Edgar Ilère Germain Degas (1834-1917)

Edgar-Germain-Hilaire de Ga ou Edgar Degas, comme le monde entier le connaît, est né à Paris dans une riche famille aristocratique. L'enfance du futur artiste s'est déroulée dans une atmosphère d'amour et de tranquillité. Dès le plus jeune âge, Edgar a montré l'amour et la capacité de dessiner, et malgré le fait que son père voulait qu'il devienne avocat, rien ne pouvait empêcher le jeune homme d'aller étudier l'art de la peinture. Le mentor du jeune Degas à l'École des beaux-arts de Paris était alors le célèbre artiste Lamot. Vrai, après seulement un an de scolarité, en 1856 Degas quitte inopinément Paris pour tout le monde et part pendant près de deux ans vivre en Italie.


Peintures Edgar Degas

Le motif formel du voyage était le désir de voir ses parents paternels. Mais ce ne sont pas eux qui l'ont attiré en Italie, mais l'occasion d'entrer en contact avec les œuvres d'art exceptionnelles des grands artistes de la Renaissance.

L'artiste a beaucoup voyagé, il a visité tous les principaux centres culturels du pays – Florence, Rome et Naples. Dans chaque ville, il étudia avec une grande attention l'œuvre des grands peintres du passé. Les Degas ont été très impressionnés par les toiles de Paolo Veronese et Andrea Mantegna, qui est devenu son idéal.

Les premières expérimentations créatives

Deux ans plus tard, le jeune artiste rencontre Gustave Moreau, qui devint plus tard pour lui non seulement un camarade, mais aussi mentor. Moreau étudie avec passion la peinture, lui donnant tout son temps. Essayant de comprendre l'essence de l'harmonie, il s'intéressait passionnément aux œuvres du Titien, Léonard de Vinci, Raphaël, Caravage et Véronèse, essayant de ressentir leur système de création de couleur. Moreau a préféré réaliser ses propres compositions colorées à l'aquarelle ou au pastel. Le jeune Degas a été tellement frappé par le travail d'un camarade plus âgé qu'il s'est également intéressé à ces techniques. A noter que Moreau a eu une forte influence sur le jeune artiste, mais si Gustave donnait la place principale à la couleur, puis Edgar Degas (surtout au début de son œuvre) a affirmé la primauté du dessin, étant sûr qu'il s'agissait d'un « domaine d'activité plus fructueux ».

C'est en Italie que le peintre commence la recherche de ses propres moyens d'expression artistique. Comme base de son propre style, Degas choisit la construction constructive de la forme, par son interprétation réaliste. Par conséquent, les premières œuvres de l'artiste se distinguent par un motif net et précis.

Beaucoup d'œuvres de Degas liées à cette période sont douées d'une expressivité particulière résultant de la reproduction exacte de la réalité. Ceci est clairement montré par son tableau "Roman Beggar" (1857, Musée d'art, Birmingham). L'image de l'héroïne elle-même sur cette toile est incroyablement réaliste, et même une interprétation difficile, tandis que l'espace autour d'elle est représenté de manière assez arbitraire. Une vieille femme fatiguée est assise sur le seuil de la vieille maison, perdu dans ses pensées, et regarde au loin avec une certaine curiosité. Non seulement ses vêtements usés, mais aussi des objets apparemment placés négligemment au premier plan de l'image racontent la vie difficile de l'héroïne :un morceau de pain et un vieux pot avec de la nourriture à moitié mangée avec un bord ébréché. Degas a réalisé la construction compositionnelle de la toile selon les principes des maîtres anciens, mais comme modèle il n'a pas choisi une belle dame sophistiquée, mais une femme simple dont l'image n'est pas du tout idéalisée.

Malgré le fait que l'image se caractérise par une certaine structure graphique de la composition, il a une modélisation de couleur subtile et une élaboration tonale vérifiée de la manière la plus précise. En réalité, avec seulement quatre couleurs, l'artiste a réussi à créer un type de mendiant italien étonnamment harmonieux et expressif.

Une grande attention dans le travail est donnée à l'ornement, comme pour « revitaliser » tout l'espace environnant. Dans cette peinture, Degas parvient à résoudre très habilement le problème artistique fondamental qui préoccupe le peintre lors de ses études dans la classe de Louis Lamot :le rapport entre la figure du héros et l'espace environnant.

Au printemps 1859, Edgar Degas rentre à Paris. Ayant vécu un peu au domicile parental, l'artiste s'installe dans un grand atelier situé dans le 9e arrondissement, rue de Laval. Là, il commence à créer, abordant tout d'abord un thème historique. Degas essaie de lui donner une nouvelle interprétation, pas caractéristique des premières œuvres de ce genre.

Un exemple est le tableau « Jeunes Spartiates appelant les Spartiates à la compétition » (1860, Musée national, Londres). Ici Degas, suivant les canons classiques des beaux-arts, a cherché à les renouveler avec des observations vivantes et précises de la vie réelle. Le maître a complètement ignoré l'idéalisation conditionnelle de l'intrigue antique, les personnages qu'il dépeint ressemblent davantage à des adolescents modernes tirés des rues parisiennes. Ceci est particulièrement visible dans certains mouvements angulaires des personnages représentés par lui, placé dans un paysage quelque peu stylisé.

Les figures de jeunes gens sont placées parallèlement au bord inférieur de la toile dans un seul espace du premier plan, ce qui donne à la scène une grande force de persuasion, sans perdre le rythme décoratif. Les poses statiques de jeunes hommes parlent de l'influence de l'art néoclassique. L'artiste souligne le réalisme de la scène à l'aide d'une subtile interprétation psychologique des visages de chaque personnage. À la fois, les principaux moyens d'expression sur la toile, comme dans les travaux antérieurs, est une élégante ligne musicale – plastique. La couleur de l'image, construit sur une combinaison limitée de couleurs, donne à la toile un sentiment de clarté et d'équilibre stricts.

