Claude Monet (1840-1926)
Le 14 novembre, 1840 à Paris, un fils nommé Oscar Claude Monet est né dans la famille du propriétaire de l'épicerie. À peine cinq ans plus tard, toute la famille du futur artiste s'installe en Normandie, au Havre. A partir de 14 ans, Monet a commencé à gagner de l'argent et de la gloire en dessinant des dessins animés.
Tableaux de Claude Monet
Ici, au Havre, un jeune homme a rencontré un peintre paysagiste et l'original Eugène Boudin, qui travaillait d'une manière très étrange pour l'époque - il créait ses peintures pas dans l'atelier, mais directement à l'air libre.
Monet a rapidement compris les avantages de la méthode Boudin – l'immédiateté et la vivacité du transfert de la nature sur la toile. Depuis, C'est, depuis environ 1856, l'artiste se met aussi à écrire en plein air. Même à ce moment là, Claude Monet a décidé lui-même qu'il consacrerait sa vie à la peinture, malgré le fait que son père avait sa propre opinion sur cette question.
Ayant décidé de sa mission, Monet s'installe à Paris, où, en 1859, il entra à l'Académie suisse. Il y rencontre le réaliste Gustave Courbet, le grand romantique Eugène Delacroix et l'impressionniste Camille Pissarro. Vrai, après seulement un an de formation, l'artiste a été envoyé en Algérie pour le service militaire, mais il est rentré au Havre en avance pour des raisons de santé, et de là, il est immédiatement retourné à Paris.
Expériences créatives et passion pour les effets de lumière
Fatale pour Monet fut l'entrée dans l'atelier du célèbre peintre Charles Gdeir, en 1862. C'est là qu'il rencontre ses futurs amis – Auguste Renoir, Alfred Sisley et Frédéric Bazil, avec qui il initiera le mouvement impressionniste. La recherche de nouvelles voies dans l'art est devenue le but et le principal divertissement de toute l'entreprise.
Trois ans plus tard, Monet a écrit le tableau "Petit déjeuner sur l'herbe", dont l'inspiration fut l'œuvre scandaleuse d'Edouard Manet sous le même nom. Cependant, Monet n'allait pas choquer le public avec l'image de vrais personnages nus, comme Manet l'a fait. Le jeune artiste cherchait juste son style. Déjà à cette heure, il a commencé à négliger la ligne et a modelé toutes les formes à l'aide de taches de couleur. Le peintre, toujours en Normandie accro à l'écriture dans la nature, s'intéressait le plus aux effets de la lumière naturelle. Le travail en lisière de forêt a permis au jeune artiste d'observer comment les rayons du soleil traversent le feuillage et tombent sur diverses surfaces, dont la couleur change immédiatement, grâce à ces reflets et reflets du feuillage.
Monet a utilisé son amant Camille Donsier comme modèle pour les personnages féminins au travail, et les personnages masculins de l'image ont été écrits de Frédéric Bazil. Cette entreprise, qui est mis pour le petit déjeuner dans le giron de la nature, ne s'occupe que de sa conversation et n'a aucun contact avec le spectateur. L'artiste apparaît ici, comme un observateur inaperçu, messieurs et dames ne posent pas pour lui. On ne peut qu'admirer les plis des robes de dames, ils nous tournent le dos. Le visage d'un jeune homme assis situé dans le coin inférieur droit de l'image est également détourné du spectateur. Monet suit ses propres lois, il ne structure pas clairement la composition, comme une mise en scène théâtrale. Briser la tradition selon laquelle l'image au premier plan d'un personnage tournant le dos au spectateur était tout simplement impossible, l'artiste crée sa propre esthétique décontractée, libre de préjugés. Malheureusement, l'image n'a pas été conservée dans son intégralité, mais ses esquisses ont suscité un grand intérêt chez de nombreux jeunes artistes. Au musée de Moscou du nom A.S. Pouchkine est l'une des options pour le travail, créé en 1886.
Un autre exemple de rupture avec la peinture classique est le tableau « Dames au jardin » (1866, Musée d'Orsay, Paris), dont la disposition, avec la coupe des robes des femmes, ne me permettrais pas d'être peint d'une manière académique. Et Monet n'avait pas peur de recadrer librement l'image, donnant une impression de fragmentation, semblable à l'effet d'une photographie.
Sur la toile on voit une scène de genre typique, dont le centre sémantique est décalé vers le bord gauche. Le départ de la tradition ici s'exprime dans le fait que les dames se reposant à l'ombre des arbres deviennent une partie intégrante du paysage fleuri, servant de décoration, comme de belles fleurs. Les figures féminines semblent se fondre dans le paysage, leurs robes s'adaptent au fond des ombres projetées par les troncs d'arbres.
