Léonard de Vinci (1452-1519)
La personnalité et l'œuvre de Léonard de Vinci ont toujours suscité un grand intérêt. Leonardo était une figure trop extraordinaire pour son temps. Des livres et des articles sont imprimés, des longs métrages et des documentaires sortent. Les historiens de l'art se tournent vers les scientifiques et les mystiques, pour tenter de trouver la solution au mystère du génie du grand maître. Il y a même une direction séparée dans la science, à la découverte de l'héritage du peintre. Des musées s'ouvrent en l'honneur de Léonard de Vinci, des expositions thématiques sont organisées en permanence à travers le monde, battre tous les records de fréquentation, et Mona Lisa regarde des foules de touristes pendant des jours du verre blindé. Des faits historiques réels et des légendes, les réalisations scientifiques et la fiction sont étroitement liées autour du nom d'un génie.
Peintures et dessins de Léonard de Vinci
Le destin du grand maître
Le futur grand artiste et scientifique est né le 14 avril 1452 d'une affaire extraconjugale d'un riche notaire, Monsieur Pierrot, avec soit une paysanne, soit la maîtresse d'une taverne de la ville de Vinci. Le garçon s'appelait Leonardo. Katerina, c'était le nom de la mère de l'artiste, a élevé son fils pendant les cinq premières années de sa vie, après quoi le père emmena le garçon chez lui.
Bien que Pierrot soit officiellement marié, il n'avait pas d'autres enfants que Léonard. Par conséquent, l'apparition de l'enfant dans la maison fut chaleureusement et cordialement accueillie. La seule chose dont l'artiste est resté privé, étant pleinement soutenu par son père, est le droit de succession. Les premières années de Léonard se passent sereinement, entouré par la nature pittoresque des montagnes de la Toscane. Il portera toute sa vie son admiration et son amour pour sa terre natale, perpétuant sa beauté dans ses paysages.
La paix et la tranquillité de la vie provinciale ont pris fin avec le déménagement de la famille à Florence. La vie a commencé à jouer, ils se mirent à s'agiter de toutes les couleurs d'une vraie métropole de l'époque. La ville était dirigée par des représentants du clan Médicis, connus pour leur générosité de philanthropes qui ont créé des conditions idéales pour le développement des arts sur leur patrimoine.
Pendant leur règne, Florence est devenue le berceau de la révolution culturelle et scientifique connue sous le nom de Renaissance. Une fois ici, le jeune Léonard était au centre même des événements lorsque la ville approchait de l'apogée de son apogée et de sa gloire, le sommet de la grandeur, dont le jeune artiste est devenu partie intégrante.
Mais la grandeur était devant, mais pour l'instant, le futur génie avait juste besoin d'une éducation. Étant un fils illégitime, il ne pouvait pas continuer l'œuvre de son père, en plus de devenir, par exemple, un avocat ou un médecin. Lequel, en général, n'a pas nui au sort de Leonardo.
Dès son plus jeune âge, le jeune homme a démontré des capacités artistiques exceptionnelles. Pierrot n'a pas pu l'ignorer lorsqu'il a pris une décision concernant le sort de son fils unique. Bientôt, son père a envoyé Leonardo, dix-huit ans, étudier dans un atelier de peinture très réussi et avancé. L'instructeur de l'artiste était le célèbre peintre Andrea del Verocchio.
Sculpteur et artiste talentueux et ouvert d'esprit, Verocchio n'a pas prêché des vues esthétiques médiévales, mais j'ai essayé de me tenir au courant. Il s'intéressait vivement aux échantillons d'art ancien, qu'il considérait comme inégalée, dans son travail, il a cherché à faire revivre les traditions de Rome et de la Grèce. Néanmoins, reconnaître et respecter les progrès, Verocchio a largement utilisé les réalisations techniques et scientifiques de son temps, grâce à quoi la peinture se rapprochait du réalisme.
Appartement, les images sommaires du Moyen Âge s'éloignaient, cédant la place au désir d'imiter pleinement la nature en tout. Et pour cela il fallait maîtriser les techniques de la perspective linéaire et aérienne, comprendre les lois de l'ombre et de la lumière, ce qui signifiait la nécessité de maîtriser les mathématiques, géométrie, dessin, chimie, physique et optique. Léonard a étudié avec Verocchio les bases de toutes les sciences exactes, tout en maîtrisant les techniques du dessin, modelage et sculpture, acquis des compétences dans le travail du plâtre, cuir et métal. Son talent s'est révélé si rapidement et clairement que bientôt le jeune talent s'est éloigné de son professeur dans l'habileté et la qualité de la peinture.
Déjà à vingt ans, en 1472, Leonardo est devenu membre de l'honorable guilde des artistes florentins. Et même l'absence de son propre atelier, qu'il acquiert quelques années plus tard, ne l'a pas empêché d'entamer son propre chemin de maître indépendant. Malgré des capacités d'ingénierie évidentes et un talent remarquable pour les sciences exactes, la société ne voyait dans l'artiste qu'un artisan qui n'avait pas encore un grand prestige. Les idéaux de liberté et de créativité étaient encore loin.
Le sort de l'artiste du XVe siècle dépendait entièrement de mécènes influents. Ainsi tout au long de sa vie, Léonard dut chercher une place de service parmi les puissants, et l'accomplissement des ordres séculiers et ecclésiastiques individuels était basé sur le principe d'un simple accord commercial.
Les dix premières années de la vie de l'artiste se passent dans des recherches créatives et travaillent sur quelques commandes. Jusque là, une fois Leonardo a entendu une rumeur selon laquelle le duc de Sforza, le souverain de Milan, besoin d'un sculpteur de cour. Le jeune homme a immédiatement décidé de s'essayer.
