Bartolomé Esteban Murillo - vie et peintures
On ne sait pas grand-chose de la vie de l'artiste phare de «l'âge d'or» de la peinture espagnole, qui a apporté une contribution inestimable à l'histoire de l'art et est devenu le fondateur de l'école de peinture de Séville. Bartolomé Esteban Murillo est né, très probablement en décembre 1617. Il y a un enregistrement de son baptême, qui a eu lieu le 1er janvier 1618. Pour comprendre, sous l'influence duquel s'est formé le style créatif d'un artiste brillant, il faut comprendre ce qu'était Séville où il est né à cette époque.
Séville
Séville était l'un des deux ports d'Espagne autorisés à commercer avec l'Amérique (selon le décret royal du XVIe siècle). Perles, or, argent, cuir, ainsi que le cacao, des oiseaux rares, hin et d'autres marchandises sans précédent en Espagne ont été apportées ici. Les immenses chantiers navals sur les rives du fleuve navigable Guadalquivir étaient constamment occupés, ici, ils ont construit des navires, fait des voiles, cordes et tout le nécessaire pour la flotte. A partir des matières premières apportées, les artisans les plus qualifiés de Séville (plus précisément, ses faubourgs Triana et Makarene) créèrent de magnifiques vaisseaux, brocart brocarts d'or et de drap, vêtements pour le clergé, produit et peint des bougies d'église massives et lourdes. Sur les porches de nombreuses églises bondées, demander l'aumône, les pauvres, les pauvres et les infirmes. Le nombre de pauvres, les enfants des rues et les vagabonds sans abri était énorme. Dans les documents du conseil municipal, il y a beaucoup d'enregistrements que les pauvres étaient affamés.
À la fois, Séville était également un centre majeur de l'Église catholique omnipotente et riche. Déjà au XVe siècle, le clergé espagnol était fier des immenses cathédrales qui étaient les plus grands édifices gothiques d'Europe. Les monastères étaient nombreux et très riches, ils possédaient de véritables trésors et distribuaient généreusement les commandes aux meilleurs artistes. Les magnifiques festivités de l'église et les processions religieuses solennelles de Séville étaient célèbres dans tout le pays. Cela a été pris en charge non seulement par le clergé, mais aussi à savoir :les Ducs de Medina Sidonia, Zünig, Alcalá et bien d'autres ont fait don d'importantes sommes d'argent pour de tels événements, essayant de mettre en valeur leur richesse et leur influence.
Ainsi, Séville était une ville de contrastes - luxe et pauvreté, richesse et misère. Même dans la seconde moitié du XVIIe siècle, quand la ruine et la paupérisation ont balayé toute l'Espagne à cause de la crise économique, des navires arrivaient encore à Séville de l'autre côté de l'océan, le pouls de la vie commerciale y battait encore, cependant, toutes les terres d'Andalousie appartenaient à cinq familles nobles. Les nobles, qui étaient si fiers de la noblesse du sang et considéraient comme honteux tout travail, sauf les affaires militaires, service religieux ou judiciaire, s'est de plus en plus impliqué dans le commerce. La grandeur de l'Espagne appartient au passé, tout comme ses rêves de domination mondiale. Dans l'art espagnol, les images héroïques de guerriers victorieux sans peur et de martyrs déterminés apparaissaient de moins en moins. L'art réaliste a progressivement perdu sa virilité sévère et son caractère expressif. Ils ont été remplacés soit par excessivement exaltés, ou, inversement, images lyriques douces, que l'on peut voir dans les œuvres des maîtres à la fois de l'école de Madrid, par exemple, Juan Kareño de Miranda, Claudio Coelho, Antonio Pereda, et Séville - Herrera le Jeune, Pedro de Moya, Alonso Kano. La prétention des ornements magnifiques a grandi dans l'architecture, et dans la sculpture sur bois, les statues n'étaient souvent pas simplement peintes, mais habillé de vraies tenues luxueuses.
Début du parcours créatif
Au cours de cette période, le futur grand artiste Bartolome Esteban Murillo est né. Ayant perdu ses parents prématurément, le garçon a été élevé dans la famille de sa tante, l'épouse du chirurgien barbier sévillan Juan Lagares. Ayant découvert très tôt le penchant de l'enfant pour la peinture, des parents lui ont donné pour étudier l'artiste Juan del Castilio, qui se distinguait par son amour pour les romanciers de Séville et les artistes italiens. Mais bientôt Murillo s'est avéré être laissé à lui-même, que son professeur est parti pour Cadix. Les premiers biographes affirment que le jeune artiste a peint son travail sur de petits morceaux de toile et les a ensuite vendus au chantier naval. Cela semble probable, depuis à Séville, de nombreux peintres travaillaient pour le chantier naval.