Le peintre ne s'intéresse pas tant à transmettre l'individualité des jeunes femmes, leurs tenues ou activités, mais en véhiculant le jeu de la lumière et de l'harmonie dans la relation entre la nature et l'homme. Vous pouvez juger à quel point les dames elles-mêmes étaient insignifiantes pour l'artiste par le fait évident que les quatre jeunes filles ont été écrites à partir du même modèle - Camilla elle-même. L'artiste a tenté de voiler cela en nous montrant le visage d'une seule dame assise sur l'herbe. La figure de gauche est représentée de profil, la dame à côté d'elle se couvre le visage d'un bouquet, et la quatrième héroïne, qui tend la main vers les buissons fleuris, est complètement détourné du spectateur.
Dans la même année, l'une des peintures les plus célèbres de Claude Monet des années 1860 a été peinte - "Une femme en robe verte" (1866, Kunsthayle, Brême, Allemagne). Sur la toile, on retrouve Camilla Donsier. Le peintre travaille de manière réaliste, il utilise un fond sombre, sur lequel le visage d'une jeune fille, baigné de soleil, ressort avec éclat.
Le contraste saisissant des zones éclairées et ombragées ressemble au clair-obscur du Caravage. L'image lyrique et en même temps très intime, il n'est pas destiné à une visualisation générale :le maître déplie Camilla avec son dos presque à l'observateur, le modèle elle-même ne recherche pas de poses spectaculaires, ne nous laissant que l'occasion d'examiner le bas de sa robe et le manteau de fourrure jeté dessus. L'œuvre a été accueillie positivement par les critiques et les spectateurs, qui a fait la renommée du jeune Monet.
Un an plus tard, Monet a peint un tableau avec un thème très similaire. On a l'impression qu'une femme en robe blanche claire sur le tableau "La Dame au jardin" (1867, le Musée d'Etat de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg) n'est nécessaire à l'artiste que comme prétexte pour matérialiser l'animation de la nature afin de lui donner un état habitable. La dame a de nouveau presque tourné le dos au spectateur, et l'artiste ne s'intéresse qu'à la beauté du paysage de midi avec ses couleurs vives et ses longues ombres.
Le centre de la composition est un parterre rond avec des fleurs rouges, sur lequel se dresse un arbre. La femme représentée, qui, en théorie, est le centre sémantique de l'œuvre, est placé à côté du bord de l'image. La dame sert de point le plus à gauche à partir duquel la diagonale de composition de l'œuvre commence, en outre soutenu par un arbre dans le parterre de fleurs et un autre arbre représenté à droite. Le rythme de la composition est défini par les verticales de la figure féminine et des deux arbres, ainsi que les ombres étroites projetées par eux sur le vert de l'herbe.
En 1867, Camille Donsier, a donné naissance au fils de l'artiste Jean, et un peu plus tard devint sa femme. Dans la même année, le tableau « Jean Monet au berceau » (collection particulière) a été peint. Ici, contrairement à de nombreux tableaux de l'auteur, le centre de la composition est clairement marqué; c'est un berceau décoré avec un baldaquin suspendu au-dessus de la tête du lit. Nous voyons une mère près de la crèche – cela fait ressembler l'image à des scènes de genre populaires dans la peinture néerlandaise. Cependant, L'épaule droite et le dos de Camilla sont coupés par le bord de l'image, indiquant l'importance d'un autre personnage de l'œuvre – un fils recouvert d'une couverture.
Le genre de la nature morte n'était pas le genre préféré de Monet, mais, néanmoins, il s'adressait à lui de temps en temps. Le tableau "Nature morte aux fruits et raisins" (1867, collection privée) se distingue par une écriture plus douce que les paysages du maître. Un fond sombre terne est assez rare dans les toiles de Monet, mais dessus, mûr, même les fruits légèrement trop mûrs semblent particulièrement vifs et crédibles. Dans ce travail, l'artiste, comme toujours, s'intéresse surtout à la nature et aux effets de la lumière.
Mais les fleurs, l'artiste qui les aimait passionnément, préféré peindre dans la nature. L'image des fleurs coupées était une rare exception, dont un exemple est le tableau "Fleurs et Fruits" (1869, Musée Paul Getty, Los Angeles, Californie). Ici, le maître a d'abord utilisé un fond sombre, mais l'abandonna par la suite. Ayant construit une nature morte, Monet coupe facilement une bonne moitié d'un panier en osier, fruits sur la table et pétales de tournesol, qui viole aussi tous les canons de la peinture académique, dont la vocation a toujours été considérée comme l'image de l'objet sous son meilleur jour.