Le fait est que Milan était à l'époque l'un des plus grands centres de production d'armes, et Leonardo était plongé dans son dernier passe-temps - le développement de dessins de machines et de mécanismes originaux et ingénieux. Par conséquent, la possibilité de s'installer dans la capitale de l'ingénierie, il était très inspiré. L'artiste a écrit une lettre de recommandation au duc de Sforza, dans lequel il a osé s'offrir comme non seulement un sculpteur, artiste et architecte, mais aussi en tant qu'ingénieur, prétendant qu'il pouvait construire des navires, véhicules blindés, catapultes, armes à feu et autres équipements militaires. Le duc a été impressionné par la lettre pleine d'assurance de Leonardo, mais ne le satisfait que partiellement :il est d'humeur à ce que l'artiste soit sculpteur. La première tâche du nouveau sculpteur de cour fut la fabrication d'une statue en bronze d'un cheval, conçu pour décorer la crypte familiale des Sforza. Ce qui est amusant, c'est qu'en raison de diverses circonstances, pendant les dix-sept années que Léonard passa à la cour de Milan, le cheval n'a jamais été jeté. Mais l'intérêt des jeunes talents pour les affaires militaires, la mécanique et la technologie dans les ateliers d'armes n'ont fait que croître. Presque toutes les inventions de Léonard datent de cette période.
Tout au long de sa vie, l'ingénieux de Vinci a créé de nombreux dessins de tissage, machines d'impression et de laminage, fours métallurgiques et une machine à bois. Il a été le premier à penser à l'idée d'une vis d'hélicoptère, roulements à bille, une grue pivotante, un mécanisme pour enfoncer des pieux, une turbine hydraulique, un appareil de mesure de la vitesse du vent, une échelle télescopique coupe-feu, une clé à molette, et une boite de vitesse. Leonardo a développé des modèles de divers véhicules militaires - chars, catapultes, sous-marins. Dans ses croquis, il y a des prototypes d'un projecteur de cloche de plongée, une excavatrice, une bicyclette, et nageoires. En plus de ses créations les plus célèbres, basé sur une étude minutieuse de la technique du vol de l'oiseau et de la structure de l'aile de l'oiseau - un avion très similaire à un deltaplane, et un parachute.
Malheureusement, Leonardo n'a pas pu voir l'incarnation de la grande majorité de ses idées dans la vie. Le temps n'est pas encore venu pour eux, il n'y avait pas de matières premières et de matériaux nécessaires, dont la création était également prévue par le génie du XVe siècle. Toute sa vie, Léonard de Vinci a dû s'accommoder du fait que ses desseins grandioses étaient trop en avance sur l'époque. Ce n'est qu'à la fin du XIXe siècle que beaucoup d'entre eux recevront leur mise en œuvre. Et, bien sûr, le maître ne se doutait pas qu'aux XXe et XXIe siècles, des millions de touristes admireront ces inventions dans des musées spéciaux dédiés à son travail.
En 1499, Léonard a quitté Milan. La raison en était la prise de la ville par les troupes françaises dirigées par Louis XII, le duc de Sforza, qui avait perdu le pouvoir, fui à l'étranger. Car l'artiste entame une période difficile de sa vie. Pendant quatre ans, il se déplaçait constamment d'un endroit à l'autre, nulle part pour longtemps sans s'arrêter. Jusque là, en 1503, il, cinquante, a de nouveau dû retourner à Florence - la ville où il travaillait autrefois comme simple apprenti, et maintenant, au sommet de la compétence et de la renommée, il a travaillé à la création de sa brillante Mona Lisa.
Vrai, il retourna à Milan de Vinci, après plusieurs années de travail à Florence. Maintenant, il y était le peintre de cour de Louis XII, qui à cette époque contrôlait tout le nord italien. Périodiquement, l'artiste est retourné à Florence, exécuter une commande particulière. Les épreuves de Léonard ont pris fin en 1513 lorsqu'il s'est installé à Rome pour voir le nouveau patron, Julien Médicis, le frère du pape Léon X. Pendant les trois années suivantes, da Vinci s'occupait principalement de science, commandes de développements techniques et d'expérimentations techniques.
Déjà à un âge très avancé, Léonard de Vinci s'est de nouveau déplacé, cette fois en France, à l'invitation de François Ier, qui succéda à Louis XII sur le trône. Le reste de la vie du brillant maître se passa dans la résidence royale, le château de Lmboise, entouré du plus grand honneur du côté du monarque. L'artiste lui-même, malgré l'engourdissement de sa main droite et l'aggravation constante de son état de santé, a continué à faire des croquis et à engager des étudiants qui l'ont remplacé par une famille qui n'a jamais été créée par le maître de son vivant.
Don d'observateur et de scientifique
Dès la petite enfance, Leonardo avait un talent d'observateur rare. De sa petite enfance à la fin de sa vie, un artiste, fasciné par les phénomènes naturels, pourrait regarder pendant des heures la flamme d'une bougie, surveiller le comportement des êtres vivants, étudier le mouvement de l'eau, cycles de croissance des plantes et le vol des oiseaux. Un vif intérêt pour le monde qui l'entoure a donné au maître beaucoup de connaissances inestimables et les clés de nombreux secrets de la nature. « La nature a tout arrangé si parfaitement que partout vous trouvez quelque chose qui peut vous donner de nouvelles connaissances, " dit le maître.
Durant sa vie, Leonardo a fait des transitions à travers les plus hauts cols alpins pour explorer la nature des phénomènes atmosphériques, voyagé à travers les lacs de montagne et les rivières pour étudier les propriétés de l'eau. Tout au long de sa vie, Léonard portait avec lui un cahier dans lequel il inscrivait tout ce qui attirait son attention. Il attache une importance particulière à l'optique, croire que l'œil du peintre est un outil direct de la connaissance scientifique.