Création d'un style de portrait particulier

Au début de sa carrière, Degas fait beaucoup de portraits. Cela a été en partie affecté par l'influence du père de l'artiste, qui croyait que c'était précisément la possession habile des compétences du portraitiste qui pouvait assurer au jeune homme une vie confortable. Sur les premières toiles de ce genre, Degas a principalement peint des autoportraits et des portraits de membres de la famille, mais se tourna bientôt vers l'image de ses amis. Dans ces travaux, les traits caractéristiques du style individuel du peintre se sont clairement manifestés, qui adhère aux techniques de composition traditionnelles, dans lequel il est facile de trouver un lien avec les œuvres des maîtres anciens.

Un exemple est l'œuvre de 1855 "Autoportrait" (Musée d'Orsay, Paris) dans laquelle l'artiste utilise un fond sombre caractéristique de l'école de peinture espagnole, représenté par de grands maîtres comme Diego Velazquez et Francisco de Goya. Dans Autoportrait, il apparaît devant nous dans une pose naturelle, tenant un crayon fusain dans sa main droite, symbole de son appartenance à l'art. Il est à noter que ce travail, comme beaucoup d'autres premiers portraits de Degas, se distingue par la palette de couleurs monochromes.

Progressivement, son travail devient plus saturé de lumière et de couleur. Dans le tableau Autoportrait au chapeau mou (1857, Stirling Institute of the Arts et Frappsn Clark, William Sgown), l'artiste refuse déjà d'utiliser un fond neutre en sourdine. Bien que le fond de la peinture soit bleu foncé, elle est éclairée par la lumière constante du soleil provenant de la fenêtre laissée par le maître en dehors du cadre de sa toile. Degas se dépeint dans un costume décontracté, son principal accessoire expressif est un foulard rouge-orange autour du cou. Cette tache de couleur vive joue le rôle de diapason pour la construction coloristique du portrait.

Néanmoins, ici, comme sur les toiles précédentes, par exemple, "Portrait de René de Ga" (1855, Smith Museum of Art College, Northhamton), une posture statique prononcée demeure. Vrai, Degas s'est vite rendu compte de ce défaut et a commencé à expérimenter le mouvement et les angles dans ses portraits, ce qui a pour effet de « faire revivre » ses œuvres et de leur donner du dynamisme. C'est grâce à la vision inhabituellement nette de la nature et à la nouvelle construction compositionnelle des peintures que le peintre a introduit dans ses toiles non seulement l'émotion, mais aussi un psychologisme profond prononcé.

Le véritable summum du style primitif d'Edgar Degas, en tant que portraitiste, était l'œuvre « La famille Bellelli » (1858-1867, Musée d'Orsay, Paris). Les modèles de cette toile étaient l'oncle de l'artiste Gennaro, sa femme Aura, et leurs deux filles – Giovanna et Julia. La composition de l'image est construite sur le principe d'une certaine scène de genre. Au centre de la toile se trouve la figure de la baronne, vêtue d'une robe noire de deuil dépourvue d'accessoires. L'oncle de l'artiste, Gennaro, est photographié à l'arrière ; il est assis dans des fauteuils près de la cheminée. Les figures et les visages des deux époux expriment leur désintérêt pour ce qui se passe autour. Giovanna, debout à côté de sa mère, au contraire, regarde attentivement le spectateur. La jeune Julia, confortablement installé dans un fauteuil, elle, comme s'il menait une conversation tranquille, se tourna vers son père.

L'artiste n'a jamais dicté à ses modèles dans quelle position ils devaient être. Contrairement à de nombreux peintres de son temps, Degas a préféré peindre « des portraits de personnes dans des poses naturelles typiques pour elles, leur donnant généralement une liberté absolue, à la fois dans la position du corps et dans l'expression du visage."

Malgré le fait que les poses de tous les modèles soient calmes, la disposition asymétrique des personnages crée une sorte de netteté inattendue dans la composition. La couleur de la toile est choisie très exquise, une combinaison de bleu, argent, tons noir et blanc, construire un système de couleurs parfait. Vrai, malgré cela, la scène que l'artiste montrait ne pouvait être qualifiée d'idéalisée. Degas remplit de drame le portrait de famille :il dresse le portrait d'un couple, assez fatigué de la compagnie de l'autre. Leurs poses mettent l'accent sur la différence de caractères et les expériences émotionnelles des époux. Il devient clair pour le spectateur que les enfants restent la seule unité qui les unit. Cette toile, marqué par un profond psychologisme, la maîtrise de la transmission de la lumière et la précision du dessin, est l'une des meilleures œuvres du genre créées au milieu du XIXe siècle.

Le style individuel de l'artiste était en constante évolution, dans ses œuvres ultérieures, le peintre a préféré éviter la stationnarité dans la composition et la disposition frontale des modèles en améliorant la dynamique de la composition. À cette fin, Degas a assez souvent utilisé la construction de la composition en diagonale, décalages et angles inattendus, grâce auquel il a pu réaliser de nouvelles, effets plus expressifs.