Au début de sa carrière, Claude Monet a beaucoup souffert de difficultés financières, ce qui l'a presque conduit au suicide. Dans les années 1860, la mauvaise situation financière de l'artiste l'oblige à se déplacer constamment d'un endroit à un autre. A partir de 1869, Monet s'installe dans la banlieue parisienne de Bougival. Auguste Renoir venait souvent le voir ici, ensemble, ils ont beaucoup travaillé dans la nature, capturer les mêmes vues et développer leur propre technique de peinture.
Des amis ont scruté le visage de la nature, remarqué même des changements mineurs dans l'éclairage et le mouvement de l'air qui les intéressaient le plus. Le désir de saisir les états instantanés d'une nature en constante évolution, vivre selon ses propres lois, réunissant de jeunes artistes. Ils ont observé attentivement comment les mêmes paysages se transformaient selon l'heure de la journée, les conditions atmosphériques et la nature de l'éclairage :les ombres s'allongent et s'épaississent, l'éblouissement du soleil joue sur les feuilles et l'eau, et des ondulations se forment sur la surface immobile de la rivière.
En 1869, les artistes ont peint leurs célèbres tableaux du même nom avec une vue sur le café sur la Seine près de Bougival et la piscine à proximité. Les peintures s'appelaient « La grenouille » (Metropolitan Museum of Art, New York). Dans sa version de l'ouvrage, Monet a élaboré une technique d'écriture individuelle, une nouvelle façon d'appliquer les traits, qui permet de transférer rapidement sur la toile les sensations de ce qu'il a vu, que les critiques considéraient comme extrêmement négligents. En effet, du point de vue du peintre de salon, la toile donne l'impression d'un inachevé, croquis parfaitement exécuté, dans lequel les objets sont seulement marqués, et assez grossièrement. Il n'y a pas d'idéalisation caractéristique de l'art académique. Mais Monet a complètement évité cela. L'artiste écrivait toujours ce qu'il voyait sur le moment, essayant de « rattraper » la réalité figée qui a été figée un instant, et pour une telle tâche, il avait besoin d'un équipement rapide.
Comme la plupart des impressionnistes, Monet a écrit en couleur pure, sans recourir au mélange des couleurs sur une palette. Il évite les nuances et les demi-tons adoptés dans la peinture traditionnelle. Au lieu, l'artiste a appliqué de manière dense des traits de certaines couleurs sur la toile, et en combinaison, ils ont donné des nuances différentes à la perception de l'œil humain. L'idée d'une telle peinture était basée sur les découvertes du physicien français Eugène Chevreul dans le domaine de l'optique. En particulier, il a été constaté que la couleur des objets n'est pas un certain fait objectif, mais dépend plutôt de la lumière dont les rayons sont réfléchis par eux. Cela a servi de justification au rejet complet par les impressionnistes du noir et de leur création de reflets et d'ombres «colorés» sur les surfaces claires de leurs toiles.
Le tableau "Terrasse à St. Andress" (1867, Musée d'art métropolitain, New York) se distingue par l'absence d'une construction prometteuse d'un espace commun pour l'art européen. À cause de ce, il semble que la mer surplombe une terrasse ensoleillée. L'idée d'essayer d'abandonner la perspective de Monet a été soumise par la peinture japonaise traditionnelle qui est devenue populaire en Europe. Au premier plan de l'image est une terrasse fleurie, sur laquelle mesdames et messieurs se cachant du chaud soleil d'été sous un auvent ou des parasols se promenant ou simplement se relaxant, assis sur des chaises en osier.
Des fleurs lumineuses apparaîtront à plusieurs reprises sur les toiles de Monet, devenir, à la fin, un motif indépendant dans son travail ultérieur. Au fond, la mer, nombreux voiliers sur lesquels soulignent l'horizon. Le voilier photographié près de la terrasse sert de guide important pour les yeux. Sans ça, les premier et deuxième plans de l'image sembleraient trop fragmentés, ce qui conduirait à la désintégration de la composition en deux parties indépendantes et sans rapport. Piliers verticaux clairs, argumenter avec la construction horizontale de la composition, l'air un peu étranger. Mais ce n'est qu'une impression superficielle, En réalité, ce sont eux qui "collectent" tout le travail, focalisant l'attention du spectateur sur sa partie centrale.
Avec le début de la guerre franco-prussienne en 1870, Monet est allé à Londres, où il épousa Camille la même année. À Londres, l'artiste continue de rencontrer des amis et des personnes partageant les mêmes idées et écrit des vues urbaines avec Camille Pissarro.
Personnalité stylistique
Deux ans plus tard, l'artiste crée sa célèbre œuvre « Impression. Lever du soleil »(1872, Musée Marmottan-Monet, Paris). Dedans, le peintre n'a pas cherché à reproduire la réalité, n'a pas essayé d'imiter la nature, mais seulement transmis son impression personnelle de sa beauté.