Les faits fiables sur la vie de Murillo sont extrêmement rares. Il passa environ deux ans à Madrid (probablement de 1648 à 1650), où il a vraiment pu rencontrer Vélasquez et étudier grâce à lui les tableaux des grands maîtres des collections royales. En outre, l'ami de Murillo, Pedro de Moya, qui admirait les œuvres d'Anthony van Dyck, a apporté des copies et des dessins des œuvres de ce génie de la peinture de Flandre et d'Angleterre à Séville. Murillo a exécuté principalement les commandes des monastères, créer de grands cycles d'histoires bibliques et évangéliques, légendes sur la vie des saints. Dans les histoires « L'adoration des bergers », "Le miracle de satisfaire cinq mille personnes avec cinq pains", de nombreuses scènes d'aumônes et de guérison de saints malades, il dépeint avec amour la pauvre Séville :des paysans, mendiants, estropiés. Toute sa vie, il a écrit des peintures de genre, représentant des enfants aux pieds nus des pauvres espagnols, engagés dans des jeux dans les rues de la ville.
Dans les œuvres de la première période de l'œuvre de Murillo (années 40 du XVIIe siècle), l'influence évidente de Velazquez, Herrera l'Ancien, Zurbaran, Roelas et autres maîtres de l'école de Séville est évident. L'artiste travaille à la manière sombre des caravagesques, renouant avec ses toiles avec seulement quelques taches aux couleurs chaudes. Déjà dans ces années, le jeune artiste commence à s'intéresser au problème de la transmission lumineuse, faisant des tentatives timides pour le résoudre dans ses œuvres.
Peut-être que le jeune Murillo a peint le tableau "Adoration des bergers, » qui se trouve maintenant à l'Ermitage. Devant la jeune jolie Madonna, regardant doucement l'enfant Jésus, couché dans une misérable mangeoire, il y a de simples paysans andalous qui ont apporté leurs maigres cadeaux. C'est un vieil homme agenouillé, levant timidement les mains et sans oser toucher le bébé, un nez pointu, vieille femme souriante dans un châle léger, un jeune homme en cape rouge et un berger au bâton caractéristique. Leurs chiffres sont encore écrits assez rigidement, et leur placement n'est pas trop réussi:ils sont placés par une "échelle" - l'un au-dessus de l'autre. La couleur sombre de la toile de gauche est éclairée par la lumière émanant du bébé. La blancheur brillante du drap et le corps rosâtre délicat de l'enfant créent une illusion de lumière brillante, illuminant le visage doux de Madonna, sa robe simple rougeâtre, et jetant des reflets dorés au bord des vêtements grossiers du vieil homme agenouillé.
Dans les années 40 et 50, Murillo a créé des peintures de genre plus d'une fois, poursuivant la tradition démocratique établie de l'école de peinture de Séville dans la première moitié du siècle. Ces œuvres comprennent « Gypsy » (Madrid, Prado), « Fille aux fleurs et aux fruits » (Moscou, Musée Pouchkine), « Moche » (Paris, Louvre) et « Boy with a Dog » (Saint-Pétersbourg, Ermitage).
Le tableau "Garçon avec un chien" a été peint au milieu des années 50. Nous voyons un garçon marcher dans la rue. Dans sa main se trouve un panier. L'enfant, souriant affectueusement, d'un geste de la main, il montre au chien que dans son panier il n'y a rien d'autre qu'une cruche d'argile vide. La figurine de l'enfant a été écrite en générations, mais l'artiste a réussi à créer un sens du mouvement du garçon le long de la rue, une compréhension claire que le bébé parle avec un ami à quatre pattes en déplacement. Le visage du garçon est peint avec un tel réalisme qu'il ne fait aucun doute que le tableau a été peint d'après nature et que l'artiste connaissait bien cet enfant. La silhouette est délimitée par des lignes douces et lisses. Illuminer un visage élancé qui ne diffère pas en beauté, un sourire se fait sentir sous les longs cils des paupières légèrement baissées, à travers lequel l'éclat des yeux rusés est clairement visible. L'artiste écrit cheveux, visage, mains, vêtements avec une très fine couche de peinture, tenant de longs traits obliques avec un pinceau. La couleur de l'image est terne, strictement pensé et plutôt graphique. Les tons gris du ciel s'éclairent jusqu'à l'horizon, à droite s'élève un mur jaunâtre avec un arbre vert pâle inexpressif. Sur ce fond fané, les manches sombres de la veste, le pelage clair du chien et le panier doré se détachent nettement. Probablement, ce même garçon a servi de modèle au peintre pour l'œuvre « Boy in the Window » (Londres, Galerie nationale), dans lequel il a également élaboré sa saveur distinctive, continuer à expérimenter avec la lumière et la couleur.