Par exemple, une solution compositionnelle très audacieuse, choisi par Degas pour le tableau « Une femme assise près d'un vase de fleurs » (1865, Musée métropolitain d'art, New York), ce qui à première vue fait un étrange, impression troublante. L'essentiel du tableau est occupé par un magnifique bouquet composé de chrysanthèmes de différentes couleurs. L'héroïne est assise à côté d'une table sur laquelle il y a des fleurs, mais son visage est légèrement détourné d'eux, elle détourne le regard. Il semble que l'héroïne soit tombée dans l'image d'une nature morte par accident. Néanmoins, une telle solution n'aggrave pas les caractéristiques psychologiques du modèle, mais, au contraire, souligne et souligne son individualité. La femme est distante, visage pensif semblait déchiré par une brume de souvenirs tristes. Le talent incroyable avec lequel l'artiste dépeint chaque trait qui transmet les caractéristiques de son caractère est frappant. Études de cette image, menées ces dernières années, indiquent que Margaret Claire Brunkan (qui devint plus tard la baronne Valpinson) est représentée sur la toile.

Lorsque vous dessinez des portraits, Degas a souvent inclus des attributs qui révèlent l'occupation ou le statut social du héros. Un exemple frappant d'une telle interprétation de l'image est le tableau "Portrait de James Tissot" (1867, Musée métropolitain d'art, New York), dans laquelle Degas, un artiste français, est représenté dans son atelier.

En 1869, l'artiste crée un autre de ses chefs-d'œuvre - un portrait de Mademoiselle Hortense Valpinson (Institut des Beaux-Arts, Minneapolis), dans lequel le peintre a capturé la fille de neuf ans de son ami Paul Valpinson. La jeune fille est représentée appuyée sur une table recouverte d'une nappe sombre avec un motif brodé coloré. À l'autre bout de la table se trouve un panier d'artisanat inachevé. La jeune Hortense regarde attentivement le spectateur, comme pris par surprise.

Cette technique de composition a permis à l'artiste de souligner la vivacité, nature directe de l'enfant. Le fond de l'image, écrit à grands traits sonores, renforce encore cette impression. La couleur de l'œuvre est basée sur une combinaison de teintes chaudes ocre-doré, ainsi que des tons noir et blanc, ce qui donne à l'ensemble de l'œuvre un son très majeur.

Un autre travail, surprenant par sa composition expressive, est « Portrait du vicomte Lepik avec ses filles » (nom alternatif « Place de la Concorde », 1876, Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg). Une composition dynamique ressemble à une photographie avec son recadrage net de tous les côtés de la toile, ce qui n'est pas caractéristique de la peinture de cette époque. La ligne d'horizon est largement surestimée, qui tourne la place de la Concorde, qui est rapidement traversée par le Vicomte Louis Napoléon Lepic, uniquement en arrière-plan pour les personnages de l'image.

C'était comme si quelqu'un qui avait été salué par les filles d'un noble, arrêté, tourné en sens inverse par rapport au mouvement de son père. La toile a une saveur intéressante. Alors que les personnages principaux du tableau de Degas sont vêtus de costumes légers, se confondant presque avec l'arrière-plan, les vêtements des autres participants à la composition sont faits dans le noir, couleurs presque noires. Ces figures « noires », situé sur la toile avec une précision mathématique, créer un rythme « musical » étonnant de l'ensemble de l'œuvre.

Issu d'une famille noble et ne ressentant pas le besoin d'argent, Edgar Degas pouvait se permettre de ne pas répondre aux exigences des modèles nobles, créer des portraits personnalisés. Parmi les poseurs, il y avait de nombreux personnages de la haute société, mais jamais l'artiste ne s'est mis à les représenter dans la splendeur radieuse des tenues luxueuses. Quel que soit le statut des héros de ses tableaux, Degas s'est toujours efforcé de rendre le plus fidèlement possible les traits caractéristiques de chacun d'eux. Habitué à la flatterie, les lions et les lionnes laïques le quittaient souvent, se sentir offensé.

Expérience de vie et voyage

Un événement important dans la vie d'Edgar Degas fut la connaissance d'Edward Manet, qui s'est passé en 1862. Bientôt, l'artiste a commencé à visiter régulièrement le Café Gerbois - un lieu de rencontre populaire pour les jeunes artistes. Là, ils ont discuté de la recherche de nouveaux sujets dans l'art, moyens d'expression originaux et leur propre vision de la réalité. Parmi les habitués du café se trouvaient de grands artistes comme Claude Monet, Alfred Sisley, Auguste Renoir et bien d'autres.

Influencé par cette communauté d'impressionnistes, à la fin des années 1860, Degas se tourne vers la création de grandes séries – Lavandières, Course de chevaux, Scènes de ballet, et Modistiki. Toutes ses peintures se distinguaient par une divulgation très précise de la profondeur et de la complexité du monde intérieur de leurs héros. Contrairement à la plupart des artistes impressionnistes, Degas n'a jamais cherché l'inspiration dans la nature, il percevait la réalité comme un élément dynamique, et c'est ce mouvement continu qui occupe la place principale dans son œuvre. Son idéal était la vie trépidante d'une ville moderne. Étant de nature très observateur, Dégazer, marcher dans les rues bruyantes de Paris, remarqua tous les traits expressifs caractéristiques et garda longtemps en mémoire ce qu'il voyait. Ensuite, transmettre le rythme de la vie urbaine, l'artiste a créé des images photographiquement exactes et impartiales.

Le bien-être matériel initial a permis à Edgar Degas de consacrer tout son temps à des expérimentations créatives. Il pouvait se permettre d'écarter hardiment tous les canons, tous les trucs éculés pour construire la composition, afin de trouver son propre point de vue inattendu, une nouvelle vision, grâce à quoi on pouvait obtenir l'impression de fraîcheur et de spontanéité de l'œuvre.