Les chiffres des personnes dans l'image à nouveau à peine esquissés, ce qui était inhabituel pour le spectateur, habitué au style académique de l'écriture. Mais la relation coloristique de l'eau radieuse pure et du lever du soleil, qui se manifeste par des reflets brillants à la surface de la mer, est magnifiquement transmis.
L'artiste a présenté cette oeuvre à la première exposition impressionniste, tenue en 1874. Ensuite, Monet et ses camarades s'appelaient encore « Société anonyme des artistes, Peintres et graveurs." Le tableau a reçu des critiques très négatives de la part des critiques et des spectateurs, et son nom (« Impression ») a donné lieu à une définition ironique à l'époque de la nouvelle direction de la peinture – l'impressionnisme. L'exposition n'est devenue célèbre que pour son échec assourdissant.
Nous reviendrons en 1872, lorsque Monet et sa famille ont déménagé dans la ville d'Argenteuil, près de Paris. Des amis sont venus le voir ici encore – Sisley, Edouard Manet et Renoir. Les tableaux de l'artiste n'étaient toujours pas à vendre, mais l'héritage hérité de son père a pu augmenter légèrement le bien-être matériel de sa famille. Ici, à Argenteuil, Monet s'est créé un « atelier flottant ». Il a voyagé en bateau sur la Seine, capturant librement les vues qu'il aimait et continuant à étudier les effets de l'éclairage à travers les reflets de la lumière du soleil sur l'eau.
En 1873, Monet crée le tableau "Champ de coquelicots à Argenteuil" (Musée d'Orsay, Paris), représentant Camille et le petit Jean Monet se noyant dans l'herbe des champs. La construction en diagonale de la composition crée une impression de mouvement. Au premier plan et à l'arrière-plan se trouvent deux paires composées d'une mère et d'un enfant, qui sont situés sur la diagonale, soutenu par un chemin à peine perceptible, souligné seulement par une bande de coquelicots. Les deux paires sont écrites à partir des mêmes modèles. Le travail démontre parfaitement la composition habile de la composition utilisant la couleur.
Dans la même année, le tableau « Boulevard Kaputsin » (1873, Musée national des beaux-arts Pouchkine, Moscou) a également été peint, dans lequel l'influence de l'art de la photographie se fait clairement sentir. L'image, transmettre un instant de vie rempli de passants et d'équipages du boulevard de la ville, ressemble à un instantané. Les gens n'y jouent qu'un rôle secondaire, et la principale est attribuée à l'atmosphère de l'artiste contemporain de la ville.
L'influence évidente de la photographie est perceptible dans la construction compositionnelle du tableau « Rue Saint-Denis à la fête nationale » (1878, Musée d'art, Rouen). Le rythme de la composition est défini par les traits bleu-blanc-rouge de nombreuses bannières nationales, exposé, comme des baïonnettes, des balcons et des ouvertures des fenêtres des maisons. L'oeuvre, comme un plan de reportage, capturé la vie de la ville pendant les vacances.
De plus, le peintre n'est pas du tout intéressé à célébrer les gens. Contrairement à Delacroix et à son ouvrage Liberté sur les barricades, Monet n'a pas représenté le groupe dans un cadre spectaculaire. L'artiste avait besoin de la ville elle-même, son visage et son atmosphère régnant en vacances. Les rues ne sont habitées que par des membres du personnel – des silhouettes sombres esquissées supprimées par des murs de pierre.
Mais les modèles les plus aimés de l'artiste sont restés sa femme adorée et son petit-fils. Pinceaux Monet possède une magnifique œuvre « Camille Monet avec son fils Jean » (nom alternatif « Dame au parapluie », 1875, Galerie nationale d'art, Washington). Malgré les poses statiques des héros, l'image est pleine de mouvement :les nuages balayent le ciel, et une robe légère et un voile sur un chapeau de jeune femme se développent au gré du vent.
Un exemple frappant de l'influence de l'art oriental sur le travail de l'artiste est son tableau de renommée mondiale « Japanese Girl » (1876, Musée des beaux-arts, Boston). Dessus, Camille, vêtu d'un kimono rouge vif, se dresse contre un mur gris décoré d'éventails en papier japonais. Le travail est extrêmement décoratif, la tenue traditionnelle japonaise cache complètement la forme du corps d'une femme, et la composition est complètement dépourvue de profondeur et se rapproche d'un dessin plat. Comme toujours, Monet évite les contours nets des objets :la figure de sa femme, un japonais, représenté sur le tissu d'un kimono et un éventail sur le mur derrière le dos de la femme, sont écrits plus en couleur qu'en ligne, ce qui crée une impression supplémentaire de planéité de l'ouvrage. Un point intéressant dans la solution compositionnelle est que les figures des Japonais sur le kimono et l'héroïne du tableau sont déployées dans des directions exactement opposées, s'équilibrant les uns les autres.