Succès et reconnaissance
Avec l'amélioration de ses compétences, Murillo dans les années 50 du XVIIe siècle a de plus en plus aiguisé la gamme de tons dorés et argentés qui l'attirait, essayant de transmettre une brume d'air percée de lumière. La carrière du maître prend progressivement de l'ampleur. Déjà en 1656, il reçut le titre de premier peintre de sa Séville natale pour le grand tableau «Vision de Saint Antoine de Padoue» exécuté pour l'autel de la cathédrale de Séville. Tout le monde admirait à quel point le flux de lumière était magistralement écrit, auquel le moine Antoine de Padoue tend les bras, qui a vu l'enfant Jésus descendre du ciel.
Les contemporains vantent Murillo :ils commencent à l'appeler « Séville Apelle, » le comparant au grand peintre de la Grèce antique, et l'a même placé plus haut que Titien lui-même. Au tournant des années 50 et 60, l'œuvre « L'Annonciation » a été créée (Saint-Pétersbourg, Ermitage). On y voit une élaboration encore plus subtile de lumière et de couleur que dans l'image « Garçon avec un chien ». L'ange, qui venait de descendre vers Marie avec la bonne nouvelle qu'elle était destinée à devenir la mère du Fils de Dieu, s'agenouilla devant elle.
Avec l'ange, le ciel en forme de nuage léger semblait être entré dans la chambre modeste, après avoir lavé les contours des murs et enveloppé la colonne de brume. Seulement une table avec un livre posé dessus, un bouquet de lys dans un vase en verre mince et des dalles d'un simple sol sont clairement visibles. Une couverture légère sur la tête de Maria, et ses épaules se confondent avec le nuage. La coloration globale de l'image est très finement résolue. La tache de couleur principale était une écharpe d'ange, rouge carmin, aux délicates teintes de nuances, flottant facilement sur fond de nuages gris enfumés. La couleur de l'écharpe se marie bien avec les vêtements gris violet de l'ange et le panier jaune doré sur le sol, et même avec l'oreiller bleu doux dedans. La deuxième version du tableau se trouve au Musée du Prado à Madrid, mais là-dessus une partie du pied de l'ange et une partie du vase à fleurs sont coupées par les bords de la toile, ce qui fausse considérablement la composition de l'œuvre.
Le peintre, comme le vrai fils de sa terre, se tourna à plusieurs reprises vers l'image de la Vierge et chanta la beauté des femmes de Séville. Les Andalous appelaient leur terre « la terre de Marie-Baptiste ». C'était la Vierge Marie qui était la patronne de Séville, ainsi que toutes les villes et villages d'Andalousie. Les gens ordinaires l'honoraient comme intercesseur, chansons composées, contes et légendes à son sujet. Dans la poésie populaire, Madonna a toujours été une beauté avec de grands yeux et de délicates mains blanches. Elle est admirée par les gens, et des arbres, et le soleil, et la mer et les ruisseaux. Dans les œuvres de Murillo, Maria a aussi toujours les grands yeux, gracieux, femme tendre et svelte, contrairement aux œuvres de nombreux maîtres espagnols qui ont vu en Madonna, principalement sa mère, avec des yeux modestement baissés regardant son enfant.
Les madrillas les plus célèbres de Murillo :« La Vierge à l'Enfant » (Florence, Offices), "Vierge et Rosaire" (Madrid, Prado), "Vierge à l'Enfant", qui a le deuxième nom - "Madonna and Napkin" (Séville, Musée des Beaux-Arts) et "Vierge à l'Enfant", également connue sous le nom de « Madone gitane » (Rome, Galerie Corsini). On peut aussi admirer toutes ces charmantes femmes qui regardent le spectateur, pas seulement prié pour eux. L'image charmante de l'artiste se retrouve dans diverses scènes :« Immaculée Conception », "Annonciation", « Adoration des bergers », « Repos pendant la fuite en Égypte », "Fuite en Egypte", "Sainte famille", « Emmener la Vierge au paradis », et plein d'autres, tous deux écrits par ordre de l'église, et créé pour d'autres clients.
