Ivan Nikolaïevitch Kramskoï (1837-1887)
Tout au long de sa vie, Ivan Nikolaevich Kramskoy a essayé de donner vie à l'art pour qu'il devienne un outil efficace pour sa connaissance active. Un artiste hors du commun, qui a joué un grand rôle dans la formation de l'école nationale de peinture, a mené la fameuse « émeute des quatorze », était à la tête de l'Artel des Artistes et de l'Association des Vagabonds, était l'un de ceux dont la vie et l'œuvre ont invariablement servi à affirmer le plus révolutionnaire, idées les plus avancées de son temps.
Photos d'Ivan Kramskoï
Sens aigu de la vie
Ivan Nikolaevich a écrit dans sa biographie :« Je suis né en 1837, le 27 mai (selon l'art. V.V. supérieur), dans le chef-lieu d'Ostrogojsk, province de Voronej., Dans la banlieue de Novaya Sotna, de parents affectés au philistinisme local. 12 ans, J'ai perdu mon père, un homme très sévère, si je me souviens bien. Mon père a servi dans la douma de la ville, si je ne me trompe pas, en tant que journaliste (c'est-à-dire un commis — V. R.); mon grand père, selon les histoires… était aussi une sorte de commis en Ukraine. Ma généalogie ne s'élève pas plus loin. "
Dans ses années de déclin, l'artiste a ironiquement noté que quelque chose "d'une sorte" est sorti de lui. Dans son autobiographie, une certaine amertume se fait sentir, mais en même temps l'orgueil légitime d'un homme qui s'est échappé des « classes populaires » et s'est rapproché des figures les plus marquantes de son temps. Le peintre a écrit sur la façon dont il s'est efforcé d'obtenir une éducation toute sa vie, mais il n'a réussi à terminer que l'école du district d'Ostrogozh, bien qu'il y soit devenu le « premier élève ». "... Je n'ai jamais été aussi envieux de personne... en tant que personne vraiment instruite, " note Kramskoï, mentionnant qu'après sa formation, il est devenu le même employé de la douma que son père.
Le jeune homme s'intéresse très tôt à l'art, mais la première personne à remarquer et à soutenir cela était l'artiste et photographe amateur local Mikhail Borisovich Tulinov, à qui Kramskoy était reconnaissant pour toute sa vie. Pendant quelque temps, il a étudié la peinture d'icônes, alors, à l'âge de seize ans, il "a eu l'opportunité de s'échapper d'un chef-lieu avec un photographe de Kharkov". Le futur artiste a voyagé avec lui « une grande moitié de la Russie pendant trois ans, en tant que retoucheur et aquarelliste. C'était une école dure… ". Mais cette "école sévère" a apporté à Kramskoy un avantage considérable, tempéré sa volonté et formé un caractère persistant, ne faisant que renforcer son désir de devenir artiste.
A en juger par ses notes de journal, le jeune Ivan Kramskoï était un jeune homme enthousiaste, mais en 1857 un homme était déjà arrivé à Pétersbourg qui savait très bien ce qu'il voulait et comment y parvenir. Le début du chemin indépendant du futur peintre a pris une période difficile pour l'ensemble de la Russie. La guerre de Crimée vient de se terminer, ayant marqué l'écrasante défaite militaire et politique de l'autocratie, en même temps éveiller la conscience publique à la fois des progressistes et des larges masses populaires.
Monolithe de l'Académie impériale
L'abolition du servage détesté était proche, et la Russie progressiste ne vivait pas seulement dans l'attente de changements futurs, mais aussi y a contribué de toutes les manières. L'alarme de la « cloche » d'Herzen sonna puissamment, les jeunes révolutionnaires-raznochintsy, dirigé par N. G. Chernyshevsky, se sont préparés à la lutte pour la libération du peuple. Et même si loin de la vie pratique, la sphère du « grand » art a succombé au charme du vent du changement.
Si le servage était le principal frein au développement de tous les aspects de la société, le fief du conservatisme dans le domaine de l'art a été créé au milieu du XVIIIe siècle par l'Académie impériale des Arts. Étant le chef d'orchestre de doctrines officielles et de principes esthétiques qui lui avaient déjà survécu, elle n'a pas permis au domaine du « beau » d'avoir quoi que ce soit de commun avec la réalité réelle. Mais ses élèves de la seconde moitié des années 50 - début des années 60, ressenti de plus en plus clairement que la vie a des exigences complètement différentes vis-à-vis de l'art. Les mots significatifs de N. G. Chernyshevsky « la beauté c'est la vie » sont devenus un cadre programmatique pour toute l'intelligentsia russe progressiste et les jeunes figures de l'art démocratique russe naissant. Ils ont alors apporté de nouvelles humeurs publiques à l'Académie des Arts, établi des liens étroits avec les étudiants de l'Université, l'Académie de médecine et de chirurgie, dans lequel les héros du roman Chernyshevsky « Que dois-je faire ? Dmitri Lopoukhov et Alexandre Kirsanov, à la fois raznochintsy typique, pairs I. Kramsky a étudié.
Arrivée à Saint-Pétersbourg, Ivan Nikolaevitch jouissait déjà de la renommée d'un excellent retoucheur, qui lui a ouvert la porte du studio des meilleurs photographes métropolitains I.F. Alexandrovsky et A.I. Dener. Mais la carrière d'un artisan à succès ne pouvait pas le satisfaire. Kramskoï songeait de plus en plus à entrer à l'Académie des Arts.
Les dessins de Kramskoi ont immédiatement reçu l'approbation du Conseil de l'Académie, et à l'automne 1857, il devint déjà l'élève du professeur A… T. Markov. Alors son rêve chéri est devenu réalité, et je dois dire qu'il a étudié très attentivement Kramskoy, travaillé dur sur le dessin, dont la culture était très élevée à l'Académie, il a travaillé avec succès sur des croquis pour des sujets historiques et mythologiques, recevant tous les prix.
Mais le jeune peintre n'éprouvait pas de véritable satisfaction. Une réflexion, homme lettré, il sentait de plus en plus nettement une discorde fondamentale entre les vieilles doctrines de l'art et la vie réelle. Quelques mois seulement après l'admission de Kramsky à l'Académie, l'œuvre de A. A. Ivanov «L'apparition du Christ au peuple» a été apportée en Italie de Pétersbourg. Le retour de l'artiste en Russie après près de trente ans d'absence, la mort subite qui a suivi, l'impression que faisaient ses contemporains, qui devint l'œuvre principale de la vie du grand maître, a joué un rôle énorme dans la formation de la conscience de la partie avancée naissante de l'intelligentsia russe.
L'émeute des quatorze
Le meilleur de tous, la rébellion de 14 a été racontée par Ivan Kramskoy lui-même dans une lettre à son vieil ami M. B. Tulinov :« Mon cher Mikhaïl Borissovitch ! Attention! La circonstance suivante s'est produite à l'Académie le 9 novembre, C'est, samedi dernier :14 des étudiants ont déposé une demande de délivrance de diplômes pour le titre d'artistes de la classe. A première vue, rien d'étonnant.