Le lieu le plus important pour l'artiste contemporain de Paris était la gare Saint-Lazare. Le maître lui a dédié plusieurs tableaux, écrit en 1877. La station a créé le destin des gens, reliant la capitale de la France avec d'autres villes et même pays. La vie battait toujours son plein ici :les passagers arrivaient et repartaient, les locomotives bourdonnaient, les trains prenaient de la vitesse et s'éloignaient au loin.
C'est cette atmosphère excitante de la nouvelle vie industrielle que l'artiste a cherché à montrer dans ses toiles. « Gare Saint-Lazare. Arrivée du train » (1877, Musée d'art Fogg, Harvard) reflète parfaitement le quotidien de la station. L'œuvre utilise une peinture presque monochrome, l'angle inhabituel choisi, exprime parfaitement les caractéristiques de la solution de la voûte architecturale de la gare.
Bientôt, deux des événements les plus importants pour l'artiste ont eu lieu dans sa famille :en 1878, sa femme bien-aimée a donné naissance à son deuxième fils, Michel, après quoi Camilla elle-même est tombée gravement malade. Monet connaît à nouveau de sérieuses difficultés financières. Ni le public ni les critiques n'ont encore "mûri" à la perception correcte de son style dans l'art. Le peintre est contraint de quitter Argenteuil et de s'installer à Vetej, où son voisin était l'homme d'affaires Ernest Goshede et sa femme Alice, qui devait plus tard devenir la seconde épouse du peintre.
L'artiste a fait part de ses impressions sur le déménagement dans le tableau "La route de Vethey en hiver" (1879, le Musée des Beaux-Arts, Göteborg), où il dépeint un paysage hivernal typique en France :un chemin de terre recouvert de neige, collines au sol brun-brun se manifestant à travers la neige meuble et l'herbe verte gelée, une église, maisons à deux étages construites dans les pentes douces des collines des deux côtés de la route. Seules les figures des deux voyageurs animent un peu le paysage.
Le tableau "Sur les bords de Seine près de Vetheya" (1880, Galerie nationale, Washington), peint à l'été de l'année prochaine, est à la fois simple et lyrique. Tout le premier plan de la photo est occupé par des graminées des prés en fleurs, derrière laquelle vous pouvez voir la surface miroir de la rivière. L'artiste a magistralement transmis le ciel reflété dans la rivière avec des nuages flottant dessus et les arbres debout sur la rive opposée. Les buissons côtiers et les arbres qui poussent séparément à l'arrière-plan de l'image sont comme enveloppés d'une brume bleu-grisâtre provenant de nuages gris les ombrageant.
Le paysage exceptionnellement lumineux et ensoleillé sur la toile "Blossoming Apple Trees" (1879, Musée des beaux-arts, Budapest) impressionne par la transmission lumineuse de l'atelier - le paysage représenté semble se baigner dans le soleil qui inonde tout l'espace environnant.
La composition de l'image est encore une fois très simple, au premier plan, des arbres en fleurs du verger de pommiers et de l'herbe sous eux, dans la seconde on voit des maisons aux toits rouges à demi cachées derrière les branches des arbres, et le fond est occupé par une colline montante. Quelques pommiers, poussé près du bord inférieur de l'ouvrage, servent de scènes latérales droites et la seule verticale sur la composition horizontale, comme si « collecter » tout le travail.
Dans le même 1879, à l'âge de trente-deux ans seulement, L'épouse bien-aimée de Monet est décédée d'une grave maladie. Un artiste en deuil, elle peint son portrait de Camille sur son lit de mort, dans lequel il dépeint sa femme à sa manière, soulignant avec la couleur comment son visage perd ses couleurs vitales.
Succès tant attendu
Paradoxalement, c'est en cette année de deuil dans sa vie personnelle que la réussite professionnelle vient à l'artiste. Commentaires positifs et commentaires parus dans la presse parisienne à propos de l'exposition de ses œuvres, qui a immédiatement commencé à être vendu. Cela a amélioré la situation financière du peintre.