À la suite de recherches créatives, l'artiste a pu réaliser un ajustement précis de la composition des peintures, dans lequel il n'y avait rien d'accidentel et tous les éléments ont été conçus pour souligner le sens général de l'intrigue. Le peintre lui-même caractérise ainsi son travail :« Mon travail est le résultat d'une réflexion, observation des patients, inspiration, caractère et l'étude des grands maîtres." Degas a capturé tous ses héros dans des poses naturelles et décontractées, faisant de son mieux pour transmettre leur caractère et leur humeur.

Lorsque, en 1870, la guerre franco-prussienne éclate, l'artiste s'est porté volontaire pour rejoindre le régiment d'infanterie. Soudainement, aux premiers pas de tir, il est devenu clair que son œil droit est mal vu. Le diagnostic des médecins était le suivant :décollement de la rétine causé par le diabète. Comme il s'est avéré plus tard, ce n'était que le début de la maladie de Degas, ce qui l'a finalement conduit à une cécité presque complète. Néanmoins, il est resté dans les rangs de l'armée française, transfert au régiment d'artillerie. En 1871, la guerre était déjà finie, et Degas a fait un court voyage à Londres, après quoi il est allé chez ses parents américains à la Nouvelle-Orléans, où il passa l'hiver 1872-1873.

Au début de son séjour aux États-Unis, Degas réalise de nombreux croquis et peintures, y compris un certain nombre de portraits de membres de sa famille. Mais très vite, il perd son fusible. La raison en était sa conclusion que « l'art de Paris ne peut pas être le même que l'art de la Louisiane sans aucune distinction. Car sinon ce ne sera qu'un monde illustré. " À partir de ce moment, l'artiste cesse de faire des croquis et des croquis, qu'il a déjà créé en grand nombre au cours de ses nombreuses pérégrinations.

Degas s'est assuré que seule une observation prolongée de la vie dans un pays particulier "peut fournir une opportunité d'apprendre les coutumes des gens et de ressentir leur charme". Néanmoins, contrairement à ses propres thèses, l'artiste crée le tableau "Office for the Sale of Cotton in New Orleans" (1873, Musée des beaux-arts, Poé). La composition multi-figures de l'œuvre est basée sur le contraste de couleurs contrastées - noir et blanc, dont l'alternance crée un rythme clair de l'ensemble de la toile.

Au printemps 1873, Degas rentre à Paris, où il attendit bientôt une série de pertes et de troubles. En moins d'un an, le père de l'artiste décède, laissant derrière lui d'énormes dettes. Comme ça s'est apparu, le défunt était en plein désarroi. La banque dirigée par Auguste de Ga, devaient des sommes astronomiques aux créanciers. Pour préserver sa réputation familiale, l'artiste a payé une partie de ses dettes avec des fonds hérités de lui, mais cela ne suffisait pas. Pour joindre les deux bouts, le peintre vend le domaine familial et une collection de tableaux de grands maîtres, recueilli par son père.

Tout cela a conduit à un tel état de fait que le peintre a pensé pour la première fois de sa vie à vendre ses tableaux. L'un des moyens efficaces d'attirer les acheteurs, l'artiste considérait l'exposition des impressionnistes, qu'il a souvent aidé à organiser. Entre 1874 et 1886, huit de ces expositions ont eu lieu, dans sept desquels Degas a participé. Il est à noter que ses œuvres ont eu du succès et se sont très bien vendues, contrairement aux œuvres d'autres impressionnistes.

Au cours des années 1870, Degas a encore affiné son style artistique. La construction spatiale de son œuvre a acquis une acuité sans précédent, encore plus de liberté et de dynamisme. La couleur dans ses peintures a acquis une signification indépendante, est devenu très complexe, comme rempli de lumière.

Degas a tellement simplifié et épuré son dessin qu'il a pu rendre le jeu des muscles du corps humain en mouvement à l'aide d'un seul circuit. Progressivement, son travail acquiert un caractère de plus en plus sculptural. Il a commencé à souligner les contours des figures et des objets avec une ligne de carbone épaisse, rose, des nuances violettes et verdâtres ont commencé à prévaloir dans la couleur des peintures, qui a donné la sonicité à l'œuvre, et tous les détails ont été minimisés.

Degas arrête pratiquement de peindre à l'huile, le pastel est son matériau de prédilection. Le dernier portrait, créé par le maître, était le tableau "Hélène Roire dans le bureau de son père" (1886, Galerie nationale, Londres), représentant la fille d'un ami de l'artiste Henri Rouen – Hélène.

Depuis le milieu des années 70 dans les œuvres de Degas, l'influence de la gravure japonaise, qui a eu une grande influence sur l'ensemble du mouvement des impressionnistes, est de plus en plus tracé. L'artiste a commencé à utiliser de nombreuses techniques de cet art, par exemple, constructions spatiales originales, l'utilisation d'angles inattendus et le placement fréquent de personnages secondaires au centre de la composition.

L'amour des courses de chevaux

L'une des plus grandes passions de l'artiste était les chevaux. Edgar Degas s'est intéressé à ces animaux gracieux lors de son séjour en Italie. Il était fasciné par les courses hippiques romaines traditionnelles sur la Via del Corsa, au cours de laquelle il réalise de nombreux croquis. En France même dans les années 1860, à la fois sous le règne de Louis Philippe et de Napoléon III, le sport équestre était également très populaire. De plus, Degas s'intéressait non seulement au plastique naturel et à la grâce des chevaux, il s'intéressait davantage aux gestes professionnels et aux mouvements de leurs cavaliers.