Refusant de suivre le chemin battu par les contemporains, Leonardo a cherché ses propres réponses aux questions d'harmonie et de proportionnalité de toutes choses (le monde autour de lui et l'homme lui-même) qui l'inquiétaient. L'artiste s'est rendu compte que s'il veut capturer la personne elle-même et le monde qui l'entoure dans ses œuvres sans en dénaturer l'essence, il doit étudier la nature de l'un et de l'autre aussi profondément que possible. Partant de l'observation des phénomènes et des formes visibles, il s'est progressivement penché sur les processus et les mécanismes qui les régissent.
Les connaissances mathématiques ont aidé le peintre à comprendre que tout objet ou objet est un tout, qui se compose inévitablement de plusieurs parties, dont la proportionnalité et le bon emplacement donnent lieu à ce qu'on appelle l'harmonie. Une découverte incroyable du peintre fut que les concepts de « nature », « beauté » et « harmonie » sont inextricablement liées à une loi spécifique, après quoi absolument toutes les formes de la nature sont formées, à partir des étoiles les plus éloignées du ciel, et se terminant par des pétales de fleurs. Léonard s'est rendu compte que cette loi peut être exprimée dans le langage des nombres, et l'utiliser pour créer de belles et harmonieuses œuvres en peinture, sculpture, l'architecture et tout autre domaine.
En réalité, Léonard a pu découvrir le principe par lequel le Créateur de la Genèse lui-même a créé ce monde. L'artiste a appelé sa découverte "Golden, ou Proportion Divine." Cette loi était déjà connue des philosophes et des créateurs du monde antique, en Grèce et en Egypte, où il a été largement utilisé dans une grande variété de formes d'art. Le peintre marchait sur le chemin de la pratique, et a préféré tirer toutes ses connaissances de sa propre expérience d'interaction avec la nature et le monde.
Leonardo n'a pas lésiné sur le partage de ses découvertes et de ses réalisations avec le monde. Pendant sa durée de vie, il a travaillé avec le mathématicien Luke Pocholi pour créer le livre "Divine Proportion", et après la mort du maître, il a vu la lumière du traité de la section d'or, entièrement basé sur ses découvertes. Les deux livres sont écrits sur l'art dans le langage des mathématiques, géométrie et physique. En plus de ces sciences, l'artiste à différentes époques s'intéressait sérieusement à l'étude de la chimie, astronomie, botanique, géologie, géodésie, optique et anatomie. Et tout en ordre, à la fin, pour résoudre les tâches qu'il s'est fixé dans l'art. C'est à travers la peinture, que Léonard considérait comme la forme de créativité la plus intellectuelle, il a cherché à exprimer l'harmonie et la beauté de l'espace environnant.
La vie sur toile
En regardant l'héritage créatif du grand peintre, vous pouvez clairement voir comment la profondeur de la pénétration de Léonard dans les fondements des fondements de la connaissance scientifique du monde a rempli ses peintures de vie, les rendant de plus en plus vraies. Il semble qu'avec les personnages représentés par le maître, vous pouvez facilement avoir une conversation, objets peints par lui, tourne entre tes mains, et entrez dans le paysage et perdez-vous. Dans les images de Léonard, mystérieux et étonnamment réaliste à la fois, la profondeur et la spiritualité sont évidentes.
Pour comprendre ce que Léonard considérait comme un réel, création vivante, vous pouvez faire une analogie avec la photographie. La photographie, En réalité, n'est qu'une copie miroir, preuve documentaire de la vie, un reflet du monde créé, pas en mesure d'atteindre sa perfection. De ce point de vue, le photographe est une incarnation moderne de celui dont Léonard a dit :« Un peintre, dessiner sans raison, guidé seulement par la pratique et le jugement de l'œil, est comme un miroir ordinaire qui imite tous les objets qui lui sont opposés, ne sachant rien d'eux. Un vrai artiste, selon le maître, en étudiant la nature et en la recréant sur une toile, doit le surpasser, " lui-même inventant d'innombrables formes d'herbes et d'animaux, arbres et paysages."
La prochaine étape dans la maîtrise et le don unique de l'homme, selon Léonard, est la fantaisie. « Là où la nature a déjà fini de produire ses espèces, l'homme lui-même commence à créer d'innombrables sortes de nouvelles choses avec l'aide de la nature. Le développement de l'imagination est la première et la plus fondamentale chose qu'un artiste doit faire, selon de Vinci, c'est ce qu'il écrit sur les pages de ses manuscrits. Dans les lèvres de Léonard ça sonne comme la Vérité avec une majuscule, parce qu'il l'a lui-même prouvé à maintes reprises avec toute sa vie et son héritage créatif, y compris tant de suppositions et d'inventions ingénieuses.
L'irrépressible désir de connaissance de Léonard a touché presque tous les domaines de l'activité humaine. Durant sa vie, le maître a pu faire ses preuves en tant que musicien, poète et écrivain, ingénieur et mécanicien, sculpteur, architecte et urbaniste, biologiste, physicien et chimiste, connaisseur d'anatomie et de médecine, géologue et cartographe. Le génie de Vinci a trouvé son application jusque dans la création de recettes culinaires, le développement de vêtements, la compilation de jeux pour le divertissement du palais et la conception de jardins.
Leonardo pouvait se vanter non seulement de connaissances exceptionnellement polyvalentes et d'un large éventail de compétences, mais aussi une apparence presque parfaite. Selon les contemporains, il était grand, bel homme, bien bâti et doté d'une grande force physique. Léonard a parfaitement chanté, était un conteur brillant et plein d'esprit, dansé et joué de la lyre, avait des manières exquises, était courtois et fascinait simplement les gens par sa seule présence.