En 1883, il louera une petite maison très cosy à Giverny près de Paris, à côté duquel est aménagé un magnifique jardin, vérifié comme une peinture, en tenant compte de la couleur individuelle et de la période de floraison de chaque plante. Plus tard, Monet rachète un territoire supplémentaire près de la maison pour y créer un autre magnifique jardin, dans lequel il y avait un étang avec des nénuphars et un pont japonais avec des chemins sinueux y menant. Ce lieu fera l'objet de ses peintures jusqu'à sa mort, ainsi que l'idée de créer de nombreuses séries d'œuvres distinctes dans lesquelles l'artiste a incarné ses nombreuses années d'étude des possibilités visuelles de la couleur dans la transmission de divers éclairages. Dans ces cycles de travail, le peintre a clairement représenté comment le même motif change selon la façon dont il est éclairé. Besoin de dire, toutes les séries ont connu un énorme succès auprès du public.
Une vue rurale sans prétention dans le tableau « Botte de foin à Giverny » (1886, le Musée d'Etat de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg) est devenu l'un des motifs préférés de l'artiste. Le paysage, dont le centre de composition était une botte de foin au premier plan, est complété par des maisons et des arbres visibles dans les champs lointains.
En 1888, Monet créera une série de 25 œuvres dédiées à cette espèce. De plus, le paysage environnant sur les toiles deviendra de plus en plus arbitraire, la division en plans de composition disparaîtra pratiquement, et la botte de foin acquerra un rôle indépendant, comme s'il concentrait en lui-même un tel centre conceptuel de l'être. Le rôle principal dans toutes les peintures est donné à la couleur, qui cherche à transmettre tout le spectre de la lumière variable. Au cours de la journée, l'artiste a travaillé sur plusieurs toiles qui traduisent des conditions d'éclairage différentes :matin, après-midi et soir – c'était l'originalité de la méthode du peintre, qui a jeté les bases d'une autre série - "Peupliers". Symétrie miroir, sur le principe duquel la composition de l'ouvrage « Les peupliers à Ept » (1891, la National Gallery of Scotland, Édimbourg) est construit présente deux réalités au spectateur :un vrai bosquet de peupliers sur les rives de la rivière et son reflet dans la surface miroir de l'eau, seulement légèrement ondulé par des ondulations. La rivière incorpore complètement toutes les couleurs dont les arbres sont pleins, le ciel avec des nuages rosâtres flottant dessus. L'appréhension de la surface de l'eau est soulignée par la nature des traits du peintre.
Le plus grand cycle consacré à la cathédrale de Rouen a été lancé par Claude Monet en 1892. Pendant deux ans, l'artiste a réalisé 50 tableaux, qui dépeint systématiquement la façade gothique de la cathédrale à différents moments de la journée :du petit matin à la fin de soirée. La lumière du soleil crée de superbes métamorphoses non seulement avec la couleur de la cathédrale, mais aussi avec son essence de pierre. Le mur qui a résisté pendant plusieurs siècles, grâce à la lumière qui l'inonde et à l'architecture gothique des ajourés, semble presque en apesanteur et miraculeux. Les rayons du soleil semblent dissoudre le pouvoir de pierre de la cathédrale, y pénétrer avec des intensités différentes.
Grâce à la maîtrise du pinceau de Monet, la cathédrale semble cesser d'être une substance matérielle et devient aérienne et éphémère. C'est comme si elle cessait d'être une création terrestre et se confondait avec le ciel. Était-ce l'effet des architectes du lointain Moyen Âge, élever la dentelle de pierre des murs de l'église au ciel ? Peut-être que Monet a pénétré au cœur même de l'idée conceptuelle de l'art gothique. Le cycle "Cathédrale de Rouen" a été exposé par l'artiste en 1895 et a connu un grand succès.
Simultanément au démarrage des travaux sur le cycle, Claude Monet épousera Alice Goshed. Le peintre commence à beaucoup voyager, il travaille en Italie, les cathédrales gothiques qu'il trouve incroyablement impressionnistes, La Normandie, Suisse et Hollande.
En Normandie, le maître a donné naissance à de magnifiques marines, comme le tableau Mannport (1883, Musée d'art métropolitain, New York), comme pour glorifier la grandeur de l'élément eau. Aussi, l'artiste a souvent travaillé sur l'image de rochers pittoresques près de la ville d'Aigrette, qui étaient l'attraction principale de cette région, en raison de sa forme unique créée par le caprice des vagues.
Mannport est peut-être l'arche rocheuse la plus célèbre. Pour transmettre l'échelle de la formation rocheuse, le peintre dessine rapidement en quelques traits un couple de personnages sous les arcades d'un arc de pierre, dont la majeure partie, dépassant puissamment du bord gauche de l'image, est littéralement prêt à les écraser. La composition de l'œuvre contribue à créer une telle impression :l'effet de l'infinité de la surface de la pierre est souligné par l'artiste en ce que la roche entière ne rentre pas dans le cadre du tableau.