Les gens sont libres, étudiants libres, pouvez, quand ils veulent quitter les cours. Mais le fait est que ces 14 ne sont pas des étudiants ordinaires, mais des gens qui doivent écrire pour la première médaille d'or. C'était comme ça :un mois avant maintenant, nous avons déposé une demande d'autorisation de choix de parcelle, mais nous avons refusé notre demande… et avons décidé de donner une histoire aux historiens et une intrigue aux écrivains de genre qui avaient à l'origine choisi leurs propres intrigues. Le jour de la compétition, 9 novembre, nous sommes au bureau et avons décidé de monter ensemble au Conseil et de savoir ce que le Conseil a décidé. Et donc, à la question de l'inspecteur :qui d'entre nous sont historiens et qui sont écrivains de genre ? nous, afin que tout le monde puisse entrer ensemble dans la salle de conférence, répondu que nous étions tous des historiens. Finalement, ils appellent face au Conseil à écouter la tâche. Nous entrons. F.F. Lvov nous a lu l'histoire:"Fête au Valhalla" - de la mythologie scandinave, où les chevaliers héros combattent pour toujours, où préside Dieu Odin, il a deux corbeaux sur ses épaules, et deux loups à ses pieds, et enfin, quelque part dans les cieux, entre les colonnes, un mois conduit par un monstre en forme de loup, et bien d'autres bêtises. Après ça, Bruni se leva, venir nous expliquer l'intrigue, comme c'est toujours le cas. Mais l'un de nous, à savoir Kramskoï, se sépare et dit ceci :« Nous demandons la permission de dire quelques mots devant le Concile » (silence, et tous les yeux fixaient l'orateur). « Nous avons déposé une demande deux fois, mais le Conseil n'a pas pu satisfaire notre demande; "nous, ne plus nous considérer en droit d'insister et ne plus oser penser à changer les décisions académiques, demandez-nous de nous libérer humblement de la participation au concours et de nous remettre des diplômes pour le titre d'artistes."
Quelques instants - silence. Finalement, Gagarine et Tone font des sons :« c'est tout ? ». Nous répondons :« tout », et nous partons, et dans la pièce voisine, nous remettons des pétitions au gestionnaire de cas… Et le même jour, Gagarine a demandé à Dolgorukov dans une lettre pour que rien n'apparaisse dans la littérature sans le prévisualiser (Gagarine). En un mot, nous le mettons dans un dilemme. Donc, nous avons coupé notre propre retraite et ne voulons pas revenir, et que l'Académie soit saine d'ici son centenaire. Partout nous trouvons de la sympathie pour notre action, donc un, envoyé par les écrivains, m'a demandé de lui dire les mots que j'ai prononcés au Conseil pour publication. Mais nous restons silencieux pour l'instant. Et comme nous nous tenions toujours la main fermement, pour que nous ne soyons pas perdus, nous avons décidé de nous accrocher pour former une association artistique, C'est, travailler ensemble et vivre ensemble. Je vous demande de me faire part de vos conseils et réflexions sur la structure pratique et les règles générales adaptées à notre société… Et maintenant il nous semble que cette affaire est possible. Notre palette d'actions s'étrangle :portraits, iconostases, copies, peintures originales, dessins pour publications et lithographies, dessins en bois, en un mot, tout ce qui touche à notre spécialité… Voilà un programme qui est loin d'être clair comme vous le voyez… ».
Dans cette lettre, l'artiste ne révèle pas seulement les hauts et les bas de la confrontation entre les jeunes artistes et l'Académie, mais voit aussi des perspectives d'avenir, qui ne sont pas encore tout à fait clairs, mais très audacieux et non limités aux objectifs égoïstes de leur propre survie. Après cet incident, une surveillance policière secrète a été établie sur Kramskoi et ses camarades, qui a duré de nombreuses années. Voici les noms de quatorze participants à « l'émeute » :les peintres I. Kramskoy, A. Morozov, F. Jouravlev, M. Peskov, B. Wenig, P. Zabolotsky, N. Choustov, A. Litovchenko, N. Dmitriev, A. Korzukhin, Un Grigoriev, N. Petrov, K. Lemoh et le sculpteur V. Kreitan.
Tous ont reçu l'ordre de libérer d'urgence les ateliers, mais la jeunesse, laissé sans moyens de subsistance, encore remporté une grande victoire, dont on pouvait difficilement comprendre la signification à l'époque. Ce fut la première conquête de l'art réaliste démocratique russe. Bientôt, Kramskoï, avec des personnes partageant les mêmes idées, a commencé la mise en œuvre pratique de son idée - la création de la première "association d'art" indépendante - Artels of Artists.
Kramskoy yeux Repin
Après avoir été exclu de l'Académie, Kramskoy s'est arrangé pour enseigner à l'école de la Société pour l'encouragement des arts, parmi les étudiants dont "était un jeune homme talentueux qui venait d'arriver à Saint-Pétersbourg en provenance d'Ukraine", tout comme Kramskoy lui-même avait rêvé d'entrer à l'Académie des Arts - Ilya Repin.
Ilya Efimovich lui-même décrit ainsi sa première rencontre avec Kramskoï :« C'est dimanche, douze heures de l'après-midi. Il y a une vive excitation dans la classe, Kramskoï n'est pas là. On dessine de la tête de Milon Krotonsky… Dans la classe c'est bruyant… Soudain, il y a eu un silence complet… Et j'ai vu un homme maigre en redingote noire, entrer d'un pas ferme dans la classe. Je pensais que c'était quelqu'un d'autre :j'imaginais Kramskoy différemment. Au lieu d'un beau profil pâle, celui-ci avait un visage fin et effronté et des cheveux noirs lisses au lieu de boucles châtains aux épaules, et seuls les étudiants et les enseignants ont un tel minable, barbe fluide. - Qui est-ce? Je chuchote à un ami. - Kramskoï ! Ne savez-vous pas? il se demande. Alors le voilà !... Maintenant il me regardait; semble avoir remarqué. Quels yeux ! Ne te cache pas, même s'ils sont petits et s'enfoncent profondément dans des orbites creuses ; gris, lueur… Quel visage sérieux ! Mais la voix est agréable, sincère, parle avec émotion… Mais ils l'écoutent aussi ! Ils ont même abandonné leur travail, ils se tiennent la bouche ouverte; il est évident qu'ils essaient de se souvenir de chaque mot. "
Repin, comme beaucoup d'artistes russes (Kramskoy lui-même a écrit tout comme Perov), Repin s'est avéré être un écrivain de talent. Dans son essai "Ivan Nikolaevich Kramskoy (En mémoire de l'enseignant)", avec son impulsivité inhérente, il crée un très vivant, portrait littéraire expressif. « Les pages de Kramskoï sur les pages de Répine sont toutes en mouvement, en lutte, ce n'est pas une figure de cire gelée d'un panoptique, c'est justement le héros d'une histoire passionnante riche en épisodes, ” K. Chukovsky a écrit plus tard.