Les compositions des œuvres de Murillo commandées par l'Église catholique se distinguent par une combinaison de solennité calme de la toile religieuse avec des motifs de genre qui apportent chaleur et âme à la vie humaine simple. Il s'agit de l'ouvrage "Le repos pendant la fuite en Egypte". Ici, nous voyons le rêve serein d'un bébé, le geste bienveillant de la main d'une mère avec une paume ouverte protégeant un enfant, Le visage doux et calme de Maria, la canopée fiable d'un arbre sous lequel elle se reposait. Joseph se tient tout près, tenant une mule. Anges curieux mignons, peur de réveiller l'enfant, se tenir enlacé à distance.
Le travail est étonnamment harmonieux :le rapport des figures et du paysage, la fluidité des lignes douces, les couleurs chaudes des robes rouges de Madonna combinées avec les vêtements marron foncé de Joseph, des arbres, un veau rose de bébé et une brume argentée transparente de collines en pente lointaines. Exécution minutieuse et magistrale des choses ordinaires - nœuds soigneusement noués, jeté sur le chapeau de paille de Joseph, une bouteille dans une citrouille vide, nous prouve à quel point le maître de la nature morte Murillo était habile. Aucun des maîtres espagnols ne s'est si souvent tourné vers des sujets apocryphes comme Murillo. Ils ne s'intéressaient à lui pas moins que les sujets classiques de l'Ascension de la Vierge et de l'Immaculée Conception, dont de nombreux exemples se trouvent dans les musées du monde entier - au Prado, l'Hermitage, le Louvre, les musées de Séville et les collections privées. Apocryphes est une légende non admise par l'église officielle dans les textes des quatre évangiles canoniques existants :légendes sur les jeux du petit Christ avec ses frères (fils de Joseph); sur le palmier dattier, qui a grandi sur la prière de la Madone lors de son voyage en Egypte; une attaque contre une sainte famille d'animaux et de voleurs (dragon, loups, lion et léopard); sur l'éducation de l'enfant Jésus par Joseph; sur l'enfance de Marie et bien d'autres.
Une caractéristique de l'école de peinture de Séville était l'image de la Vierge volant dans le ciel, accompagné d'anges. Le jeune Velazquez a peint l'Immaculée Conception (Londres, Galerie nationale), lui montrant un jeune, fille assez terrestre avec un visage légèrement corsé, ses yeux timidement embarrassés. Comme le croient de nombreux historiens de l'art, il a été écrit de Juana, fille du professeur de Velazquez - Francisco Pacheco, qui deviendra plus tard sa femme. Ci-dessous, vous pouvez voir les bâtiments et les rues de Séville. Murillo a créé une nouvelle image dans la peinture espagnole de Marie - une jeune, fragile, gracieux sévillan, planant dans les nuages, en douceur et facilement se levant. Telle est « l'Immaculée Conception » conservée à l'Ermitage. Un nuage gris dense, sur lesquels les petits anges s'ébattent gaiement, emporte la Madone debout dessus. La Vierge Marie se tient dessus, plier légèrement un genou, gracieusement, seulement avec le toucher de ses doigts, joignant ses mains et tenant doucement le bord bouclé de la cape avec ses coudes.
La peinture de l'Ascension (Saint-Pétersbourg, l'Ermitage) a été peint plusieurs années plus tard. Le visage de la fille ressemble au visage de Maria de l'Immaculée Conception, créé par l'artiste pour le monastère des Capucins et conservé à Séville. Les deux tableaux ont probablement été peints par le maître à partir du même modèle. La Madone est vêtue d'une longue robe blanche, sur sa taille - une ceinture dorée, une écharpe drapée sur ses épaules, tourbillonne facilement dans l'air. Exceptionnellement magistralement transmis un mouvement en douceur vers le haut. Il semble au spectateur qu'il se tient en dessous et que son regard suit progressivement la figure ascendante. Les anges jouent aux pieds de Marie, et l'un d'eux, un petit garçon à la peau sombre et aux cheveux noirs, essaie de soutenir le manteau flottant de la Vierge en s'envolant vers elle. Le bras droit de Madonna est levé, sa tête est légèrement inclinée, ses yeux sont levés vers le ciel.
