Francisco de Goya et Lucientes (1746-1828)
Le représentant exceptionnel de l'école espagnole de peinture, Francisco José de Goya i Lucientes, est un artiste unique qui a réussi à incarner dans son art le destin tragique du peuple espagnol, ses espérances et ses souffrances innombrables, durablement enduré avec une vitalité sans fin. L'inspiration pour l'artiste était les événements réels qui se déroulaient dans son pays. N'ayant d'autre pouvoir que le pouvoir de l'art, l'artiste à travers ses peintures a exprimé son attitude personnelle à l'égard de la réalité qui l'entourait et de ce qui se passait dans sa patrie bien-aimée.
Photos de Francisco de Goya y Lucientes
Les premières années du grand maître
Le futur grand artiste Francisco Goya est né dans le petit village de Fuentetodos, situé parmi les rochers aragonais dans la partie nord de l'Espagne, le 30 mars, 1746 dans la famille du maître doreur José Goya. Le père de l'artiste n'était pas un roturier, il venait d'une famille d'un notaire riche qui a reçu sa spécialité à Saragosse. Cette situation lui a permis d'épouser un représentant des couches les plus basses de la noblesse espagnole, Don Garcia Lucientes. Après un mariage modeste, la jeune famille s'installe au domaine, hérité et situé à Fuentetodos. Selon la loi espagnole de l'époque, les nobles ne pouvaient vivre que des revenus apportés par leurs biens, et n'avait pas le droit de travailler.
Dans cet état de choses, la famille Goya avait du mal à joindre les deux bouts. Cela a obligé le chef de famille à ramener sa maison à Saragosse, où il pourrait reprendre son métier. Ce qui s'est passé en 1759. Ayant légèrement amélioré sa situation financière après le déménagement, le père de famille envoya ses trois fils Thomas, Camille, et Francisco à l'école primaire du père de Joaquin. Je dois dire que l'éducation que les garçons y ont reçue est difficile à qualifier de bonne, Le Père Joaquin préférait la théologie à l'alphabétisation, qui s'est reflété dans toute la vie ultérieure de l'artiste. Jusqu'à la fin de sa vie, Goya a écrit avec des erreurs, et sa prononciation et son vocabulaire trahissaient incontestablement un roturier en lui. Vrai, il faut noter qu'à la fin du XVIIIe siècle en Espagne, une bonne éducation n'était accessible qu'à une poignée de l'élite.
Après avoir quitté l'école, Francisco entre dans une école jésuite à Saragosse. Son mentor, Père Pignatelle, a immédiatement remarqué les capacités artistiques exceptionnelles du garçon et l'a recommandé à son parent Jose Lusana y Martinez, qui était autrefois un peintre de cour. Le père Francisco ne s'y opposa pas et paya à son fils des cours d'art pendant quatre ans. Pendant ce temps, Francisco Goya n'a pas seulement compris les bases de la peinture et du dessin, mais a également créé de nombreuses gravures et eaux-fortes à partir des œuvres de maîtres espagnols exceptionnels. Déjà à cette heure, Francisco a fait preuve d'une persévérance et d'une détermination incroyables. Pour obtenir une expressivité maximale de l'image de divers mouvements du corps humain, le jeune artiste, en plus de l'atelier de Lucian, a également visité l'école de sculpture de Juan Ramirez. Dedans, il a fait des copies de sculptures et a créé des études d'étudiants. Il convient de noter qu'en Espagne de cette période il y avait un tabou sur les images d'un corps nu, surtout une femme, par conséquent, les cours de sculpture pour Goya étaient presque la seule occasion d'étudier l'anatomie humaine.
Grâce à sa persévérance, Francisco s'est rapidement imposé comme un brillant copiste, saisissant subtilement les traits de la manière et du style artistiques des peintres illustres. Grâce à ça, en 1760, il reçut sa première commande pour peindre un reliquaire dans une église de Fuentetodos. Malheureusement, ce travail a été complètement détruit en 1936 pendant la guerre civile espagnole. Mais son apparence peut être reconstituée à partir de photographies survivantes. Les côtés extérieurs des ailes du reliquaire en bois étaient décorés de l'image « L'apparition de la Madonna del Pilar devant Saint-Jacques », et à l'intérieur étaient représentés « St. François de Paula » et « Vierge à l'Enfant ». D'après les preuves qui subsistent, les contemporains ont loué le travail de l'artiste, bien que Goya, qui l'a vue, étant déjà à un âge avancé, s'indigne :« Ne dites pas que je l'ai peint ! ».
En 1763, Goya, dix-sept ans, qui a finalement décidé de relier sa vie à l'art, a quitté Saragosse et s'est rendu à Madrid. Les premières années du séjour de l'artiste dans la capitale espagnole sont entourées de secrets et de légendes. A partir d'informations fiables qui nous sont parvenues, on sait seulement qu'à la fin de 1763, immédiatement après son arrivée à Madrid, Francisco a demandé une bourse à la Royal Academy of Fine Arts de San Fernando, mais a été refusé. Ce que Goya a fait à Madrid pendant les deux années suivantes est complètement inconnu. En 1766, Francisco a participé à un concours annoncé par l'Académie sur un thème de l'histoire espagnole. La tâche était formulée comme suit :« Martha, l'impératrice de Byzance, arrive à Burgos chez le roi Alphonse le Sage pour lui demander une partie de la somme que le sultan a désignée pour racheter son mari, le captif de l'empereur Baudouin, et le monarque espagnol ordonne de lui donner ce montant." Ramon Bayer a reçu la médaille d'or du concours, et Goya a échoué, qui n'est devenu que l'un d'une série d'échecs qui l'ont poursuivi dans la première période de son travail.