Repin a créé une image qui coïncide presque dans les moindres détails avec l'autoportrait, écrit par Kramsky en 1867 et caractérisé par une caractérisation exceptionnellement objective. Sur la photo, rien ne nous distrait de l'essentiel - le visage du héros, avec une stricte, regard pénétrant d'yeux gris. Dérange, volonté, retenue - ce sont les principaux traits de personnalité de l'artiste, qui sont clairement visibles dans la toile. L'estime de soi fière se manifeste sans dessiner ni poser. Tout est simple et naturel dans l'apparence extérieure du peintre et harmonieusement à sa manière dans l'intérieur. La couleur du portrait est presque monochrome, le coup de pinceau est dynamique, devant nous se trouve le chef reconnu du premier Artel des artistes de Saint-Pétersbourg.
Création d'Artel
Sur la façade de la maison numéro 2/10, debout au coin de l'avenue Mayorov et de la perspective Admiralteysky à Saint-Pétersbourg, il y a une plaque commémorative avec l'inscription :« Dans cette maison, de 1866 à 1870, un grand artiste russe Ivan Kramskoy a vécu et travaillé. L'Artel organisé par lui, réunissant les plus grands artistes réalistes des années 60, se trouvait ici. " Mais en réalité, l'Artel des Artistes n'a pas tout de suite acquis une salle au centre de la capitale, non loin de la place du Palais.
Tout a commencé beaucoup plus modestement. En souvenir de l'organisation d'Artel, Kramskoï écrivit à Stasov avant sa mort :« … alors il fallait d'abord manger et manger, puisque les 14 personnes avaient deux chaises et une table à trois pieds. Ceux qui avaient au moins quelque chose avaient disparu immédiatement. » « Après de longues délibérations, ” Repin a écrit, "ils sont arrivés à la conclusion qu'il est nécessaire d'arranger, avec l'autorisation du gouvernement, l'Artel des Artistes - une sorte d'entreprise d'art, atelier et bureau acceptant les commandes de la rue, avec un signe et une charte approuvée. Ils ont loué un grand appartement dans la dix-septième ligne de l'île Vassilievski et ont déménagé (la plupart d'entre eux) pour y vivre ensemble. Et puis ils ont immédiatement pris vie, reconforté. Une grande pièce lumineuse commune, des chambres confortables pour tous, leur propre foyer, qui a été menée par la femme de Kramskoy, tout cela les encourageait. La vie est devenue plus amusante, et quelques commandes sont apparues. La société, c'est le pouvoir. » Il y a donc eu la première association d'artistes organisée par Kramskoy. Cela a permis à de nombreux artistes talentueux non seulement de survivre, mais pour réussir, reconnaissance et indépendance financière, lequel, à la fin, causé une nouvelle désintégration complète de l'organisation.
Vie personnelle et intérêt pour la psychologie
Ivan Nikolaevich a toujours été sûr que son élue serait sa fidèle petite amie, partagerait avec lui toutes les épreuves de la vie d'artiste. Sophie Nikolaïevna, qui est devenue sa femme, pleinement réalisé ses rêves de bonheur personnel. Dans une des lettres de l'artiste à sa femme, on lit :« … non seulement tu ne me déranges pas d'être artiste et camarade de mes camarades, mais même comme si vous étiez vous-même devenu un véritable artisan… ». Kramskoy a peint à plusieurs reprises des portraits de Sofia Nikolaevna. Et bien qu'il serait trop audacieux de l'appeler la « muse » de l'artiste, elle était sans aucun doute l'idéal d'une femme pour lui. La meilleure confirmation en est ses images créées dans des portraits des années 60. Les caractéristiques communes à toutes les peintures sont l'intégrité, l'indépendance et la fierté de leur héroïne, leur permettant de voir en elle une « femme nouvelle », qui en même temps n'a pas perdu sa vraie féminité, poésie et douceur.
Ces qualités sont particulièrement visibles dans son portrait graphique, appartenant à la Galerie Tretiakov (années 1860). Un jeune, femme charmante et douce avec un caractère volontaire, comme nous le dit un tour de tête énergique et un strict, mais regard ouvert.
Le tableau "Lecture. Portrait de S. N. Kramskoy ", peint en 1863, rappelle les portraits féminins lyriques du début du XIXe siècle. La couleur de l'image est basée sur une combinaison de nuances de vert clair, lilas et autres couleurs délicates. Un grand rôle dans la toile est joué par le paysage et les quelques, des accessoires soigneusement sélectionnés qui contribuent à transmettre l'attrait évident de l'héroïne du portrait. Un jeune couple de Kramsky a été capturé en 1865 par leur ami commun "artisan" N. A. Koshelev. Dans l'image "Kramskoy avec sa femme", nous voyons un sketch lyrique :Sofia Nikolaevna joue du piano, tandis qu'Ivan Nikolaevich est tombé dans la pensée de l'accompagnement de sa musique.
Dans les années 60, Kramskoy a réalisé de nombreux portraits graphiques de ses amis :N. A. Koshelev, époux Dmitriev-Orenbourg, M. B. Tulinov, I. I. Chichkine, renforçant de plus en plus leur psychologie. Vrai, la photographie en plein développement, il semblerait, a commencé à supplanter les portraits graphiques artistiques et picturaux coûteux. Il semblait que l'appareil photo était disponible absolument tout ce qu'il pouvait non seulement capturer avec précision l'apparence de la pose, mais aussi avantageusement souligner les détails nécessaires du costume, atmosphère riche, bijoux, etc. Mais, comme le temps l'a montré, il ne pouvait pas faire une chose - regarder à l'intérieur d'une personne, lui donner une certaine évaluation sociale et psychologique. Cela ne restait réalisable que dans le portrait réalisé par l'artiste.
C'est cela - l'amélioration du portrait psychologique - que de nombreux maîtres, y compris N.N. Hé, V.G. Perov et I.N. Kramskoï. La montée en puissance du portrait réaliste russe a coïncidé avec le début de l'ère de Wanderer et la fin de l'ère Artel, qui a perdu son sens originel avec le temps.
Partenariat des Vagabonds
La super idée de créer le TPHV, qui a joué un grand rôle dans la vie de l'art russe, appartenait à un groupe d'artistes éminents de Moscou et de Saint-Pétersbourg, et le célèbre écrivain de genre G. G. Myasoedov a été l'initiateur direct de l'initiative. Il a écrit une lettre à Artel, ne s'y réunissant qu'avec le soutien de membres individuels, principalement - I.N. Kramskoï.