L'impression d'un mouvement ascendant n'est pas seulement obtenue par la composition. Murillo montre cette aspiration avec des couleurs riches et de la lumière. Juste en dessous - l'obscurité totale - c'est une terre abandonnée. S'élever, le fond devient plus clair, plus transparent, les couleurs sont plus claires, argenté, les silhouettes des anges volants se noient dans leur brume. Au bord supérieur de la toile, des tons dorés plus chauds apparaissent, scintillant de jaune, nuances fauves et roses. L'artiste écrit à nouveau avec de longs traits obliques, tout est lisse, mou, tendre, les ailes des anges ne sont que légèrement effleurées de blanc. Le clair-obscur est transparent, la transition des tons est invisible, et les contours des figures se dissolvent dans l'air.
Murillo a aussi une autre Madone - la maîtresse d'une maison pauvre, la femme ordinaire d'un artisan. Au XVIIIe siècle, l'Ermitage a acquis le tableau "La Sainte Famille", dont le petit format correspond à l'interprétation intime de l'intrigue. Le charpentier Joseph eut une heure de repos. Mettre le travail de côté, il prit l'enfant dans ses bras, le visage de son père calme et affectueux. L'enfant tire les stylos vers la mère, qui a quitté la couture pour emmener son fils. L'action se déroule probablement dans un atelier dans lequel un rideau vert sépare l'espace de travail du logement. Une douce lumière dorée remplit tout l'espace. La gamme colorée du travail était subtilement résolue :le manteau jaune de Joseph et la couleur grise de ses vêtements, La robe rose de Maria et un manteau bleu foncé posés sur ses genoux, un châle jaune pâle, le linceul blanc et les nuances roses d'un bébé ont été habilement coordonnés et profondément pensés. Léger, de longs traits presque transparents sont créés par l'artiste surplombant le bord du linceul blanc et les plis du rideau, tandis que la vannerie, au contraire, est écrit avec de courts coups de pinceau. L'économie simple d'un simple menuisier - un établi avec un rabot, une scie, appuyé contre la table, et un panier d'outils sont situés au premier plan, mais l'air doré de la chambre adoucit leurs contours, comme s'il se dissolvait dans une brume céleste.
En 1660, Murillo est devenu président de l'Académie des Arts de Séville, fondé par lui-même, une association libre d'artistes qui existait sur leurs propres dons. Il croyait que l'artiste devait d'abord étudier la nature et suivre les traditions de l'art acceptées à la maison, et imiter l'antiquité. Ses œuvres différaient des œuvres de l'Académie de Bologne exclusivement par des motifs de genre, intérêt pour les types folkloriques espagnols et le développement des problèmes de clair-obscur et de couleur.
Le protecteur de l'Académie de Séville était le marquis de Villamanrique, pour qui l'artiste, dans les années 1665-1670, a exécuté une série de peintures sur des scènes de la vie de Jacob. Parmi eux se trouvent les œuvres « L'échelle de Jacob » et « La bénédiction de Jacob Isaac » (tous deux dans l'Ermitage, Saint-Pétersbourg). Ce sont d'immenses œuvres décoratives destinées à décorer le palais. Dans les deux toiles, l'intrigue biblique est comme repoussée à l'arrière-plan. Dans le tableau "La bénédiction de Jacob Isaac", la scène avec la participation des personnages principaux se voit attribuer une place beaucoup plus petite que le reste du paysage avec des personnages. L'arche de la maison, au fond duquel on voit sur le lit d'un vieillard aveugle assis Isaac, est représenté à droite. A côté de lui se trouve sa femme Rebecca, et son Jacob est agenouillé sur le lit de son père. C'est une histoire sur la façon dont Isaac mourant a voulu bénir Esaü, son fils aîné, à qui il prévoyait de transférer la direction de la famille. Utilisant la cécité de son mari, Rebecca a amené son plus jeune fils, son favori, Jacob, à lui. Tous les personnages sont très caractéristiques de Murillo. Isaac est un vieil homme calme et gracieux, Rebekah est une vieille femme maigre, aux joues creuses et au nez pointu. Ce type de femmes se retrouve souvent dans les peintures de Murillo - c'est Anna, la mère de Marie, et de vieux mendiants dans des scènes d'aumônes, et des paysannes dans de nombreuses « Adoration des bergers ». et de vieux mendiants dans des scènes d'aumônes, et des paysannes dans de nombreuses « Adoration des bergers ». et de vieux mendiants dans des scènes d'aumônes, et paysannes dans de nombreuses « Adoration des bergers ».