C'est peut-être précisément cette nature extraordinaire de celui-ci dans presque tous les domaines de la vie qui a provoqué une attitude si prudente de la majorité conservatrice envers lui, accepter avec appréhension les idées novatrices. Pour son génie et sa pensée originale, il a été à plusieurs reprises qualifié d'hérétique et même accusé de servir le diable. Apparemment, c'est le destin de tous les génies qui viennent dans notre monde pour briser les fondations et faire avancer l'humanité.
En paroles et en actes, niant l'expérience des générations passées, le grand peintre disait que "le tableau du peintre sera peu parfait s'il s'inspire des tableaux des autres". Cela s'appliquait à tous les autres domaines de la connaissance. Léonard accorde une grande attention à l'expérience comme principale source d'idées sur l'homme et le monde. « La sagesse est fille de l'expérience, " a dit l'artiste, il ne peut pas être acquis simplement en étudiant des livres, car ceux qui les écrivent ne sont que des intermédiaires entre les hommes et la nature.
Chaque personne est un enfant de la nature et la couronne de la création. Il a d'innombrables possibilités de connaître le monde, inextricablement lié à chaque cellule de son corps. En explorant le monde, Léonard se connaissait. La question qui tourmente de nombreux historiens de l'art est qu'est-ce qui intéresse le plus De Vinci – la peinture ou la cognition ? Qui était-il finalement – un artiste, scientifique ou philosophe ? La réponse est essentiellement simple, comme un vrai créateur, Léonard de Vinci a harmonieusement combiné tous ces concepts en un seul. Après tout, vous pouvez apprendre à dessiner, pouvoir posséder un pinceau et des peintures, mais cela ne fera pas de toi un artiste, parce que la vraie créativité est un état particulier de sentiments et d'attitude envers le monde. Notre monde rendra la pareille, devenir une muse, découvrir ses secrets et ne permettre qu'à l'aimer vraiment de pénétrer l'essence même des choses et des phénomènes. De la façon dont Léonard a vécu, de tout ce qu'il a fait, il était évident qu'il était passionnément amoureux.
Images de la Madone
L'oeuvre "L'Annonciation" (1472-1475, Persienne, Paris) a été écrit par un jeune peintre au tout début de sa carrière. Le tableau représentant l'Annonciation était destiné à l'un des monastères non loin de Florence. Elle a suscité beaucoup de controverses parmi les chercheurs du grand Léonard. Les doutes portent notamment sur le fait que l'œuvre est une œuvre totalement indépendante de l'artiste. Je dois dire, de tels conflits autour de la paternité ne sont pas rares pour de nombreuses œuvres de Léonard.
Réalisé sur un panneau de bois aux dimensions impressionnantes – 98 x 217 cm, l'œuvre montre le moment où l'archange Gabriel, qui est descendu du ciel, dit à Marie qu'elle va donner naissance à un fils, que Jésus appellera. On croit traditionnellement que Marie à cette époque lisait le passage même des prophéties d'Isaïe, qui mentionne un accomplissement futur. La scène n'est pas représentée par hasard dans le contexte d'un jardin printanier - les fleurs dans la main de l'archange et sous ses pieds symbolisent la pureté de la Vierge Marie. Et le jardin lui-même, entouré d'un muret, nous renvoie traditionnellement à l'image sans péché de la Mère de Dieu, isolé du monde extérieur par son intégrité.
Un fait intéressant est associé aux ailes de Gabriel. On distingue clairement sur l'image qu'ils ont été terminés plus tard - un artiste inconnu les a allongés dans un style de peinture très brut. Les ailes originales que Léonard dépeint sont restées perceptibles - elles sont beaucoup plus courtes et, Probablement, ont été esquissées par l'artiste à partir des ailes d'un véritable oiseau.
Dans ce travail, si tu regardes bien, vous pouvez trouver plusieurs erreurs commises par Leonardo, qui était encore inexpérimenté, dans la construction d'une perspective. La plus évidente est la main droite de Marie, situé visuellement plus près du spectateur que l'ensemble de sa silhouette. Il n'y a pas encore de douceur dans les draperies des vêtements; ils ont l'air trop lourds et gelés, comme s'il était en pierre. Ici, nous devons tenir compte du fait que c'est ce que Leonardo a enseigné à son mentor Verocchio. Cette angularité et cette netteté sont caractéristiques de presque toutes les œuvres d'artistes de cette époque. Mais à l'avenir, en voie de trouver son propre réalisme pittoresque, Leonardo se développera et dirigera tous les autres artistes.
Dans le tableau « Madonna Litta » (vers 1480, l'Hermitage, Saint-Pétersbourg), Leonardo a réussi à créer une image féminine incroyablement expressive en utilisant presque le seul geste. Sur la toile on voit plein de prévenance, une mère tendre et apaisée, admirant son enfant, concentrant dans ce regard toute la plénitude des sentiments. Sans une telle inclinaison spéciale de la tête, si caractéristique de nombreuses œuvres du maître, qu'il a étudié pendant des heures en créant des dizaines de dessins préparatoires, une grande partie de l'impression d'amour maternel illimité aurait disparu. Seules les ombres aux coins des lèvres de Maria suggèrent la possibilité d'un sourire, mais combien de tendresse cela donne à tout le visage. En taille, le travail est très petit, seulement 42 x 33 cm, très probablement qu'il était destiné au culte à domicile. En effet, en Italie du XVe siècle, les images pittoresques de la Vierge à l'Enfant étaient très populaires, ils étaient souvent commandés par de riches citoyens. Probablement, "Madonna Litta" a été écrite à l'origine par un maître pour les dirigeants de Milan. Puis, changer plusieurs propriétaires, elle a déménagé dans une collection familiale privée. Le nom moderne de l'œuvre vient du nom du comte Litta, qui possédait une galerie d'art familiale à Milan. En 1865, c'est lui qui le vendit à l'Hermitage avec plusieurs autres tableaux.