En toge, en 1870, une organisation a été créée qui pourrait libérer l'art démocratique russe de la tutelle de l'État, rallier des artistes de premier plan autour d'une association fondée sur le principe de l'intérêt matériel personnel de tous ses membres. L'objectif principal du Partenariat était le développement de l'art. La pratique des expositions itinérantes a ouvert la possibilité d'une communication directe entre les artistes et un large public, tout en soulevant les problèmes les plus urgents de notre temps.
Au cours de plusieurs décennies, après-midi a acquis plusieurs des meilleures œuvres des Wanderers dans sa collection. Tretiakov. 28 novembre (12 décembre selon le nouveau style), 1871, la première exposition du Partenariat a eu lieu à Saint-Pétersbourg. Il est à noter que c'était à Kramsky, un homme aux principes et aux convictions extrêmement fermes, que le Partenariat des expositions d'art itinérant créé a été obligé de très vite dépasser les tâches de l'organisation d'expositions et de devenir une véritable école d'art russe avancé.
Ivan Nikolaïevitch lui-même, organiser le Partenariat et guider sa vie créative, trouve en lui ce « vivier » qui lui permet d'atteindre ses propres sommets artistiques. L'apogée de l'Association des vagabonds a coïncidé avec l'apogée du travail de Kramskoy, et en tant que peintre, et en tant que critique-publiciste, auteur d'un certain nombre d'articles très sérieux dans lesquels il exprime ses réflexions sur le sort de l'art et sa haute mission sociale.
Dans de nombreuses lettres à diverses personnes, on peut lire de nombreux commentaires intéressants de Kramskoy sur les grands maîtres du passé et les artistes russes et européens contemporains. Le moment le plus remarquable dans le raisonnement critique de l'artiste était qu'il les écrivait non pas tant pour apprendre aux autres à exprimer ce travail interne énorme et continu qui s'accomplissait en lui-même.
Kramskoï, dans ses vues esthétiques, était un partisan constant des enseignements des grands démocrates V.G. Belinsky et N.G. Tchernychevski. Il a écrit, croire que seule la vie elle-même peut être à la base de la création artistique :« C'est mauvais quand l'art devient législateur !.. Les intérêts sérieux des gens doivent toujours passer avant les moins importants.
Kramskoy a soutenu que « l'art ne peut être autre que national. Nulle part et jamais il n'y a eu d'autre art, et si l'art humain dit universel existe, elle n'est due qu'au fait qu'elle a été exprimée par une nation qui s'est dressée face au développement humain universel. Et si jamais dans un avenir lointain la Russie est destinée à occuper une telle position entre les peuples, puis l'art russe, étant profondément national, deviendra universel. "
Image du Christ
A l'apogée de l'art impressionniste en France, Repin, qui était à Paris et admirait leur travail, a écrit que "nous", c'est-à-dire les Russes, "un peuple complètement différent, en outre, en développement (artistique. - V.R.) nous sommes dans une phase antérieure. » En réponse à la remarque de Kramskoy selon laquelle les artistes russes devraient enfin « aux couleurs, » Repin dit :« … notre tâche est contente. La face, l'âme de l'homme, le drame de la vie, les impressions de la nature, sa vie et son sens, l'esprit de l'histoire - ce sont nos thèmes… nos couleurs sont un instrument, ils doivent exprimer nos pensées, notre couleur n'est pas des taches élégantes, il doit exprimer l'ambiance de l'image, son âme, il doit positionner et capter l'ensemble de l'audience, comme un accord en musique. "
Il convient de noter que des idées similaires ont été exprimées par de nombreuses figures de la culture russe de F.M. Dostoïevski à M.P. Moussorgski. Ils ont été directement incarnés dans les œuvres d'I.N. Kramskoï.
L'œuvre la plus importante dans l'œuvre de l'artiste est le tableau « Le Christ dans le désert » (1872) présenté à la deuxième exposition de l'Association des vagabonds (1872), dont l'idée est née il y a longtemps. L'artiste a déclaré qu'elle était devenue le dépositaire des idées les plus importantes pour lui :« Sous l'influence d'un certain nombre d'impressions, une sensation de vie très lourde s'est installée en moi. Je vois bien qu'il y a un moment dans la vie de chaque personne, créé le moins du monde à l'image et à la ressemblance de Dieu, quand il y réfléchit - s'il faut aller à droite ou à gauche?.. Nous savons tous comment une telle oscillation se termine généralement. Élargir la pensée plus loin, embrasser l'humanité en général, JE, de ma propre expérience, de mon petit original, et seulement de lui seul, peut deviner le terrible drame qui s'est joué lors des crises historiques. Et maintenant, j'ai un besoin terrible de dire aux autres ce que je pense. Mais comment dire ? Comment, de quelle manière puis-je être compris ? Par la nature de la nature, le langage du hiéroglyphe m'est le plus accessible. Et puis j'ai une fois… j'ai vu un personnage assis dans une profonde réflexion… Sa pensée était si sérieuse et profonde que je l'ai mis constamment dans une position… Il est devenu clair pour moi qu'il était occupé avec un problème important pour lui, tellement important qu'il est insensible à la terrible fatigue physique… Qui était-ce ? qu'il est insensible à la terrible fatigue physique… Qui était-ce ? qu'il est insensible à la terrible fatigue physique… Qui était-ce ? Je ne sais pas. Selon toute vraisemblance, c'était une hallucination; Je n'ai vraiment pas dû le voir. Il m'a semblé que c'était le mieux adapté à ce que je voulais raconter. Alors je n'ai même pas eu besoin d'inventer quoi que ce soit, J'ai juste essayé de copier. Et quand il a fini, il lui a donné un nom audacieux. Mais si je pouvais, à l'époque où je le regardais, écris le, est-ce Christ ? Je ne sais pas…".
Nous pouvons juger combien de temps et d'efforts l'artiste a travaillé pour créer cette image très «correcte» par le grand nombre de dessins et de croquis réalisés en préparation de l'œuvre principale. L'importance de cette image pour Kramskoy peut être jugée par le fait qu'il a continué à terminer son travail même après son affichage dans la galerie Tretiakov.
L'artiste a représenté le Christ assis sur du gris, pierres froides, le sol du désert est mort, il semble que Jésus a erré là où le pied humain n'avait pas encore mis le pied. Un équilibre délicat du niveau de l'horizon divisant l'espace de travail en deux, Sa figure domine à la fois l'espace de la toile, dessinant une silhouette claire contre le ciel, et est en harmonie avec le monde terrestre représenté sur la toile. Cela aide seulement l'artiste à approfondir le drame intérieur de son héros. Il n'y a aucune action dans l'image, mais le spectateur semble ressentir la vie de l'esprit, l'œuvre des pensées du fils de Dieu, résoudre par lui-même un problème important.
Ses jambes sont blessées sur des pierres tranchantes, la figure est courbée, ses mains sont douloureusement serrées. Pendant ce temps, le visage émacié de Jésus n'exprime pas seulement sa souffrance, mais malgré tout, exprime une grande volonté, fidélité sans bornes à l'idée à laquelle il a subordonné toute sa vie.