Création d'une série d'ouvrages consacrés aux courses hippiques, Degas a souvent trouvé diverses structures de composition non conventionnelles pour ses toiles. Ses astuces préférées étaient divers déplacements spatiaux, coupe des bords tranchants et divers angles « pointus ». L'essence de toutes les techniques était de créer des images dynamiques et vibrantes qui peuvent transmettre un sentiment unique d'une réalité en constante évolution. Une place importante dans ces œuvres est la couleur. C'est avec l'aide du coloris Degas qu'il a été possible de donner un fouillis hétéroclite de figures de jockey à une forme organisée spécifique.

En 1860, l'artiste a écrit l'un de ses premiers tableaux dans une série consacrée aux courses de chevaux. La toile « Messieurs aux courses :avant le départ » (Fogg Museum of Art, Cambridge) caractérise parfaitement le style et le caractère de l'artiste, qui a changé tout au long de sa vie. Le fait est que Degas réécrit vingt ans plus tard sa première version de cet ouvrage, où les figures floues et floues des cavaliers sont représentées sur un paysage complètement plat. Dans cette toile tardive, le fond de la peinture était des collines et des usines de banlieue avec des cheminées émettant de la fumée noire.

L'ouvrage de 1862 « Cavaliers avant le départ » (Musée d'Orsay, Paris), exprime très précisément et sincèrement les émotions excitantes que les gens ressentent et la tension des chevaux avant le départ. Au premier plan de la photo, plein de tension, concentration intérieure et dynamisme, sont montrés des jockeys se préparant pour le départ de la course. Le plan intermédiaire est occupé avec une société laïque bruyante, avide de spectacles. L'étonnante authenticité avec laquelle les gestes et la plantation des jockeys, dépourvu de toute poésie d'images, est incroyable. Grâce à cet accueil, le spectateur n'est pas surpris par la fragmentation brutale de la toile, dans lequel le bord de l'image coupe la moitié de la silhouette de l'un des cavaliers.

La série Degas, dédié aux courses hippiques, est plein de belles œuvres, résolu avec une précision quasi-reporter. Un exemple de telles toiles est « Avant le départ » (1878, Musée E. G. Bgorl, Zürich), « Les courses de chevaux dans la province. Équipage à la course "(vers 1872, Musée des beaux-arts, Boston), « Équitation de course » (1894, Collection chez Webb, New York) et " Jockeys in Front of the Tribune " (1869-1872, Musée d'Orsay, Paris ) Sur la dernière toile, Degas a dépeint le moment précédant la course, alors qu'on ne montrait au public que les chevaux participant aux courses. L'artiste compose magistralement le tableau, atteindre l'illusion de calme et d'équilibre, conservés par les héros. Les expériences intérieures sont transmises à l'aide de longues ombres qui ornent délicatement le sable des pistes de course. Tous les chevaux sur la photo sont presque statiques, à l'exception d'un. Degas s'est donné pour mission de refléter l'état d'accalmie qui régnait juste avant le départ de la course. Il n'y a pas de passions et d'excitation caractéristiques de cet événement.

Quelque part en 1873, le peintre s'est temporairement éloigné du sujet des chevaux et des courses hippiques sans aucune attention, n'y revenant que quelques années plus tard, lorsqu'il charge le chanteur Jean-Baptiste Fare de peindre « Les courses de chevaux. Jockeys – amateurs » (1876-1887, Musée d'Orsay, Paris). Après ça, Degas écrit périodiquement des toiles consacrées aux courses hippiques, jusqu'à la fin des 9s environ. L'une des dernières œuvres de cette série était le tableau "The Fallen Jockey" (1896-1898, le Musée d'Art, Collection Offlätsche, Bâle). La composition de la toile est similaire aux travaux antérieurs de l'artiste, il nous montre un cheval se précipitant dans le pré, derrière lequel il reste un jockey apparemment lâché par elle.

L'expressivité de la vie nocturne parisienne

La maladie de l'artiste a affecté son mode de vie. Degas a commencé à protéger ses yeux du soleil éclatant, et généralement essayé, aussi rarement que possible, être dans la rue pendant la journée. Contrairement à la grande majorité des impressionnistes, le peintre ne travaillait pratiquement pas en plein air. Degas a peint la plupart de ses tableaux sous éclairage au gaz, pour lequel il reçut le surnom de « premier impressionniste de la nuit ». Cela pourrait aussi être l'une des raisons pour lesquelles le thème des cafés parisiens, cafés bon marché, actrices, les chanteurs et les dames de la « pénombre » lui plaisaient tellement.

Degas a réalisé de nombreux ouvrages consacrés au thème de ces institutions et de leurs habitants, l'une des plus célèbres est la toile « Absinthe » (ou « Amoureux de l'absinthe », 1875, Monsieur d'Orsay, Paris). Il représente l'intérieur de l'établissement Nouvelle-Athènes, populaire dans les milieux artistiques parisiens. La composition du tableau est basée sur le principe d'une simple scène de genre de la vie quotidienne des habitants du café. Ses personnages – un homme et une femme – semblent simplement se reposer à table après des soucis quotidiens. Mais les tables vides au premier plan donnent l'impression d'être pressées et poussées dans un coin par deux personnes, et soulignent également leur vide et leur indifférence mutuelle. Ce scénario sans prétention souligne le thème de l'excitation d'Alien pour l'homme du monde et sa solitude inévitable, qui est l'idée principale de l'ensemble du travail. Les modèles de l'artiste étaient le graveur et artiste Marcel Debuten et l'actrice Hélène André. Par la couleur, l'artiste parvient à donner une tension intérieure et un drame à leurs personnages, pratiquement dépourvu de mouvement.