Une émeute de couleurs et d'inutilité
La capacité expressive de la couleur, tout au long de la carrière de l'artiste, était le moyen principal de son langage artistique. Claude Monet est resté fidèle à lui-même jusqu'au bout, ne jamais s'écarter du chemin choisi et seulement améliorer et affiner l'expressivité des techniques de son style individuel. La seule différence dans la période tardive de son travail était la soif d'inutilité, brouiller le concept d'une intrigue et d'une forme spécifiques. L'artiste ne considérait pas du tout l'une de ses meilleures créations comme une peinture, mais le jardin qu'il a créé à la maison de Giverny, où il a ramassé et planté de nombreux types et variétés de fleurs pour que le jardin fleurisse constamment, ravir l'œil du peintre avec une variété de nuances. Le magnifique jardin, En réalité, aussi une oeuvre d'art, est devenu un objet de prédilection de la peinture du maître, retrouver ses innombrables reflets sur la toile.
La toile "Jardin des Iris à Giverny" (1899, Yale University Art Gallery) nous montre à nouveau une composition très simple. Une toile de format carré dépeint un chemin qui s'enfonce dans les profondeurs du jardin, à moitié caché par des buissons d'iris envahis par la végétation, et au-dessus, vous pouvez voir des troncs d'arbres de jardin qui créent une perspective à long terme.
L'artiste pose sur la toile comme s'il exultait, pur, couleurs vives, transmettre au spectateur son sentiment de bonheur et de plénitude de vie, né du contact avec la nature. Les belles et délicates fleurs d'iris au premier plan semblent nous regarder dans les yeux. La main habile du maître semble leur insuffler de l'âme, et la beauté de la nature environnante devient le plus grand miracle, la personnification de la couronne des créations divines. C'est cette attitude envers la nature, qui est un objet suffisant de peinture dans les oeuvres de Claude Monet, distingue l'artiste des adeptes du style académique, où seul l'homme a toujours été la « couronne de la création ».
L'une des séries les plus célèbres de Monet "Nénuphars" a été lancée en 1899. Dans les travaux du cycle, le peintre représente des nénuphars (nenufaras) flottant dans l'étang de son jardin à Giverny. L'artiste lui-même a fait pousser ces fleurs délicates dans son étang et les a longtemps admirées, profiter de l'éclat du soleil sur les pétales fragiles et du reflet des nuages dans l'eau. Cela semble incroyable, mais les nénuphars possédaient le cœur d'un artiste talentueux jusqu'à sa mort, une vingtaine d'années. La sérialité de l'œuvre repose sur la variation de ce motif sous diverses conditions d'éclairage.
Créé en 1903, l'ouvrage « Nymphéas. Clouds » (collection privée) donne lieu à une impression étonnamment joyeuse. La toile est saturée de soleil, malgré le fait que le ciel n'est présent que dans son reflet dans l'eau. On dirait que les nénuphars et les nuages flottent lentement sur la même surface, comme poussé par un léger souffle d'air.
La forme carrée de la toile dans l'œuvre « Un étang aux nénuphars » (1908, collection privée, Saint-Gall, Suisse) agrandit visuellement l'image dans l'espace, donnant une impression d'infini. Monet a utilisé l'effet de la photographie, comme s'il sculptait un fragment séparé de la surface de l'eau d'un étang et l'écrivait en gros plan. Seule l'étendue d'eau avec des feuilles, fleurs de nénuphars et nuages réfléchis, pittoresquement dispersé à sa surface, tombé dans le cadre.
Ici, le maître s'écarte à nouveau de la construction perspective du tableau, à cause de laquelle les nénuphars situés dans le coin supérieur droit de la composition sont plus proches du spectateur que les plantes au premier plan de la peinture. Grâce à cette technique, la peinture perd de sa profondeur et, comme c'était, se déroule dans un avion, devenir plus décoratif.
Depuis les années 1870, Claude Monet s'est rendu à plusieurs reprises en Angleterre, il aimait Londres pour son atmosphère brumeuse unique. Et à partir de 1900 environ, le peintre a commencé à venir ici plus souvent. Il crée ici une série d'œuvres dédiées au parlement.
Le tableau "Le Parlement à Londres" (1904, Musée d'Orsay, Paris) dépeint un objet architectural comme enveloppé d'un épais brouillard. Seulement à certains endroits, le soleil jaune-rouge perce la petite pensée, mettant en évidence des fragments des contours majestueux de l'architecture néo-gothique et maculant la large Tamise d'un éclat pourpre rougeâtre. Le style de peinture est très arbitraire, l'artiste ne représente pas des éléments spécifiques, mais une image momentanée de la ville elle-même, tel qu'il vient de le voir.