« Il s'assit alors quand le soleil était encore devant lui, assis fatigué, épuisé, d'abord il regarda le soleil, alors n'a pas remarqué la nuit, et à l'aube, quand le soleil devrait se lever derrière lui, il resta assis immobile. Et on ne peut pas dire qu'il était complètement insensible aux sensations :non, il, sous l'influence de l'apparition du froid matinal, instinctivement pressé ses coudes plus près de son corps, et seulement, cependant, ses lèvres semblaient se dessécher, collés ensemble d'un long silence, et seuls ses yeux trahissaient le travail intérieur, bien qu'ils n'aient rien vu… ".
L'auteur s'adresse à ses contemporains, soulevant dans cette œuvre de grands et éternels problèmes humains universels, posant devant eux la difficile question du choix d'un chemin de vie. En Russie à cette époque, il y avait beaucoup de gens qui étaient prêts à se sacrifier pour la vérité, bonté et justice. Jeunes révolutionnaires, qui devinrent bientôt les héros de nombreuses œuvres de la littérature et de la peinture démocratiques, se préparaient à « aller vers le peuple ». Le lien étroit entre les peintures de Kramskoy et la vie était évident, mais l'artiste a voulu créer un programme de travail :« Et alors, ce n'est pas le Christ, C'est, Je ne sais pas qui c'est. Ceci est l'expression de mes pensées personnelles. Quel instant ? Transition. Qu'est-ce qui s'ensuit? Suite dans le tome suivant. " Le très « prochain livre » était censé être la toile « Rire » (« Réjouis-toi, roi des Juifs!", 1877-1882).
En 1872, Kramskoy a écrit à F. A. Vasiliev:"Nous devons aussi écrire" Christ ", nous devons certainement, C'est, pas vraiment lui, mais cette foule qui rit à tue-tête, avec toutes les forces de leurs énormes poumons d'animaux… Ce rire me hante depuis tant d'années maintenant. Ce n'est pas si dur que c'est dur, mais c'est dur qu'ils rient. « Le Christ devant la foule, ridiculisé, craché dessus, mais « il est calme comme une statue, pâle comme une toile." "Alors que nous ne parlons pas sérieusement de bonté, honnêteté, nous sommes tous en harmonie, essayer de mettre sérieusement en œuvre les idées chrétiennes dans la vie, voir comment le rire monte autour. Ce rire me hante partout, partout où je vais, partout où je l'entends. "
« Poursuivre sérieusement les idées chrétiennes » pour l'artiste ne signifiait pas du tout affirmer les dogmes de l'orthodoxie officielle, c'était un désir de prôner une véritable moralité, humanité. Le personnage principal de "Rire" était la personnification non seulement des idées de Kramskoy lui-même, il résumait les pensées de nombreux représentants honnêtes de l'époque, qui, une rencontre directe avec l'impolitesse, cynisme destructeur, avidité, a clairement démontré que le bien abstrait ne pouvait tout simplement pas vaincre le mal réel et réel.
paroles de chanson
Dans la vie de Kramskoï, au milieu de sa vie, il y avait un certain drame lié à celui que vivait Ivanov à la fin de son voyage. L'artiste a commencé à penser que l'échec créatif qui lui était arrivé (l'œuvre «Rire» n'a jamais été achevée) est une conséquence de l'erreur de sa position idéologique choisie dans son ensemble. Ces doutes ont été générés par le maximalisme utopique caractéristique de bon nombre des meilleurs représentants de l'intelligentsia russe. L'artiste a réussi à résoudre la tâche difficile, qu'il tenta en vain sous la forme d'un cycle d'œuvres sur le Christ, dans ses magnifiques portraits des années 70-80, incarnant dans sa grande galerie d'images d'écrivains russes avancés, scientifiques, artistes et figures de la scène personnalités de haute moralité.
Dans les mêmes années 70, Kramskoy écrit un certain nombre d'œuvres lyriques qui ne lui étaient pas particulières auparavant, dont un exemple frappant est le tableau « Inspection de la vieille maison » (1873), qui raconte le "nid noble" abandonné et en train de s'effondrer, auquel son propriétaire est retourné, après de nombreuses années d'absence. « Le vieux monsieur pur-sang, un baccalauréat, « enfin « arrive dans son domaine familial après une longue, très longtemps et retrouve le domaine en ruine :le plafond s'est effondré à un endroit, partout il y a de la toile d'araignée et de la moisissure, de nombreux portraits d'ancêtres sont accrochés aux murs. Deux personnalités féminines le conduisent sous ses bras... Derrière elles - l'acheteur - un gros marchand...".
On voit un vieil homme se déplacer lentement le long de l'enfilade de pièces d'un domaine familial abandonné. Alors il entra dans le salon, accroché avec des portraits de ses ancêtres assombris de temps en temps, vu des meubles anciens en toiles grises, il semble que même l'air de cette vieille maison soit peint dans des tons fumés et poussiéreux, le temps s'est arrêté ici, et la timide lumière des fenêtres ne parvient pas à dissiper cette brume du passé.
Comme N.A. l'a mentionné dans ses lettres Mudrogel - l'un des plus anciens employés de la Galerie Tretiakov, très probablement "dans l'image" Inspection de la vieille maison "Kramskoy s'est dépeint." Le témoignage d'un contemporain est d'un intérêt certain, même si, même si c'est vrai, l'artiste ne s'est pas contenté d'essayer cette triste situation lyrique. Kramskoy investi dans son image a créé une large signification sociale poétique et profonde.
Comme tu le sais, le tableau est resté inachevé. Peut-être Kramskoï, en tant qu'actif, actif, personne purement « publique », ne s'est tout simplement pas autorisé à se détendre, entrer dans le canal lyrique, surmonter cette faiblesse en lui-même, pour travailler sur des œuvres d'une toute autre signification sociale, plus important, à son avis, dans les conditions d'une situation socio-artistique difficile en Russie dans les années 1870. « En substance, Je n'ai jamais aimé les portraits, et si je le faisais passablement, c'était seulement parce que j'aimais et j'aime la physionomie humaine… Je suis devenu portraitiste par nécessité, " a écrit Ivan Nikolaïevitch. Il est évident, cependant, que la seule « nécessité » n'aurait pas pu faire de lui un maître exceptionnel du portrait.
Portrait de Tolstoï
La nécessité de prouver que, selon les idées de Chernyshevsky, « La personne humaine est la plus haute beauté du monde, accessible à nos sens, » a suscité chez Kramskoy un vif intérêt pour la « physionomie humaine ». Grâce à l'intérêt de l'artiste à refléter l'âme humaine, les portraits créés par le maître à cette époque ont été une contribution inestimable aux beaux-arts russes des années 1860 et 80.