Dans la main droite de l'enfant Jésus, un oisillon presque invisible au premier regard est caché, servant dans la tradition chrétienne comme symbole du Fils de Dieu et de son enfance. Il y a des disputes autour de la toile, causée par des contours trop clairs de l'image et une posture non naturelle de l'enfant, ce qui amène de nombreux chercheurs à supposer qu'un des étudiants de Leonardo a participé activement à la création de l'image.
Le premier tableau, où se révéla le talent du maître, était le tableau "Madonna in the Grotto" (vers 1483, Musée du Louvre, Paris). La composition a été commandée pour l'autel de la chapelle de l'église milanaise Saint-François et était censée être la partie centrale du triptyque. L'ordre était partagé entre trois maîtres. L'un d'eux a créé des panneaux latéraux avec l'image des anges pour l'image de l'autel, l'autre – encadrement sculpté du travail fini du bois.
Le clergé a signé un contrat très détaillé avec Leonardo. Il stipulait les moindres détails de l'image, jusqu'au style et à la technique de réalisation de tous les éléments et même de la couleur des vêtements, dont l'artiste ne doit pas s'écarter d'un pas. Donc, une œuvre est née racontant la rencontre de l'enfant Jésus et de Jean-Baptiste. L'action se déroule au fond de la grotte, où la mère et le fils se réfugient contre les persécuteurs envoyés par le roi Hérode, qui a vu dans le Fils de Dieu une menace directe pour sa puissance. Le baptiste se précipite vers Jésus, joignit les mains en prière, qui, à son tour, le bénit d'un geste de la main. Un témoin silencieux du sacrement est l'ange Uriel, regardant vers le spectateur. À partir de maintenant, il sera appelé à protéger John. Les quatre personnages sont si habilement disposés dans l'image qu'ils semblent former un tout. Je veux appeler l'ensemble de la composition « musicale » avec tant de tendresse, harmonie et douceur dans ses caractères, unis par des gestes et des regards.
Ce travail a été donné à l'artiste est très difficile. Le délai était strictement stipulé dans le contrat, mais, comme cela arrivait souvent avec le peintre, il ne pouvait pas s'y tenir, ce qui a entraîné des poursuites judiciaires. Après un long procès, Leonardo a dû écrire une autre version de cette composition, qui est maintenant conservé à la National Gallery de Londres, nous la connaissons sous le nom de "Madonna in the Rocks".
La célèbre fresque du monastère de Milan
Dans l'enceinte du monastère milanais de Santa Maria della Grazie, plus précisément dans son réfectoire, l'un des plus grands chefs-d'œuvre de la peinture et le principal trésor national de l'Italie sont conservés. La fresque légendaire "La Dernière Cène" (1495-1498) occupe un espace de 4,6 x 8,8 m, et décrit un moment dramatique où, entouré de disciples, Le Christ prononce la triste prophétie "L'un de vous me trahira".
Le peintre, qui a toujours été attiré par l'étude des passions humaines, voulait capturer des gens ordinaires, pas des personnages historiques, dans les images des apôtres. Chacun d'eux répond à sa manière à l'événement. Leonardo s'est fixé la tâche avec le plus grand réalisme pour transmettre l'atmosphère psychologique de la soirée, nous transmettre les différents caractères de ses participants, exposer leur monde psychique et leurs expériences conflictuelles avec la précision d'un psychologue. Dans la variété des visages des héros du tableau et de leurs gestes, il y a une place pour presque toutes les émotions de la surprise à la colère furieuse, de la confusion à la tristesse, de la simple incrédulité au choc profond. Le futur traître Judas, qui traditionnellement tous les artistes étaient auparavant séparés du groupe général, siège dans ce travail avec les autres, se distinguant clairement d'une expression sombre et d'une ombre, comme s'il enveloppait toute sa silhouette.Compte tenu du principe du nombre d'or qu'il a découvert, Leonardo a vérifié l'emplacement de chaque élève avec une précision mathématique. Les douze apôtres sont divisés en quatre groupes presque symétriques, mettant en évidence la figure du Christ au centre. D'autres détails de l'image sont conçus pour ne pas détourner l'attention des personnages. Donc, la table est intentionnellement trop petite, et la chambre elle-même, dans lequel se déroule le repas, est simple et simple.
Travaillant sur La Cène, Leonardo a mené une expérience avec des peintures. Mais, Malheureusement, il a inventé la composition de la terre et de la peinture, pour lequel il a combiné l'huile et la détrempe, était complètement instable. La conséquence en fut que seulement vingt ans après avoir écrit, les travaux ont commencé à se détériorer rapidement et de manière irréversible. L'écurie, qui a été aménagé par l'armée de Napoléon dans la salle où se trouvait la fresque, aggravé le problème déjà existant. Par conséquent, des travaux de restauration ont été effectués sur cette toile monumentale presque du début de son histoire à nos jours, seulement grâce à quoi il est encore possible de le conserver.
Ayant commencé sa longue vie, Ciu Leonardo da Vinci a créé pas plus de vingt tableaux, dont certains sont restés inachevés. Une telle fertilité, surprenant à l'époque, n'a pas soulagé les clients, mais la désinvolture avec laquelle le maître travaillait sur ses peintures devint complètement un mot d'ordre. Souvenirs du moine du monastère de Santa Maria delle Grazie, qui a observé le travail du peintre sur la célèbre fresque "La Cène". Voici comment il décrit la journée de travail de Léonard :au petit matin, l'artiste escalade les forêts érigées autour du tableau, et ne pouvait se séparer de son pinceau que tard dans la nuit, oublier complètement la nourriture et le repos. Mais une autre fois, il a passé des heures, jours, en regardant de près sa création, sans appliquer un seul frottis. Malheureusement, malgré tous les efforts du maître, en raison d'une expérience infructueuse et de matériaux, la fresque du monastère de Milan est devenue l'une des déceptions les plus puissantes de l'artiste.