Lumière et espace
Toute la scène de la bénédiction du fils par le père est mise en évidence comme si elle brillait de l'intérieur par un rideau rouge vif derrière le lit d'Isaac. Une sensation inhabituelle d'espace dans la pièce est créée par une transition claire entre le bord sombre de l'arche et le ton clair de la chemise et des oreillers d'Isaac, au bord de suspension lumineux et lumineux du rideau. Le paysage spacieux, s'étendant au-delà du mur de la maison, attire le regard avec des nuages pré-orageux flottant au-dessus du sol. Les doux débordements de tons de ciel sont infiniment divers - toutes les nuances de gris, du sombre fumé à l'argenté transparent, dans lequel se perdent les contours des oiseaux en vol.
Toutes les nuances de couleurs du ciel sont parfaitement combinées avec les tons brunâtres dorés de la route et les ombres qui s'y trouvent. Tout au long du travail, on sent l'ordre strict d'une seule solution de composition, accentuant la profondeur de l'espace. La route qui va dans les montagnes, l'arbre penché dans la même direction, le mouvement d'une femme courbée sous la charge d'une lourde cruche, la figure lointaine d'un chasseur renforcent l'impression de profondeur. L'image est remplie d'éléments ménagers - navires au premier plan, colombier, une clôture de vieilles planches, pots de fleurs sur le toit. On voit du plâtre tomber à certains endroits sur le mur de la maison. Tout cela est tiré de la vie et nous montre la vie des andalous ordinaires.
L'œuvre « L'escalier de Jacob » est plus décorative. Ici, Murillo a magnifiquement transmis la fabuleuse et la richesse du rêve. L'histoire biblique raconte comment Jacob, craignant la vengeance de son frère, voyagé dans le pays d'Harran, mais en chemin s'endormit et vit dans un rêve un escalier vers le ciel, le long duquel les anges sont descendus, portant la nouvelle que Dieu avait décidé tout le pays sur la terre duquel il dort, donne lui. L'action se déroule la nuit au clair de lune, jetant ses faibles rayons sur la rivière, cascade, troncs tordus et branches d'arbres. La figure de Jacob en vêtements pâles est à peine perceptible. Et ici, le peintre est surtout attiré par le paysage et la création sur la toile de la réalité magique du clair de lune qui apparaît à travers les nuages sombres. Les anges délicats et fragiles sont vêtus de jaune pâle, robes roses et bleues. Sur fond de paysage nocturne mystérieux, avec une gamme complexe de tons sombres et éclaircissants, leurs ailes et leurs vêtements scintillent de taches lumineuses. Le ciel gris foncé est peint avec de grands traits caractéristiques. Les feuilles des branches des grands arbres centenaires sont légèrement teintées de rose à certains endroits, à certains endroits par des coups de curling rouges, ce qui crée une fausse impression de fleurs.
A l'apogée de sa maîtrise picturale, dans les années 1660-1670, Murillo a cherché à poétiser les images de ses personnages, pour lequel il a été à plusieurs reprises accusé d'une certaine douceur et d'une beauté délibérée des héros de ses peintures. Cependant, ces reproches ne sont pas tout à fait justes. En réalité, les enfants que l'on voit sur les toiles « Jean-Baptiste avec l'Agneau » (Saint-Pétersbourg, l'Hermitage), « Le Bon Pasteur » (Madrid, Prado), et d'autres sont typiques de l'Andalousie, ils peuvent encore être vus à Séville et dans les villages environnants. L'orientation démocratique de l'œuvre de l'artiste s'exprime dans le fait qu'il assimile la beauté de la Vierge à la beauté des femmes simples d'Andalousie, et la beauté de son fils, petit Jésus, avec la beauté des chiffons de la rue.
Par exemple, sur le tableau « L'Aumône de Foma Villanueva » (Séville, Musée des Beaux-Arts) nous voyons un jeune habitant de Séville, serrer le bébé d'une main sur la poitrine, et l'autre tenant par la main le bébé plus âgé à moitié nu. La femme et ses enfants ne sont pas différents de la Vierge et de l'enfant Jésus des peintures religieuses de l'artiste.
Dans le tableau "Jean-Baptiste avec l'Agneau", le petit John est un beau garçon aux grands yeux avec de grosses mèches, presser un agneau moelleux contre sa poitrine. Les jambes et les bras doux et ciselés de l'enfant et sa silhouette légèrement galbée lui donnent de la grâce. Le garçon est placé au centre de la composition, où le paysage joue un grand rôle, nous rappelant le tableau « L'échelle de Jacob ». Murillo a beaucoup de ces images d'enfants.