« Les portraits que vous avez maintenant, " C'EST À DIRE. Répine lui écrivit en 1881, « représentez les visages de la chère nation, ses meilleurs fils, qui ont apporté des avantages positifs à leurs activités altruistes, au profit et à la prospérité de leur terre natale, qui croyait en son avenir meilleur et se bat pour cette idée… » Ivan Nikolaevich Kramskoy est devenu l'un des fondateurs de la galerie de portraits, thanks to which we can now see the faces of people who played a huge role in the history and art of Russia. Among the first of them was Leo Tolstoy, whose first portraits were painted by Kramskoy.
To get a portrait of the great Russian writer in the collection was Tretyakov’s cherished dream, but so far no one has managed to persuade Lev Nikolaevich to pose. D'autre part, there was Kramskoy, who tried to persuade the collector to help the young talented artist F.A. Vasiliev, who was dying in the Crimea from consumption. Par conséquent, in 1873 Kramskoy, in order to pay Tretyakov’s debt for Vasiliev, persuaded Tolstoy to pose for him for two portraits:one was intended for a collector, the second for the writer’s house in Yasnaya Polyana.
Ivan Nikolaevich worked on both canvases in parallel, while trying to avoid absolute identity. Par conséquent, the writer’s family chose a portrait with a more intimate interpretation of Lev Nikolaevich, in which he is immersed in himself. Tretyakov got a portrait in which the writer, comme c'était, addresses the viewer. So the artist managed to simultaneously create two fundamentally different artistic images.
Both portraits have a number of common features. Premièrement, a neutral background, due to which the location of the figure in space ceases to play any role. Deuxièmement, the hands of the model are written out only in general terms. Troisièmement, the artist deliberately avoided expressive picturesqueness in color. Such restraint of the plastic decision made it possible to transfer all attention to the face of the forty-five-year-old Tolstoy - open, Facile, framed by a broad beard and a manly cut hair.
The main thing in the created portraits is the eyes of the writer, expressing the intense work of the thoughts of an intelligent and educated person. From the picture of Kramskoy, Tolstoy looks at us “adamantly and sternly, even coldly… not allowing himself to forget at least for a moment about his task of observation and analysis. He becomes a scientist, and his subject is the human soul, ”the prominent Soviet art critic D.V. Sarabyanov described his impression. It was the comprehension of Tolstoy’s powerful intellect that became the main goal and, bien sûr, represented the main difficulty that the artist encountered in this work.
Portraits of the great
Kramskoy painted many portraits commissioned by Tretyakov, paying tribute to this outstanding person. So in 1871, the artist writes from photographs a portrait of the great Ukrainian poet Taras Shevchenko. And in the winter of 1876, Ivan Nikolaevich became especially close to the family of the collector, working on portraits of Tretyakov’s wife Vera Nikolaevna, and Pavel Mikhailovich himself, in whom he always saw not a merchant, but an intellectual and a true patriot of Russian national culture, who firmly believed that “the Russian school of painting not the last will be. " In a small portrait of 1876, characterized by a certain "chamber" of artistic decision, Kramskoy tried to express the social significance of the person portrayed.
By order of Tretyakov, the artist created two images of the great Russian poet-democrat N.A. Nekrasov (1877-1878), the first of them is a portrait of Nikolai Alekseevich, the second is the painting "Nekrasov in the period of" Last Songs ". Work on these works was complicated by a serious illness of the poet. The artist managed to write it sometimes only ten to fifteen minutes a day, but by March 30, 1877, the portrait of N. A. Nekrasov was completed.
But the greatest value is not he, but the painting "Nekrasov in the period of" The Last Songs ", in which the selection of household details helped to create an accurate image of the poet. A pale, dressed in all white, seriously ill Nekrasov sits on the bed, completely lost in thoughts. And the photographs of N. A. Dobrolyubov and I. S. Turgenev, hung on the walls of his office, as well as a bust of V. G. Belinsky, an ideological mentor and great friend Nekrasov, convey the atmosphere of a rich, intense creative life, making you feel like a great poet immortal.
It is interesting that if you look closely at the surface of the canvas of the picture, it is easy to notice that several seams cross it. The image of the poet’s head is made on a separate fragment, the initial position of which is not difficult to establish. Apparemment, at first the master portrayed the terminally ill poet as lying down, then rebuilding the composition, for greater expressiveness. Nekrasov appreciated Kramskoy’s talent by presenting him with a copy of his book “Last Songs”, on the title page of which he wrote:“Kramskoy as a keepsake. N. Nekrasov April 3 ".
Kramsky’s work on the images of the outstanding satirist writer M.E. Saltykov-Shchedrin turned out to be even more complex, stretching for several years. One of the two portraits created by the artist was also intended for the Tretyakov collection and was created from 1877 to 1879, undergoing endless alterations. Having completed the picture, Kramskoy writes to Tretyakov that this portrait “came out really very similar”, speaking of his artistic features, the master emphasizes:“The painting… came out Murugha, and imagine - with intent.”
As in the portrait of Tolstoy, the coloring of the work is very deaf, gloomy. Ainsi, the artist puts in the spotlight Shchedrin’s face, his high forehead, the mournfully lowered corners of his lips, et, le plus important, the demanding questioning look inherent only to him. An important role in creating the image of a satirical writer is played by hands - closed, with thin interlocked fingers, they are emphasized aristocratic, but not at all gentle.
The unifying idea for the portraits of Leo Tolstoy, N.A. Nekrasov, M.E. Saltykov-Shchedrin, P.M. Tretyakova, became the idea of high citizenship. En eux, Kramskoy saw the spiritual leaders of the nation, advanced people of their time. This left an imprint on the manner of portraying the portrayed. The artist deliberately “narrowed down” the boundaries of their personality in order to emphasize their social significance. Nothing, according to Kramskoy, should have distracted the viewer from the main thing - the spiritual component of the heroes of his portraits, and therefore the color of the paintings is so deaf.
When the artist painted portraits of writers, artists, in his opinion, who did not accumulate the “spiritual charge” of the era so powerfully, he made the pictorial-plastic solution of the work more free, uninhibited, which made the images of people depicted by him lively and direct. To works of this kind can be attributed a portrait of Ivan Ivanovich Shishkin performed by the painter in 1873. This work, like the canvas "Nekrasov in the period of" The Last Songs ", belongs to the category of portraits, peintures, as it combines two principles at once - portrait and landscape.
The image of nature created in this work is not just a natural background for the image of the master of the landscape, but the element in which he lived and worked. The lyrical and at the same time majestic landscape (a clear blue sky with light clouds floating on it, the mysterious silhouette of a forest and tall grass at Shishkin’s feet), not only recreates the appearance of a particular area, but represents a generalized expression of Russian nature, as it was depicted in the 70s years, including I. I. Shishkin himself.
The artist sought to emphasize his indissoluble unity with the outside world. The slender but powerful figure of a landscape painter, his strong-willed open face, outward simplicity and at the same time the undeniable greatness of his appearance, the way he peers calmly and in a businesslike way to endless distances, all this accurately conveys Kramsky’s view of Shishkin as a “man-school” ", " Milestone in the development of the Russian landscape. "
Plus tard, in 1880, Kramskoy will write another portrait of the great singer of Russian nature. Dedans, the artist will again be amazed at his physical strength, noting that with age, Shishkin’s personality became richer and more complex.