L'habileté subtile du peintre à traduire le caractère de ses modèles à l'aide d'un seul geste s'est parfaitement révélée dans les toiles représentant le chanteur de divers cafeshantans. Un exemple frappant est le tableau "Capitaine Ambassadeur" (1876, Musée des beaux-arts, Lyonnais), dans lequel le geste du chanteur combine deux parties de la composition :une performance sur scène et un auditorium.

Concernant ce travail, le célèbre critique J. Riviera écrit :« Combien de figures féminines en arrière-plan, avec leurs robes de mousseline et éventails, et les spectateurs qui, levant la tête et étirant littéralement le cou, regardez avec enthousiasme des danses provocatrices et des distiques crasseux ! Si je ne me trompe pas, alors ce chanteur a un contralto bien saturé d'eau-de-vie… Le geste insolite du chanteur, penché vers le public, confirme certainement le succès de sa performance. Ne jamais se répéter comme des acteurs avec des rôles mémorisés, elle fait appel au public, leur demande, sachant à l'avance qu'ils répondront exactement à ce qu'elle veut entendre, car c'est elle qui contrôle le tyran, dont les vices apaisent. "

Écrit en 1878, la toile « Chanteur de Cafesantan » (ou « Chanteur au gant, « Musée d'art Vogt, Cambridge), est également un représentant très vivant de cette série. Ellis Degrange, qui a servi de modèle à cette toile, n'est en fait pas un chanteur du tout, mais un pianiste très connu dans les milieux parisiens qui accepta volontiers de poser pour Degas. La figure du pianiste, très proche du spectateur, n'est toujours pas le centre de composition de la toile. Ce rôle est joué par sa main, vêtu d'un gant noir. Pour donner au geste un son encore plus grand, Degas l'a dépeint sur un fond clair. L'artiste a réussi à organiser de façon magistrale l'espace de l'œuvre. Le geste tranchant de la main du chanteur, sa bouche ouverte et ses traits du visage quelque peu déformés rapprochent en fait l'image de la caricature. Pour atténuer cet effet, le maître a introduit des couleurs douces et claires dans la coloration :des reflets rose tendre sur la robe et le visage de l'héroïne, et une fleur dans ses cheveux.

La série consacrée aux cafeshantans et à leurs habitants s'est avérée très lumineuse et particulière. Toutes les œuvres du cycle se distinguent par une construction compositionnelle très audacieuse, qui vise à révéler l'idée principale de la toile. L'éclat de la couleur et de la lumière, dans les tableaux de Degas, transforme la réalité en un monde fantastique rempli d'un charme acidulé spécial.

Ballet

Le deuxième thème de prédilection d'Edgar Degas était l'élément fluide et dynamique de la danse. On sait avec certitude que pendant près de vingt ans l'artiste a régulièrement acquis un abonnement à l'Opéra de Paris. Il s'est plongé dans le thème du ballet, assister à des théâtres et des cours de danse. Regarder le travail acharné des ballerines, l'artiste a recréé le monde enchanteur de la danse. Il a écrit de nombreux tableaux dédiés à leurs répétitions, au cours de laquelle chaque mouvement des danseurs a été perfectionné, les performances dans lesquelles ils ont été présentés au public dans un scintillement festif de projecteurs, et lors de rares moments de détente. L'essentiel du travail a été réalisé dans l'atelier pastel de Degas, où il a invité ses modèles. Seulement quinze ans plus tard, le directeur de l'Opéra de Paris a permis à l'artiste de travailler directement derrière les rideaux du théâtre.

L'une des premières œuvres écrites par Degas au théâtre fut le tableau « L'Orchestre de l'Opéra » (vers 1870, Musée l'Orsay, Paris). C'est une toile de petite taille, dont la composition est comme prise accidentellement lors de la présentation d'une photographie. Le maître invite le spectateur à regarder la scène du côté de la fosse d'orchestre. Tout le premier plan est occupé par des musiciens vêtus de fracs noirs. La place centrale parmi eux appartient à l'image d'une amie du peintre Désirée Dio, qui joue du basson. La toile est disposée de manière à ce que l'on ne voie que la partie inférieure de la performance qui monte sur scène. La première chose qui attire l'attention du spectateur est le tutus rose vif et bleu des danseurs, et seulement après cela, la tache blanche de la chemise du musicien attire son regard sur le personnage principal de l'image.

L'artiste a consacré un grand nombre de ses prochaines œuvres aux danseurs. Les premières peintures de cette série portent une grande part de l'impassibilité prétendument photographique avec laquelle le maître dépeint les ballerines.

Dans sa toile "Classe de danse" (1871, Musée métropolitain d'art, New York), l'artiste transmet magistralement l'excitation d'un jeune danseur avant une répétition cruciale. Une jeune fille se tient sur le fond des miroirs, ce qui permet à sa silhouette légèrement décalée du centre d'occuper tout l'espace de la classe. Seulement sur le côté gauche de la photo, il y avait une place pour le piano noir et le vieil accompagnateur assis à côté de lui, qui s'apprêtait à commencer à jouer une mélodie pour la danse. L'image est remplie de silence régnant dans une pièce spacieuse. Les danseurs s'échauffent avant la répétition. Toute œuvre est imprégnée d'un rythme musical clair et harmonieux véhiculé par l'artiste à travers la couleur à travers la réflexion coloristique claire de la toile.

