wrote for the soul. The house of Titian was constantly full – many students, artistes, collectors and famous guests came to him in all of Italy and from other countries. Néanmoins, prone to melancholy and meditation, Titian, in fact, remained lonely. He often recalled his youth and beloved Chechilia, indulged in thoughts of the frailty of being and yearned for all those who had taken his time. The result of these sad arguments and spiritual loneliness was the painting “Allegory of Time and Reason”, written around 1565 (National Gallery, London), which is considered a kind of testament of the master to his descendants. According to tradition, the picture should be read from left to right, C'est, counterclockwise, and from top to bottom. The old in a red cap symbolizes the past, the black-bearded man is the present, and the young man is the future. Animalsthe pictures drawn at the bottom of the picture are also symbolic:the wolf represents the forces of man that selects the past, the lion represents the present, and the dog awakens the future with his bark.
In 1570, Titian creates the painting “The Shepherd and the Nymph” (Kunsthistorisches Museum, Vienna). This light, freely written canvas was no one’s order; the artist created it for himself. The naked nymph lies on the skin of a dead animal, facing its back to the viewer and turning its head slightly. The young virgin is not at all embarrassed by her nudity. Next to her is a shepherd who is about to start playing a musical instrument, although perhaps he just broke off, carried away by the beauty or the words of the heroine. The overall color of the picture is intentionally thickened by the author, this creates a certain secret and understatement in the relations of the main characters, enhanced by the inclusion of brown and ashy dark tones. The background landscape is blurry, there you can see only a piece of a broken tree, as if remaining after a storm. He does not affect lovers, living in their own world of beauty and bliss and noticing anything around. Despite the romantic composition of the picture, the chaos prevailing in the landscape surrounding the characters and the choice of colors, nevertheless tell us that in the artist’s soul there was no joy in harmony. It is as if his own question is visible in the bewildered look of the nymph – what will happen to them next, how to find joy again in the destroyed Universe.
Soon another misfortune happened, the father of Titian died. But the artist could not give up, he continued to create. Thanks to his regular customer, Philip II, Titian was always provided with work. Donc, around 1570, the master began to create the work “Carrying the Cross” (Prado Museum, Madrid), which took five years to complete. At the heart of the picture is a classic gospel story. According to Scripture, Simon the Cyrene was sent to Christ to help him carry the heavy cross to Calvary. Jesus’ face is full of torment and pain, his right shoulder seems almost transparent. The image of Simon, as if opposed to the image of Christ. On his finger is an expensive ring, emphasizing its difficult origin. Simon’s clean face with a neat, well-groomed beard contrasts sharply with the face of Jesus covered in drops of blood.The whole picture is divided diagonally by the bottom of the cross, which further enhances the overall dissonance.
Religious themes go through all of Titian’s work, but according to the plots of the paintings themselves and the manner in which they are executed, one can trace how the artist’s worldview has changed, his attitude to virtue, vices and the theme of martyrdom. This is perfectly reflected in the canvases dedicated to the great martyr Sebastian.
In the first works, Saint Sebastian appears before us humble and humble, but in the last work of the artist, he is determined and ready to fight to the end. This painting, entitled “St. Sebastian” (State Hermitage Museum, St. Petersburg), was painted around 1570. The background in the picture is blurry, it is impossible to make out anything on it, and only the figure of the hero himself, nailed to a tree, stands out for its purity. His body is punctured by arrows, but his face is not distorted by pain. Pride and calm were in his gaze, his face was slightly raised, and his brows were frowning. It is believed that Titian here depicted himself, not in the literal sense, but allegorically. Ainsi, he expressed his attitude to his own fate, to all the betrayals and losses that he, by the end of his life, had learned to endure steadfastly and with dignity.In this work, the artist’s faith is concluded that an individual hero is able to endure any blows of fate, he will survive, even if the whole world around him is turned upside down, he will be able to withstand and not break. The color of the picture seems blurry and monochrome, but hundreds of colors and nuances burn in every centimeter of it. The fate of the picture was such that in 1853, by decree of Emperor Nicholas I, she was placed in the storerooms of the Hermitage, where she lay until 1892. Only after many years did this work take its rightful place in the museum hall.that in 1853, by decree of Emperor Nicholas I, she was placed in the storerooms of the Hermitage, where she lay until 1892. Only after many years did this work take its rightful place in the museum hall.that in 1853, by decree of Emperor Nicholas I, she was placed in the storerooms of the Hermitage, where she lay until 1892. Only after many years did this work take its rightful place in the museum hall.
In the same year, Titian wrote another work, with a similar idea. At the heart of the painting “The Punishment of Marcia” (Picture Gallery, Kromeriz). lies the myth of the satire of Marcia, who dared to challenge Apollo to a musical contest. Marsyas played the double flute, and Apollo played the lyre. When the muses could not choose a winner, Apollo offered to compete in vocal skills. Ici, Martius lost. In punishment for the defeat, Apollo decides to strip his skin, this moment is depicted in the picture.
In the center of the canvas is the figure of Marcia, suspended by her legs from a tree. Around him are heroes who are carried away by the process of the monstrous torture of the satyr. The picture is divided into two parts:to the left of Marcia’s body are people who are fascinated by his killing, she rip off his skin, not hiding her pleasure. On the right side of the canvas are those who are saddened by this brutal murder. These include the elder, who, presumably, depicts Titian himself. He sadly observes the death of Marcia and the cruelty of his executioners. The face of the satyr himself retains the dignity of imminent death. Art historians believe that the plots of the latest paintings by Titian characterize his farewell to the ideas of humanism, in which he was disappointed. The world is cruel and nothing in it can save a person, not even art.
Loneliness and despair
The painting “Mourning of Christ” (Gallery del Academy, Venice), painted around 1576, was the last creation of the master. In it, Titian reflected the question tormenting him:what is there, beyond the limits of life? Two huge sculptures are depicted on both sides of the canvas:the prophet Moses and the prophetess Sibyl, they personify the prophecy of the crucifixion and the subsequent Resurrection of Christ. At the top of the arch on the left side are the branches and leaves of the plant, at the top on the right are small vessels with a blazing fire. In the center of the composition, the Mother of God supports the lifeless body of her murdered Son. To the left of Christ stands Mary Magdalene, her pose is warlike, she as if asks:"What is this for?!" To the right of the virgin Mary, an old man is standing on his knees, supporting the lifeless hand of Jesus. Some believe that the figure of the elder also depicts Titian himself.The general coloring of the canvas is sustained in silver tones with separate intersperses of red, brown and gold. The colors and arrangement of the figures perfectly convey the hopelessness and dramatic nature of the plot. There is a mystery here. In the lower left corner of the work there is a little man with a vase in his hands, art critics are still wondering where he came from and what he was supposed to symbolize.
Pendant ce temps, a plague raged in Venice, which infected the youngest son of Titian Orazio. The artist himself courted him, not fearing the contagiousness of the disease. But once, in the last days of August, the painter, being in his bedroom locat