Extraordinary portraiture gift
Among the many portraits of Russian writers and artists painted in the 70s, most of which Kramskoy painted for P.M. Tretyakov, were I.A. Goncharova, I.E. Repin, I.P. Polonsky, P.I. Melnikov-Pechersky, M.M. Antokolsky, S.T. Aksakova, F.A. Vasiliev, M.K. Klodt and many others.
Two portraits can be especially distinguished - the writer Dmitry Vasilievich Grigorovich (1876) and the painter Alexander Dmitrievich Litovchenko (1878).
Creating a portrait of the author of the then popular Anton-Goremyk novel, the master vigilantly noticed Grigorovich’s usual bariness of posture and a kind of indulgence and complacency in his eyes, characteristic of a person who was not used to delving into the complexity of life around him. A stressed theatrical gesture of a hand with a gold-framed pince-nez between his thin fingers. “This is not a portrait, but just a scene, drama!.. So Grigorovich is sitting in front of you with all his lies, French feuilletonism, boasting and laughter, ” V.V. Stasov enthusiastically wrote to Kramskoy. Although the artist himself, after a few years wrote a letter to the famous publisher A.S. Suvorin, tried to deflect the accusation of obvious tendentiousness, asserting that he did not want to “do anything funny, except for a completely natural passion for the visible characteristic form, without underlining.”As far as this is true, we probably will never know, but one thing is clear:today we are attracted to the portrait of D. V. Grigorovich precisely by the artist’s fascination with the “visible characteristic form”, which was the key to creating a surprisingly vivid and vibrant human image.
This is even more pronounced in a large-format portrait of A. D. Litovchenko. Dressed in a dense dark brown coat, the artist is depicted on a light gray-greenish background. A little “eroding” the moving contour outlining the figure, Kramskoy emphasized the natural ease of his model. The position of Litovchenko is unusually expressive, the right hand of which is laid with his free movement behind his back, and the left hand gracefully holds a cigar with a usual gesture. Fingers are not drawn, only outlined by several precise, dynamic strokes. It was no coincidence that Kramskoy “smeared” the edge of the sleeve framing this arm and made it deliberately fuzzy. So he convincingly conveyed the natural instantness of the gesture, exactly corresponding to the lively, changeable expression of the face of the hero of the portrait, framed by a lush beard. One can only guess about the lip pattern, but black as embers, the eyes of the person portrayed look so piercingly sharp, in the best way expressing all the immediacy of his nature, that the whole image of Litovchenko is perceived "as alive." The artist uses stingy, but extremely expressive details with amazing accuracy:the cap of the conical shape perfectly completes the silhouette of the artist’s figure as a whole, as well as the light yellow gloves that casually peek out from the pocket of Litovchenko’s coat and complete his image.Litovchenko’s coat carelessly peeking out of his pocket completes his look.Litovchenko’s coat carelessly peeking out of his pocket completes his look.
The portrait of A. D. Litovchenko is without a doubt one of Kramskoi’s greatest creative successes. His image turned out to be so lively and brightly individual thanks to the high pictorial merits of this picture, “by fire, passion and vitality of quick execution, similar to impromptu” (V. Stasov).
Ivan Nikolaevich no longer “draws” with a brush, as it was in many of his paintings, how many he writes, widely, temperamentously, lining up a plastic form with color, anticipating the best portrait canvases by I.E. Repin. Struck by his powerful expression, M.P. Mussorgsky would respond so much about his work:“Going to the portrait of Litovchenko, I rebounded…” he wrote to V.V. Stasov. - What a miracle Kramskoy! This is not a canvas - it is life, art, Puissance, sought in creativity! "
We can see what the artist himself had become by this time, thanks to his 1874 Self-Portrait. A small format picture was clearly written "for myself." Saturated dark red background contributes to the creation of an atmosphere of emphasized concentration in the portrait. Kramskoï, peering into his own face, shows how over the years his composure and perseverance, developed by a difficult life and constant work, have increased. His gaze became much deeper and sadder than in the self-portrait of 1867, in which the master seemed to publicly declare his position as a wrestling artist. Maintenant, without retreating a single step from the chosen path, he confesses to himself how enormous spiritual strength this endurance and courage require.
“Until now, only portraits of men have been successful for Mr. Kramskoy, ” wrote one of the seventh mobile observers, “but the current exhibition has shown that a woman’s portrait, which is incomparably more difficult, is equally accessible to him.”
A true remark, especially considering that before Kramskoy such a democratic kind of female portrait, the merit of the development of which belongs entirely to him, did not exist in Russian painting.
The image of the Russian people
Kramskoy often wrote that, living in St. Petersburg, he felt the brunt of the oppressive public atmosphere, he even said that the "Petersburg climate", which he had always tried to resist, "kills Russian art and artists." In this sensation, he had many like-minded people. Let us recall A. Pushkin, who said that the “North is harmful” to him, K. P. Bryullov, qui, returning from Italy, bathed in the glory of glory, but wrote that he was “moping, ” because he was “afraid of the climate and bondage.”
“He pulls me out of Petersburg, ” Kramskoy wrote, “it makes me sick!” Where is pulling, why sick?.. Where is peace? Oui, and that would be nothing if rich and unimaginably huge material did not lie outside the cities, there, in the depths of marshes, forests and impassable roads. What kind of faces, what kind of figures! Oui, the waters of Baden-Baden help the other, Paris and France to the other, and the third… suma, yes freedom! ” Responding vividly to the emerging “going to the people”, the artist wrote that “sitting in the center… you begin to lose the nerve of a wide free life; too far outskirts, and the people are something that can give! Oh my god, what a huge spring! Have only ears to hear, and eyes to see… It pulls me out, that’s how it pulls! ” It was among the people of Kramskoy who saw the main force of life, discovering in it a new source of creative inspiration.
The images of peasants in the works of I. N. Kramskoy are very diverse. This is the "Contemplator" (1876, Kiev Museum of Russian Art), a philosopher, a seeker of eternal truth, and a beekeeper living a life unified with nature ("Pasechnik", 1872), and "Little Man with a Hook" (1872, Tallinn Art Museum) - lived a long, joyless century, a clogged old peasant. There are other images, such as the hero of the painting “Village Warden” (“Miller”, 1873), or the mighty, stern man on the canvas of 1874 “The Head of the Peasant” (Penza Art Gallery of K. A. Savitsky).