La mystérieuse Joconde
Pour ça, le tableau "Mona Lisa" a pris une grande place dans sa vie. Du moment de l'écriture de la célèbre toile jusqu'à la fin de sa vie, Leonardo sera inséparable de lui, comme avec son trésor le plus précieux. Quel est le secret de cette grande impression que fait cette image de petite taille (seulement 77x53 cm), des millions de spectateurs se demandent depuis des siècles qui l'a vu au moins une fois.
Il est extrêmement surprenant que dans les enregistrements de Léonard de Vinci il n'y ait pas une seule mention de ce portrait. Il n'y a aucune information, ni qui l'a chargé de travailler sur la toile, ni qui lui a servi de modèle, ni comment s'est déroulé le processus de sa création. L'artiste, qui a enregistré toute sa vie toute sa vie, n'a jamais mentionné une seule fois un hibou la plus grande création.
Il n'y a absolument aucune preuve documentaire, mais les esprits curieux des spécialistes ont extraordinairement avancé dans leurs suppositions. À différents moments, la duchesse Matui Isabelle d'Este, dont Leonardo travaillait les portraits à cette époque, puis une certaine maîtresse florentine nommée Pacifica Brandano, qui était la maîtresse du noble patron Giuliano Medici, sont devenus candidats à l'héroïne de la toile. Un certain nombre de chercheurs prétendent qu'il n'y avait pas de modèle du tout, et Leonardo a créé l'image collective parfaite d'une femme. D'autres sont sûrs qu'il a recréé de mémoire les traits de sa mère. D'autres encore soutiennent qu'il s'agit d'un jeune homme en tenue de femme, un ancien élève, et peut-être un amoureux du peintre lui-même – Jnan Giacomo Kaproti, qui est avec Leonardo depuis 26 ans (au fait, c'est l'artiste qui lui a légué le tableau). Bien, le dernier, des versions les plus populaires, nous dit que Mona Lisa est un autoportrait de Léonard de Vinci lui-même.
Absolument toutes les suppositions n'ont aucune preuve réelle. Il existe également une version officielle. Il indique que le tableau représente l'épouse du riche marchand florentin Francesco del Giocondo - Lisa Gerardini. La date exacte de la création de l'image n'est pas non plus connue, on pense que les travaux sur la Joconde ont eu lieu entre 1503 et 1513. Vraisemblablement, la future « Joconde », et puis juste Lisa Gerardini, a posé quand elle avait environ vingt-quatre ans. Le préfixe "mona", de nouveau, probablement, n'est rien de plus que l'abréviation du mot "madonna", qui en italien signifie "dame, maîtresse."
L'image ravivée
Pour toute la Renaissance, l'homme a été proclamé couronne de la nature, sa création la plus parfaite. Par conséquent, et en peinture, qui cherchait à imiter la nature en tout, la capacité de représenter une personne devient un véritable indicateur de l'habileté de l'artiste. De plus, il était important de transmettre non seulement les caractéristiques de l'apparence extérieure du modèle. Le plus important était la capacité de révéler la personnalité du portrait. Ici commencent les questions et les recherches, comment montrer l'invisible, comment traduire dans l'image le tempérament et les qualités spirituelles cachées inhérentes aux personnages ?
Léonard, bien sûr, avait sa propre réponse à ces questions. L'artiste a conseillé d'écrire des héros avec des gestes qui refléteraient leur état d'esprit. « Si les chiffres ne font pas certains gestes, et ceux qui exprimeraient leurs âmes par les membres du corps, alors ces figures sont deux fois mortes :elles sont pour la plupart mortes parce que le tableau lui-même ne vit pas, mais n'est qu'une expression d'objets vivants sans vie, si la vitalité du mouvement (geste) ne les rejoint pas, puis ils s'avèrent être morts une fois de plus, », réfléchit le maître.
À la fois, il n'est pas nécessaire de recourir à des angles complexes et à des mouvements complexes, le peintre lui-même ne l'a jamais fait. Leonardo a pu atteindre les sommets de la maîtrise en créant la saturation et la profondeur de l'image avec une absence presque complète de mouvement extérieur. Le visage de Mona Lisa est illuminé par un sourire subtil qui lui donne une expression particulière. Dans une femme regardant d'un portrait, tout est simple, naturel et en même temps très mystérieux. Soit elle pense à quelque chose, ou se souvient de quelque chose. Léonard a créé, sans exagérer, un visage complètement vivant d'une personne vivante. Il a réussi à ne pas dessiner, mais pour recréer son modèle sur toile, révélant une image tellement vivante et inspirée qu'elle en fait presque peur. Il semble que le spectateur ne regarde pas la Joconde, mais elle-même le regarde avec un profond, regard significatif. Beaucoup soutiennent que, être dans la même pièce que la photo, il semble que le regard de "Mona Lisa" soit toujours dirigé vers le spectateur, partout où il se déplace. Certains prétendent également que le visage de Gioconda change, selon la façon dont vous la regardez. Il s'avère que ce n'est pas une image, mais la présence réelle d'une héroïne créée par le plus grand génie de Léonard de Vinci.
Un savoir-faire inégalé
Comment le peintre a-t-il réussi à créer un effet aussi étonnant ? Comment faire de sa propre vie une couche de peinture sur une surface plane d'un panneau de bois ? Quel genre de magie Leonardo a-t-il utilisé, en utilisant uniquement un pinceau et une palette, si bien que des millions de téléspectateurs ont cru à la « Joconde », comme en vrai ?!