Le tableau "Joseph, Conduire l'enfant du Christ" (Saint-Pétersbourg, Ermitage), peint en 1670, est interprété comme une scène de genre. Un jeune Joseph à la barbe noire conduit un garçon aux cheveux bouclés vêtu d'une longue chemise violette, parler avec lui sur la route. Le paysage urbain que nous voyons derrière eux - Séville, ses bâtiments et ses rues sont plus d'une fois reconnus dans les œuvres du maître. Murillo faisait souvent référence à ce complot, qui n'était pas inclus dans les évangiles canoniques. Sur la toile "Joseph avec l'Enfant Christ" (Moscou, Musée Pouchkine), nous voyons comment Joseph étreignant le Christ l'amuse avec une branche fleurie. Murillo peignait toujours volontiers des scènes avec Joseph.
Vrai, l'artiste avait aussi d'autres images d'enfants - pas belles et heureuses, mais hagard, pâle, malade et malheureux. De tels enfants peuvent être vus dans des toiles sur le thème de l'aumône. Mais Murillo a essayé d'éviter des scènes inutilement tragiques; ils n'ont pas trop bien fonctionné pour lui. Dans l'œuvre "La Crucifixion" (Saint-Pétersbourg, Ermitage), le corps de Jésus se détache sur un fond gris foncé de nuages, le Fils de Dieu est calme et beau. Marie, Jean et Marie Madeleine, debout au pied de la croix, sont jeunes et beaux.
La toile grand format « La mort de l'inquisiteur Pedro Arbues », appartenant également à la collection Hermitage, a été commandé par le tribunal de l'Inquisition de Séville. Pedro Arbués de Epila, qui a vécu à la fin du XVe siècle, était l'inquisiteur d'Aragon sous les rois catholiques Ferdinand et Isabelle, qui a fondé l'Inquisition en Espagne. L'Aragon jouissait alors d'un certain nombre de privilèges et de quelques libertés. Les sévères statuts de l'Inquisition, notamment la confiscation de tous les biens des condamnés, causé des troubles parmi les nobles aragonais, qui a finalement décidé de tuer Arbues dans l'espoir que le roi aurait peur et ne lui enverrait pas de remplaçant.
Le noble espagnol Juan de la Abadia a dirigé le meurtre, tandis que les jeunes Vidal de Uranso et Juan de Esperaindeo, qui voulait venger les proches exécutés par l'Inquisition, sont devenus des interprètes. Le meurtre a eu lieu le 15 septembre 1485, en plein dans la cathédrale de Saragosse. Une fin de soirée, quand Arbuez se tenait agenouillé devant l'autel, de Esperaindeo l'a poignardé au bras avec une épée, et de Uranso, averti que l'inquisiteur redoutable et détesté porte une cotte de mailles sous ses vêtements et protège sa tête avec une armure, enfoncé un poignard dans son cou.
Tous les participants au complot ont été torturés. Arbuesu a été érigé un grand tombeau, et ensuite, élevé au rang de saint. Murillo connaissait toutes les circonstances du meurtre et les a reproduites fidèlement sur la photo, mais malgré les figures magnifiquement peintes, la belle transition de clair-obscur en demi-teinte dans la cathédrale sombre, les visages des participants sont trop secs et inexpressifs, et les postures sont trop théâtrales.
Travailler pour l'hôpital Caridad
L'une des séries de peintures les plus célèbres de Murillo était un cycle de onze œuvres (1671-1674), réalisé pour l'hôpital Caridad, situé à Séville. L'hôpital appartenait à une fraternité fondée en 1578, créé pour l'enterrement des exécutés, inconnu et noyé. La Confrérie a fondé une grande chapelle dédiée à Saint-Georges, qui occupait une partie d'une grande pièce sur le territoire du chantier naval de Séville. Au même endroit en 1664 un petit hôpital fut installé, dont l'entrée était ornée d'une inscription se terminant par les mots :« … la maison des pauvres et l'escalier vers le ciel.