Plusieurs oeuvres de la série, among which was the canvas “Dance Class”, Degas presented to the public in 1874 at the exhibition of the Impressionists. After her, he gained fame as an “artist writing dancers. "

The painting “Dance Lesson” (1874, Museum d’Orsay, Paris), striking with convincing realistic interpretation of images, belongs to the same period. Degas depicted a fragment of a rehearsal, during which an elderly teacher, stopping the rehearsal, gives instructions and recommendations to his students. Light white figures of dancers occupy almost the entire space of a large hall, the naturalness of their poses and gestures gives the canvas convincingness. Dans ce travail, Degas captured the famous French choreographer Louis Merant, next to whom is one of the best dancers of the time, Josephine Gogelen.

The color of the picture plays a special role in it, built on a harmonious combination of gray, vert, bluish-white and ocher shades, with numerous dark accents that bring clarity and clarity, forming a smooth linear rhythm, as if repeating the movements of the dance. The entire composition of the “Dance Lesson”, built on the principle of fragmentation, as it removes the action from the viewer, isolates it inside the illusory space created by the artist. Cependant, in later works, the master intentionally brings graceful heroines closer to the edge of the canvas, and sometimes even cuts off the image of their figures, par exemple, in such works as “Dancers” (1883, Dallas Art Museum), or “Before the exam” (1880), Denver Art Museum).

Unlike other canvases, where the artist paid attention mainly to the transfer of lightness and grace of all the movements of his heroines, in the work “Before the Exam” Edgar Degas decided to pay attention to their emotional state. On the canvas we see young dancers who are preparing for a responsible performance. On the right side of the composition depicts a girl whose pose is relaxed. Her shoulders and head are lowered, as if she is praying before going to the examiners. The second heroine massages her leg, gracefully leaning forward. Behind the girls on the bench were two elderly ladies, who were having a quiet conversation. Here Degas set out to depict an important moment in the life of the ballerinas – the moment when they tune in to perform, right before they enter the stage, where they will shine in the luxurious spotlights.

The most famous work on the subject of dance is the painting “Blue Dancers” (circa 1898, the A. Pushkin State Museum of Fine Arts, Moscou), where the master was able to achieve special compositional and color expressiveness. In the work, the graceful heroines of which correct their costumes before the performance, the artist managed to use the artificial lighting effect so skillfully that the entire canvas turned out to be filled with radiance and sparkling threads of dance melody.

In the work of 1877, The Final Arabesque (Musee d’Orsay, Paris), similar intonations can be noted. The canvas is arranged in such a way as to give the viewer the opportunity to peek behind the curtains from above, to watch how the ballerinas are preparing for the upcoming appearance on the stage. The foreground of the painting is a figure of prima, depicted on the darkened background of an empty scene. The ramp lights illuminate her face and light yellow suit, likening the girl’s figure to a graceful flower.

Almost all works on the theater and dancers Degas performed in pastel technique. The master, who knew how to go beyond the usual stereotypes, and here developed his own unique style. His methods of applying the paint layer, with distinctive separate strokes, more like strokes, seemed to combine drawing and painting.

Aesthetics of hard work

Throughout his work, the artist was distinguished by a genuine interest in the characteristic features of the behavior of people belonging to different sectors of society. Degas has always been interested in the features of their plastics, specific gestures and movements, in a word, everything that he could transfer to the canvas. Throughout his life, the painter remained steadfastly addicted to certain topics that contributed to the expression of his creative interests.

Degas was very fond of everyday scenes in which the main characters were the saleswomen of haberdashery and hats, laundresses and ironers. In all the plots, the artist was attracted by characteristic poses and professional movements. Grâce à ça, he was able to discover completely unexpected decorative effects associated with the rhythmic interaction of silhouettes and matching figures. Most of the paintings that make up this series, as a rule, were created outside the domestic environment, which helped Degas achieve a high level of social generalization.

Par exemple, in the painting “Ironmaker” (circa 1869, New Pinakothek, Munich), the artist sought to convey the routine and monotony of the heroine’s daily work. The young girl depicted on the canvas holds the iron in his right hand, and moves the fabric with his left. To give greater dynamism, Degas made a double contour of the ironing skirt, emphasizing the efforts that she has to make. Immediately after returning from America, in 1873, Degas wrote another work under the same title, but with great expressiveness. On the new painting “Ironmaker” (Metropolitan Museum of Art, New York), the main character stands in profile, her dark silhouette stands out sharply against the background of a light-flooded window. Through this contrast and excellent transmission of the woman’s professional movements, the artist was able to masterfully reproduce the atmosphere prevailing in Parisian laundries.

The next canvas of the cycle – “Two Ironworkers” (Musee d’Orsay, Paris), created much later, in 1884, is perhaps the most famous. The work is written with wide nerve strokes, perfectly conveying the fluctuation of air around working girls. The color scheme, based on a comparison of blue, brown-ocher, golden and white tones, is characterized by increased decorativeness, which distinguishes this work from the previous ones.

Degas was not the only outstanding Parisian artist who loved the theme of ironers and laundresses. His work on this subject was often compared with the canvases of Honore Daumier. The critic Armay Sylvester, in 1879 wrote about this in the newspaper “Modern Life”:“Let’s move on to something significant. Par exemple, this is what is significant that appears on the rare canvases of Mr. Degas – always the same synthesis process conveyed to us with admirable artistic flair. Just look at how the ironer bent over hard work. If you look at the canvas from a distance, you might think that it was written by Daumier, but in a closer look it becomes obvious that this is more than Daumier. In this work there is a refined skill, the full power of which is difficult to convey. "

Household scenes also include paintings depicting visitors to hat salons. Par exemple, the painting “At the Fashionista” (circa 1882, Museum of Modern Art, New York), depicting a student of Degas Mary Cassatt. The compositional construction of the work is fragmented, built on the principle of photography. The girl trying on a hat is almost hidden behind the back of the chair depicted in the foreground. The modiste, who offers the visitor two more headdresses, is located on the left side of the canvas and is practically indistinguishable. The falling thick shadow makes the woman’s figure only a decorative element.