Les historiens de l'art ont soigneusement étudié le tableau. Si nous parlons de la technique de son exécution, alors il faut noter que l'oeuvre est faite de presque transparent, couches inhabituellement minces de couleur appliquée qui recouvrent le dessin original. Lorsque le revêtement précédent a séché, le maître a imposé ce qui suit, et donc, de nombreux, à plusieurs reprises, faisant preuve d'une patience et d'une virtuosité enviables.
Le résultat d'un travail aussi minutieux, cette peinture inhabituellement multicouche, était une transition si douce de certaines couleurs à d'autres que les lignes de contour originales de l'image semblaient se dissoudre. Et c'est précisément ce manque de frontières entre la lumière et l'ombre qui se fondent doucement l'une dans l'autre et créent une sensation de volume vivant. Une autre réalisation incroyable de Léonard était une image sans précédent de l'épaisseur de l'air sans précédent pour la peinture à cette époque. L'artiste remplit l'espace de l'image d'une brume à peine perceptible, grâce à quoi la profondeur apparaît dans l'œuvre.
Cet effet de brume, lumière douce diffuse, Leonardo a appelé le terme italien "sphumato". Les coups de pinceau de l'artiste étaient si petits que ni une radiographie ni un microscope ne permettaient de détecter des traces de son travail ou de déterminer le nombre de couches de peinture appliquées. Pour des centaines d'années, de nombreux artistes ont tenté de répéter la technique de Léonard, mais aucun d'eux n'a réussi. Jusqu'à maintenant, "Mona Lisa" est considérée comme inégalée en termes de techniques de peinture.
Et tout cela malgré le fait que nous ayons l'occasion de voir une image plutôt altérée. Le chef-d'œuvre du grand Léonard est depuis de nombreuses années, pendant ce temps, des changements se sont produits, en particulier dans la palette de couleurs de la toile. Le premier biographe du peintre Giorgio Vasari, qui a vécu au XVIe siècle, dans ses descriptions de l'œuvre admire les nuances de framboise dans les couleurs de la palette utilisée pour écrire le visage de Lisa Gerardini. Aujourd'hui, rien de tel ne peut être vu dans l'image.
Le rapport de couleur dans l'image a également été affecté par les revêtements de vernis, qui après Léonard ont été appliqués à la surface du chef-d'œuvre pour assurer sa meilleure conservation, et ils ont également créé un effet nuageux. Nous regardons maintenant l'image d'une dame qui semble briller à travers l'épaisseur de l'eau de mer. La composition du tableau a également subi des changements - deux colonnes ont été complètement perdues, qui étaient auparavant situés sur les côtés de la figure principale. Mais ces éléments architecturaux ont complètement changé la perception de la composition, car grâce à eux, il était immédiatement clair que l'héroïne de la photo était assise sur le balcon de la piste, et n'était pas du tout suspendu dans l'espace, comme il semble parfois.
Les lois de l'harmonie
Lors de la création d'un chef-d'œuvre, Léonard a naturellement utilisé la loi du « nombre d'or » qu'il a découverte. Tous les éléments de l'image sont situés de manière strictement définie. Ils suivent la loi divine, proportions harmonieuses. La figure de la Joconde est corrélée à la règle du "triangle d'or" avec une précision mathématique, correspondant parfaitement à toutes les parties du pentagone étoilé régulier. Du point de vue du spectateur, qui distingue les objets environnants dans la forme, c'est très important, bien que non reconnu par la personne elle-même.
Très souvent, intuitivement, nous trouvons attrayant et sommes attirés par ces formes qui obéissent à la loi des proportions. Les anciens sages et maîtres le savaient, et les scientifiques modernes ont prouvé expérimentalement. Cette loi est valable non seulement pour la peinture, mais aussi pour la psychologie, design industriel. La création de formes et d'images pour la publicité moderne est basée sur la loi de l'harmonie, nous ne le savons tout simplement pas et n'y pensons pas.
La magie de l'art véritable
Vous pouvez écrire beaucoup sur la magie et l'incroyable du chef-d'œuvre de Léonard de Vinci, mais les mots ne sont que des mots, pour comprendre ce qu'est « Mona Lisa », Tu dois voir ça. Juste en la regardant dans les yeux, vous pouvez sentir tout ce que les critiques d'art, les critiques et les gens ordinaires écrivent à son sujet.
Malheureusement, photographies et reproductions effacent la vie du visage de la Joconde, et la magie de son image disparaît sans laisser de trace. La photographie ne donne qu'une idée générale de l'œuvre, ce n'est qu'un obstacle pour ceux qui veulent prendre plaisir à communiquer avec des créations vivantes. La photographie n'est qu'un médiateur, comme tout raisonnement sur un chef-d'œuvre de nombreux historiens de l'art. Pas un seul livre ne vous dira ce que la Gioconda stationnaire vous dira personnellement. Comme l'a dit lui-même le grand créateur de l'image :« Qui peut aller à la source, ne devrait pas aller à la cruche." Aucune connaissance n'aidera à ressentir, en communication avec le vrai, œuvres d'art vivantes, vous n'avez besoin que de votre propre sensibilité mentale. Lors d'une rencontre avec "Mona Lisa", tout le monde devra chercher un indice sur son secret. Il est prouvé que chez différentes personnes, il évoque une variété de sentiments et d'associations, quelqu'un ravive des souvenirs personnels, quelqu'un suggère. Certains Sûr que c'est triste, d'autres pensifs, le troisième, il semble rusé, et même sinistre pour quelqu'un. Bien, quelqu'un décidera qu'elle ne sourit pas du tout, et tout son mystère mystique est fiction.