Vivant en même temps que Muirlo, don Miguel Manyara Vicentele de Leka, un chevalier de l'Ordre de Calatrava, reconstruit l'ancien et construit un nouveau grand hôpital dans lequel il soignait les malades, enterré les morts, nourris les affamés avec de la soupe gratuite et offre d'autres formes de miséricorde. Manyara lui-même était une figure très intéressante, cependant, caractéristique de son époque. Un râteau, un brûleur de vie, un participant à des orgies et des meurtres, il craignait autrefois les sermons du clergé, menaçant non seulement l'au-delà avec le jugement final, mais aussi le tribunal terrestre de l'Inquisition. Il existe une légende selon laquelle Manyara aurait rêvé de ses funérailles, après quoi il s'est repenti de ses péchés et a même légué de ne pas l'enterrer dans l'église de Caridad elle-même, mais sous un poêle à son entrée, afin que chacun foule sa tombe avec ses pieds. Manyara a suggéré à Murillo d'écrire pour l'hôpital onze peintures glorifiant la miséricorde. Toutes les intrigues ont été tirées de la Bible, le gospel, et plus tard des légendes de saints. Les œuvres les plus célèbres de cette série étaient « Moïse sculptant l'eau du rocher » (Séville, Caridad), « Le Christ guérit la paralysie » (Londres, Galerie nationale) et « St. Elisabeth, la reine de Hongrie, soigne les malades » (Madrid, Prado).
Le tableau « La libération de l'apôtre Pierre de la prison » (Saint-Pétersbourg, Ermitage), peint pour Caridad, se distingue par une interprétation inhabituelle de la solution de coupure. L'artiste s'est attaché à représenter de la manière la plus fiable possible une source de lumière dans une pièce sombre. Un éclat radieux émane de la tête d'un ange, éclairer le mur, le rendant presque invisible, comme imprégné d'un jeu de tons gris-argenté, entrecoupées de nuances rosées. A gauche des figures des soldats endormis, une autre source lumineuse est montrée - une minuscule bougie dorée qui illumine avec parcimonie la silhouette noire d'une hallebarde, la cape rouge d'un des soldats et un anneau de fer vissé dans le mur. Et ici Murillo est resté fidèle à lui-même :le prisonnier représenté est un beau vieillard au visage calme, ne pas exprimer d'émotions.
À la fois, pour l'hôpital, Caridad a écrit un autre artiste qui est également venu de Séville - Juan Valdes Leal, qui a exécuté l'ordre de Miguel Manyara. L'œuvre de Valdes Leal était diamétralement opposée à l'art de Murillo. Étant un peintre de talent, maîtriser parfaitement la couleur, Valdez Leal préférait peindre des tableaux sombres, empreint de tragédie, mysticisme et dynamique passionnée. Dans ses œuvres, nous voyons des chiffres dans un accès d'agitation, l'éblouissement agité de la lumière alternant avec des ombres courantes, la combinaison de couleurs, bien qu'élégant, mais trop pointu.
Un exemple est deux de ses peintures les plus célèbres, écrit pour Caridid - "Hieroglyphs of Death" et "The End of Earthly Glory". En premier, il a représenté un squelette avec une faux, marcher le long des foules, des livres et des armes dont on n'avait plus besoin, éteindre le feu d'une bougie qui couve avec des doigts osseux, dans le second, il montrait un tableau terrible de la décomposition des cadavres d'un chevalier et d'un évêque, avec une main mystérieuse tenant des écailles au-dessus d'eux. Typique de Valdes Leal et de l'œuvre "Portrait de Manyara". Manyara est assise à table, désignant le crucifix d'un geste légèrement théâtral de la main. Un garçon avec un livre, vêtus de vêtements monastiques sombres, s'installa sur un banc bas à gauche. L'enfant pâle mit un doigt sur ses lèvres, symbolisant, Donc, un vœu de silence éternel et d'humilité.
Mais les différences dans le travail des artistes n'étaient pas seulement déterminées par leur personnalité et leur caractère, mais aussi par la complexité de l'art conflictuel de la fin de « l'âge d'or » de la culture espagnole. Valdez Leal reflected in his work an aristocratic reaction to realism, which included mystical horror of the afterlife. Esteban Murillo also loved life in its most diverse manifestations. His work is connected with the best traditions of the national Spanish art of the heyday. He strove with all his might for the truthful transfer of the environment and was deeply sincere in this effort. An observant painter, he could not help but notice the contrasts of Seville - the wealth of the church and the nobility and poverty of the people. All this is reflected in his creations. À la fois, he was the son of his time, realizing that the conditions had changed, donc, the poetization of images and the decorativeness of the composition often replaced the depth of content and expressiveness characteristic of old masters.
The artist died from an accident. While painting the Capuchin monastery in Cadiz, Murillo fell from high forests. In serious condition, he was transported home to Seville, where he died from his injuries in April 1682.