But the most significant work on a folk theme was the picture of 1874 "Woodland". Regarding her, Kramskoy writes to P. M. Tretyakov:“… my sketch in a shot hat, according to the plan, should depict one of those types (they are in the Russian people) that understand much of the social and political system of folk life with their mind, and who deeply settled discontent bordering on hatred. Of these people, in difficult times Stenka Razina and Pugacheva gain their gangs, and in ordinary times - they act alone, where and how they will, but never put up. The type is unsympathetic, Je connais, but I also know that there are many, I saw them. "
Dans la période tardive de la créativité, the artist also turned to the peasant theme. In 1882, a "study of a Russian peasant" was created - a portrait of Mina Moiseyev. In 1883, the painting “The Peasant with a Bridle” (Kiev Museum of Russian Art). In these two works, the master created two diametrically opposite images, écrit, cependant, from the same model.
Late period of creativity
Despite the political defeat of democratic thought in Russia in the 70-80s of the 19th century, which was literally crushed by the regime, Russian democratic art was experiencing an unprecedented high rise. Significant changes were taking place in the life of the Partnership of Traveling Art Exhibitions; the work of such titans of Russian fine art as I. E. Repin and V. I. Surikov came to the fore. Ivan Nikolaevich Kramskoy continued to work hard and hard. Despite the high authority that the artist had among his contemporaries, it became increasingly difficult for him to work. Evidence of this is the unfinished picture "Laughter" for many years, the very idea of which no longer corresponded to the needs of the community. Par conséquent, Kramskoy had only portraits left.
Au cours de cette période, l'artiste, with his inherent skill and psychologism, paints portraits of I. I. Shishkin, the outstanding figure in Russian medicine S. P. Botkin and artist V. V. Samoilov. De plus, Kramskoy not only looked worthy next to younger portrait painters, such as I. E. Repin and N. A. Yaroshenko, but continued to play the role of a “teacher” for them. And their paintings, à son tour, carried a reflection of Kramskoy’s art.
Néanmoins, the artist understood that he needed to grow somewhere, to look for new ways for his work. He is trying his hand at a ceremonial portrait, looking for new lighting and color solutions, panting at the same time, under the weight of constant orders. Hurrying to provide families as best as possible and realizing that his strength was running out, Kramskoy darted between time-consuming creative searches and fast work, which sometimes did not lead to the best result. L'artiste, who was highly respected and even honored, was hard on these failures.
The requirements that life itself presented to art changed, donc, and the art system had to change. In 1883, a young artist K. A. Korovin, a student of A. K. Savrasov and V. D. Polenov, wrote a sketch “Chorus Girl” at the Moscow School of Music and Arts, taking for him an unusual motif and very bold painting techniques. Even Polenov, familiar with the work of the French impressionists, was struck by this bold experiment of the artist, deciding that he was far ahead of his time. Cependant, soon a close friend of Korovin, V. A. Serov will write his “Girl with Peaches” (1887), turning the portrait of twelve-year-old Vera - the daughter of the famous Moscow industrialist S. I. Mamontov, into a radiant image of youth.
In an effort to capture the essence of new trends, Kramskoy writes his “Unknown” (1883) - one of his most mysterious paintings. Here is how the art historian N. G. Mashkovtsev describes the painting:“A young woman is depicted in a stroller against the background of the Anichkov Palace, painted in rusty red. This color is softened by winter fog, as well as the contours of architecture. With a greater clarity, the female figure comes to the fore. She is dressed with all the luxury of fashion. She sat back in the crew, upholstered in dark yellow leather. In her face is the pride of a woman conscious of her charm. In no portrait did Kramskoy pay so much attention to accessories - velvet, silk, fourrure. The dark glove, tightly covering the hand, like a second skin, thin and translucent, through which a living body is felt, is written with some special warmth. Who is she, this captivating woman, it remains unknown. "
Many believe that Kramskoy portrayed Anna Karenina as a symbol of the new position of a woman in society, such as it should become. This version has both supporters and opponents, but it would be more correct to assume that the artist I.N. Kramskoï, and the writer L.G. Tolstoy, creating their female images, invested in them something more than a portrait of a specific woman, namely, their idea of the ideal of a modern woman. Like Tolstoy, Kramskoï, defending the human dignity of a woman, he set himself the task of trying to realize his idea of the moral and aesthetic category of beauty through the visible, “objective”, attractiveness of the model.
In 1884, the artist completed his painting "Inconsolable grief", conceived back in the late 70s. The plot of the canvas is inspired by the personal grief of the master - the death at an early age of his two younger sons. Through this work, which has an unusual number of sketches and sketches (showing how important it was for Kramskoy) for the artist, he transferred his own grief and grief to his wife, Sophia Nikolaevna. Investing in the picture a lot of personal, deeply hidden, the painter at the same time sought to maximize and deepen its content. Precisely and sparingly selected elements bring us into the atmosphere of the house, into which great grief came, transmitted, cependant, very restrained, without melodramatic excesses, only the reddish glow of the funeral candles flickering behind the curtains suggests its cause.
The compositional and semantic center of the canvas is the image of a woman full of drama. Her strained straight figure, the mournful gaze of those who do not see eyes, the scarf brought to her lips, testifying to the barely restrained sobs, reveal the whole depth of her suffering. Such a psychological expressiveness of the image did not easily go to the artist. “I sincerely sympathized with maternal grief, ” Kramskoy wrote to P. M. Tretyakov. “I was looking for a long clean form and finally settled on this form…” It was the strict form, achieved without unnecessary theatricality, that allowed him to create the image of a strong-willed person, and the monumental structure of the canvas helped convey feelings and emotions, like a personality drama that the master is trying to raise to the level of a large social phenomenon.
It should be noted that in contrast to the portraits of the 70s, in which the feelings of the heroes of Kramskoy were more likely marked by the seal of high citizenship, the characters of later works live in a much more closed world of personal experiences.
Kramsky’s letters to his friends tell us how difficult the last period of his life was for him. In 1883 he writes P.M. To Tretyakov:“… I confess that circumstances are beyond my character and will. I am broken by life and have far from done what I wanted and what I should have… ". At the same time, a letter was written to the artist P. O. Kovalevsky:“I have been working in darkness for a long time. Near me there is already nobody who, like a voice of conscience or the trumpet of the archangel, would notify a person:“Where is he going? Is it a real road or lost? ” There is nothing more to expect from me; I myself have already stopped waiting for myself. "
Cependant, the master worked until his last day. For five hours a day, he conducted portrait sessions, constantly crying out in pain, but almost noticing this, he was so carried away by his creative process. So it was on the last day of the painter. Feeling a surge of vigor in the morning, he painted a portrait of Dr. Rauchfus. Soudainement, his gaze stopped and he fell right on his palette. It was March 24, 1887.
“I don’t remember the more cordial and touching the funeral!.. Peace be upon you, a mighty Russian man who has gotten out of the insignificance and dirt of the backwoods, ” wrote I. E. Repin subsequently about the wires to the last journey of his old friend.
In the same 1887, a large posthumous exhibition of the works of the great Russian master was organized, accompanied by the publication of a detailed illustrated catalog. Un an plus tard, a book was published dedicated to the life and work of Ivan Nikolaevich Kramskoy.