Reflet du grand Léonard
Un fait populaire est que lorsque l'autoportrait de Léonard est appliqué à l'image de Mona Lisa, la partie supérieure du visage coïncidera presque complètement avec un point de vue scientifique. Les historiens de l'art disent que lorsque le Créateur a mis son âme dans l'homme, le peintre met une part de lui-même dans sa création. Sentant à quel point il est littéralement lié à chacune de ses propres œuvres, Léonard de Vinci a soutenu à plusieurs reprises que « les figures créées ressemblent très souvent à leurs maîtres. Cela se produit parce que notre jugement est ce qui déplace notre main dans la création de tous les contours de cette figure. "
En regardant une œuvre d'art, l'observateur ne voit pas seulement ce qui y est représenté. Le plus important, c'est qu'il entre en contact avec le monde intérieur du peintre et qu'il se reconnaisse. Peut-être, donc, le retenu, Le sourire presque éphémère de Gioconda a-t-il excité les cœurs et les esprits des gens avec son incompréhensibilité depuis si longtemps ? Il sent toute la sagesse de la connaissance de la vraie nature des objets environnants, accumulé par Léonard de Vinci. Peut-être, à travers son idée bien-aimée, l'artiste lui-même nous regarde avec un léger sourire. Il semble que toute l'expérience du monde, incarné sous la forme d'une femme, est rassemblée dans ce petit portrait. Pénétrer dans le secret de la Joconde revient à comprendre le génie de son créateur.
Et à Rome, et à Milan, et dans son dernier refuge, l'Amboise française, Leonardo ne s'est jamais séparé de cette toile. Et après sa mort, il a légué "Mona Lisa" à son assistant et élève, qui vendit bientôt le tableau à l'ardent admirateur et dernier mécène du maître, le roi de France François Ier.
Des générations entières de monarques ont admiré la peinture à Versailles, jusqu'à ce que Louis XV ordonne de le déplacer dans la voûte du palais. Après la Révolution française, Napoléon a déplacé le chef-d'œuvre dans sa chambre privée du palais des Tuileries. Plus tard, "Mona Lisa" est venu aux musées de Napoléon au Louvre. Où elle a été enlevée le 21 août, 1911. Le kidnappeur était un Italien qui vénérait infiniment les œuvres d'un grand maître, nommé Vincenzo. Il rêvait de ramener la toile dans la patrie de l'artiste et cacha pendant près de trois ans un chef-d'œuvre dans sa propre maison. Tout ce temps, jusqu'à son retour au Louvre, la Joconde n'a pas quitté les couvertures des magazines et des journaux du monde entier. Donc, déjà au début du 20e siècle, "Mona Lisa" est devenue l'œuvre la plus reconnaissable de l'histoire de l'art mondial, et les débats et discussions à ce sujet se poursuivent encore aujourd'hui.
Regardez-vous
Les artistes de la Renaissance plaçaient l'image d'eux-mêmes quelque part dans les profondeurs des tableaux sur lesquels ils travaillaient. Peut-être Leonardo n'a-t-il pas fait exception et s'est-il représenté dans le rôle d'un jeune berger dans le dessin préparatoire du tableau «Adoration des mages». Entre autres, on pense qu'il a souvent capturé ses traits afin d'étudier les proportions du visage humain. Néanmoins, tout ceci n'est que spéculation, qui n'a aucune preuve indiscutable. Le seul portrait de l'artiste dont l'authenticité ne fait aucun doute est « Autoportrait » (Bibliothèque royale, Turin), peint vers 1515, mesurant 33 x 21 cm, qui est maintenant imprimé dans chaque publication illustrée consacrée à la vie et à l'œuvre de Léonard de Vinci.
L'un des artistes du XVIe siècle, Giovannp Lomazzo le décrit ainsi :« Sa tête était couverte de si longs cheveux, et ses sourcils étaient si épais et sa barbe si impressionnante qu'il semblait être une véritable personnification de la plus noble érudition que l'ancien Prométhée et le druide Hermès étaient."
Le maître créa son « Autoportrait » alors qu'il avait déjà une soixantaine d'années. Leonardo a passé toute sa vie à étudier le monde autour de lui, la nature et les gens, et maintenant que son chemin de création et de vie touchait à sa fin, le moment est venu de se regarder. L'artiste a fait cela non seulement en se regardant dans le miroir, mais s'est regardé du point de vue d'un artiste qui peut pénétrer l'essence profonde des choses et avec des mouvements confiants de sa main capturer ce qu'il voit et sait sur une surface plane d'une feuille.
Cet autoportrait, mieux qu'autre chose, expose le maître non seulement aux autres, mais, d'abord, à lui-même. Léonard a esquissé quelques lignes avec un morceau de sanguine rouge, mais il semble qu'il ne pourrait pas être plus honnête. Seule la jeunesse est le temps du narcissisme, la maturité n'est plus nécessaire. Devant nous apparaît un homme au regard de sage, ses traits sont durs et en même temps calmes. Son image ne ressemble pas à un vieil homme fatigué, mais plutôt un génie avec une force intérieure incroyable, dont l'âme est encore pleine de passion. Léonard est sérieux, concentré, et comme plein de détermination. Ce dessin rapide a pu transmettre l'image finie, auquel il n'y a plus rien à ajouter. Le sort de l'image pendant longtemps n'était pas connu. Il n'a été découvert qu'à la fin du 19ème siècle, lorsque le monarque italien Karl Albert de Savoie l'a acheté à un collectionneur inconnu et l'a transféré à la Bibliothèque royale de Turin pour stockage.
Le grand Léonard de Vinci est décédé le 2 mai 1519. Des siècles plus tard, le maître reste un symbole des aspirations illimitées de l'esprit humain, un créateur, un génie et un voyant, doté de capacités presque surhumaines. Toutes les tentatives pour pénétrer les secrets que l'artiste a laissés en héritage aux gens s'apparentent au désir de comprendre l'essence de l'art lui-même, comme la plus haute manifestation de l'homme.