L'impressionnisme de Monet n'est pas destiné à véhiculer une réalité objective; il ne reconnaît pas la constance des qualités des objets. Toute leur apparence, la couleur et la forme ne dépendent que de la lumière, qui perce à peine, puis inonde tout le quartier, ou même sort, se transformer en crépuscule. Au printemps 1908, Claude Monet et sa famille se sont rendus à Venise. L'atmosphère délicieuse de cette ville, ses étendues d'eau, étonnamment battu avec succès par les architectes vénitiens, the reflexes of light on the water and the monuments reflected in it, captivated the painter. Thus was born a series of Venetian landscapes, written directly during the trip.
The work “Palazzo da Mula in Venice” (1908, Galerie nationale, Washington), written there, can hardly be called a guided or architectural landscape. Rather, it is, figuratively speaking, a "portrait" of a medieval Venetian building, "looking" in the mirror of the canal in front of it. De plus, this “portrait” was painted in close-up, the sides of the palace are cut off by the frame of the picture, only the middle part of the building without a roof fell on the canvas.
Such an unusual composition is explained very simply, Monet was not going to copy an architectural monument at all, he was as unimportant for him as the figures of people on most of his canvases. The artist was captivated by the surprisingly harmonious unity of architecture and landscape, designed by a brilliant architect who conceived the palace, as if emerging from the water. A horizontal composition with a clear division into the front (space of water) and rear (walls of the palazzo, dotted with numerous arches of door and window openings) plans are balanced by a pair of thin silhouettes of gondolas.
Venice impressed the artist with the unity of life of the buildings and canals on the banks of which they were erected. Impressionistic harmony, formed by stone walls reflected in the water, which the same water that absorbs sunlight, paints with numerous reflections of heavenly shades, won the heart of the painter. It was this state that he tried to convey on his Venetian canvases.
Loneliness and loss
The second decade of the new century was marked for the artist by a series of losses. In 1911, Alice’s second wife died, three years later, in 1914, his eldest son, Jean, dies. Monet was faithfully looked after only by Alice’s daughter from her first marriage, who was Jean’s wife.
Together with a series of deaths of relatives, the painter suffered another misfortune – double cataract. Evil rock took away from the artist the main thing that he devoted his whole life to being able to see and study the lighting effects, glare and reflexes of the sun’s rays, seen in nature. Cependant, Monet did not stop, he continued to create his work. Four years later, after his diagnosis, the artist conceived a new series of impressive panels measuring 2x4 meters with images of his garden.
The panel “Water Lilies” (“Nenufaras”, 1920-1926, the Museum of the Greenhouse, Paris) gives the impression of the flatness of an endless space, as if extending far beyond the frames of the picture. Juicy, large strokes of the master only outline the shape of the leaves and flowers, the whole picture is executed using the technique of color spots.
A little earlier, in 1917, Claude Monet wrote his "Self-Portrait" (Museum of the Greenhouse, Paris). The picture is a person’s self-esteem reproduced through reflection in the mirror of one’s own consciousness. Tired eyes of the master do not look at the viewer, although he turned to face him. The artist is not looking for "dialogue." At first glance, the work seems unfinished:only the artist’s head is depicted, and the shoulder line is outlined schematically. Cependant, the thick shadow that borders the portrait saturates the image with drama and leaves no doubt about its completeness.
At the end of his career, Monet began to mix subject and non-objective art. In his 1918 work, The Japanese Bridge (Institute of Arts, Minneapolis), one can only read the outline of the artist’s favorite bridge, twisted with wisteria and thrown over a pond with water lilies, a low bush in the foreground and a tree at the right edge of the canvas. Everything else is just an extravagant riot of colors, beauty and fullness of life.
The painting “Garden with a Pond in Giverny” (circa 1920, the Museum of Fine Arts, Grenoble) presents us with a mysterious corner of the artist’s garden, hidden in dense thickets. L'oeuvre, bien sûr, is substantive:a clearly constructed composition is visible here, the outlines of the branches are clearly distinguishable. It seems that in the work the color plays an independent, it is emphasized decorative in the refraction of the dying view of the painter. Thanks to unrealistic conditional color rendering, the picture makes a dramatic impression. Color is unusually expressive. This is no longer impressionism in its purest form, the writing technique and artistic conception are more likely a reflection of the inner world of an aging person.
The great artist, one of the founders of Impressionism, who conquered the world, Claude Monet died in December 1926 in his house in Giverny. Cezanne at one time exclaimed:"Monet is just an eye, mais, my God, what a thing!" The painting of the French artist is an endless enthusiastic admiration for nature, the beauty and perfection of which he was able to convey in a special, unique, subtle and sensual style.
Zhuravleva Tatyana