This work, the plot of which seems unpretentious, was the fruit of much thought by the author. The artist attached great importance to the expressiveness and “melodiousness” of the line, it was with its help that he sought expression in the reflection of form. Par conséquent, to create a single rhythmic silhouette of the whole group, he specially simplified the volumes of the middle plan. Canvases dedicated to this topic have become a real pinnacle of Edgar Degas skill. En eux, he managed to achieve a new expressiveness in displaying reality and give a monumental generalization to the ordinary everyday scene.

Nude work

Another type of everyday scenes that Degas devoted a lot of time to were naked women behind the toilet. Since about the 1880s, the artist began to create beautiful female images that do not fit into the generally accepted canons of that time. Degas rejected all conventions, the idealization of ideas about female beauty. “Beauty must be characteristic” – this postulate was taken by the master as the basis of his work. The artist argued that the nature of a naked body is best manifested in a variety of movements that can be natural only during bathing. So a series of works appeared, the heroines of which are busy with themselves:they wash themselves, wipe themselves, comb their hair and are so absorbed in their thoughts that they don’t think at all to accept graceful and graceful poses.

A vivid example of such a plot is the Taz pastel composition (1885, Hill Stead Museum, Farmington), whose main character just bent down to wet her sponge in water. Her smooth gesture is full of naturalness, and the composition is devoid of anything that could distract the attention of the audience from the girl. The following year, the artist wrote another work with the same name (Mray d’Orsay, Paris). In this picture, the heroine crouched in the center of the pelvis and, leaning on her hand, washes her neck. The figure of the girl is softly outlined by the light pouring from the window. To achieve greater expressiveness, Degas used contrasts, sometimes emphasizing the female body, then gently "merging" it with drapery. A third of the composition is a wide white shelf with toiletries:a jug with clean water, a comb and a hairpin. So the artist emphasized the depth of the room.

Constantly returning to the same topics, poses and gestures is explained by Degas’s uncontrollable pursuit of excellence. Friends joked about the artist, saying that "to make him stop redoing a picture, you can only select it." The painter was simply obsessed with the desire to truly capture any movement. A special place in the work of Degas is given to the images of women combing hair. Here, the artist never copied previously found compositional techniques, tirelessly looking for new ones.

One of the most famous pastels of this cycle, “A Woman Combing Her Hair” (1886, le Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg), can serve as a perfect example of the artist’s constant search for an ideal pose and natural gesture. The work has several options, one of them is stored in a private collection of Morris (Philadelphia), and another at the Metropolitan Museum of Art (New York). In all versions, the heroine is depicted from the back, which allowed Degas to most convincingly convey her movements. The artist emphasizes the volume and depth of the shadow with elastic lines of the contour, creating expressiveness of the smooth movements of the heroine combing her red long hair.

Over time, Edgar Degas develops his own aesthetics of motion transmission. The master sought not only to fix the position of the arms, legs and body with photographic accuracy, but to feel and convey with maximum expressiveness the complex interaction of all parts of the body. Working on the works of this series, the artist made an attempt to create his own system, which would allow him to depict the specific pose of a woman extremely accurately, but in the most generalized terms.

In later works by the artist, the movements of the heroines become sharper, the shape of the body began to be conveyed more simplistically and often outlined by a sharp contour. A vivid example is the painting “A Woman Leaving the Bath” (1900, private collection). It is very clearly visible on how the late style of the master gained sharpened expression, generalization of forms and decorativeness. The painter proved that the body can be even more expressive than the face, donc, completely ordinary motifs in his art received a poetic expression of life energy, graceful grace and beauty.

The last years of the master

At the beginning of the 20th century, Edgar Degas’s disease worsens so much that it almost completely loses sight. Unable to express himself in any other way than art, the master begins to seriously engage in sculpture, which he calls the "craft of the blind."

The themes that Degas tried to embody in a new form of creativity remained the same as in painting:jockeys, dancers and bathers. He sculpted small sculptures for himself, so a very small number of them were brought to the end, such as “The Little Fourteen-Year-Old Dancer”.

Contemporaries of the artist noted that at the end of life, despite a sharp deterioration in physical condition, Degas’ interest in music, photography and poetry only intensified. In the circle of friends, he often began to sing Neapolitan songs, cependant, somewhere from 1895, the painter almost completely stopped talking with friends and rarely left the house, continuing to communicate only with a very narrow circle of close people.

Already after 17 years, in 1912, Edgar finally quit working. By this time he is already blind and completely worn out. There were several reasons for this poor state of the artist, this year his sister Teresa dies, and the painter himself has to leave his beloved house because of the reconstruction, which could no longer be postponed.

September 27, 1917 Edgar Degas died at the age of eighty-three years. The funeral was very modest – as the artist himself wished. Among the friends who came to take him on their last journey were Claude Monet, Leon Bonn, Mary Cassett, Henri Lerol, Jean-Louis Foren, Ambroise Vollard and many others. In his last will, Degas requested not to give mourning speeches during the funeral. Separately, he emphasized that if Foren really wants to say a few words, let them be very simple and concise, like:"He, like me, loved to draw most of all." Edgar Degas already became a recognized great painter during his lifetime, his paintings were bought up at fabulous prices, and although the artist’s last years were rather joyless, he still lived a rich and vibrant life and remained forever in the history of art.

Zhuravleva Tatyana





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