Mais la participation à la compétition a apporté à Goya un certain avantage, où il a rencontré Ramon Bayeu et son frère Francisco, membre du jury académique, auquel il entra immédiatement les étudiants. Depuis environ trois ans, le jeune peintre a vécu et étudié dans la maison d'un nouveau mentor, au cours de laquelle il tomba passionnément amoureux de sa sœur Josef. L'affection de Goyal n'empêcha pas Goya de partir pour Rome en 1769, où il poursuit ses études.
Malheureusement, aucune information fiable sur les deux années de la vie de Francisco de Goya en Italie n'a été conservée. Les seules données qui subsistent mentionnent la participation de l'artiste à un concours organisé par l'Académie des beaux-arts de Parme. Dans le cadre du concours, il a créé le tableau "Hannibal, regarder des hauteurs des Alpes dans les champs d'Italie." La toile a rencontré un certain succès auprès du jury, cependant, Goya n'a pas encore eu de chance. Avec une marge d'une seule voix, la médaille d'or de la compétition est revenue à un autre.
Reconnaissance des talents
En 1771, Francisco Goya est retourné à Saragosse, déçu et fatigué de l'échec. Après plusieurs mois, l'artiste a finalement souri à la chance, il a reçu sa première commande. Il était nécessaire d'achever une série de peintures religieuses dans la chapelle du palais du comte local Gabard de Sobradiel. Goya a fait de son mieux, par conséquent, les fresques se sont avérées de très haute qualité et appréciées du client. Ce fut le premier succès significatif du peintre dans le domaine professionnel.
Bientôt, l'artiste a été chargé de réaliser une série d'esquisses pour les fresques de la coupole de la cathédrale de la Madonna del Pilar à Saragosse. Pour un mois de travail, Goya a réussi à créer des œuvres qui ont frappé les membres de la commission pour la reconstruction de la cathédrale. Ce fut le deuxième succès prouvant la capacité de Francisco à créer de superbes peintures murales. Même si, il convient de mentionner qu'un rôle important dans le fait que Goye a obtenu la commande a été joué par le prix des travaux, exposé par l'artiste lui-même par dix mille reais de moins que le reste des concurrents. Quoi qu'il en soit, au milieu de 1772, l'artiste avait terminé le travail sur la peinture du dôme. La fresque, intitulé « Adoration des anges au nom du Seigneur », a été réalisé dans le style baroque. Saturé de nombreuses figures d'anges représentés à l'image de belles femmes, dont la variété des angles souligne la dynamique de la composition, construit sur un mouvement continu, il a apporté à l'artiste un succès tant attendu et bien mérité.
La participation à la création du décor pittoresque de la cathédrale de la Madonna del Pilar a été un tournant dans la carrière de l'artiste. Au-delà du respect des concitoyens et du bien-être matériel, Goya a également reçu un flux constant de commandes, ce qui est si important pour tout artiste. Son travail suivant fut la création de tout un cycle de fresques pour le monastère de Aul Dei et l'église de di Menuel. Cela a permis à Francisco d'acquérir une position appropriée dans la société et de devenir l'artiste le plus titré de Saragosse. Il vint un moment où Goya put enfin se permettre de se marier.
Au début du printemps 1773, l'artiste s'est rendu à Madrid avec son professeur Francisco Bayeu pour demander les mains de sa sœur Josefa. Tout s'est bien passé, et les heureux amants se sont mariés lors d'une magnifique cérémonie, tenue le 25 juillet de la même année. Immédiatement après le mariage, les jeunes mariés sont allés à Saragosse, où Francisco attendait de nombreuses commandes inachevées. Aussi étrange que cela puisse paraître, pratiquement aucune information ne nous est parvenue sur le compagnon de vie du grand peintre, ni dans ses archives privées ni dans les archives de l'État, il n'y a ni ses lettres ni ses comptes rendus de ses contemporains, il n'y a même pas d'informations sur le nombre d'enfants nés en près de quarante ans de leur vie commune. Il est généralement admis que tous les enfants de l'artiste sont morts en bas âge, et un seul de ses fils, Francisco Javier Pedro, est devenu un véritable soutien pour son père et le successeur de son œuvre. Les biographes et les historiens de l'art ne peuvent que supposer que Josefa était une épouse dévouée et une gardienne attentionnée du foyer, mais visiblement elle s'intéressait très peu à la vie sociale. Seule la date de sa mort, 1812, est connue de manière fiable. Il est surprenant qu'au cours de sa longue vie de famille, Francisco Goya n'a peint qu'un seul portrait de sa femme.
Trouver un poste à la cour royale
Au début de 1774, des travaux à grande échelle ont commencé sur la reconstruction des tapisseries de la manufacture royale de Santa Barbara. La commission de restauration comprenait Antoine Rafael Mengsu et Francisco Bayeu. Le second était responsable de la distribution parmi les artistes prétendants des commandes pour la création d'esquisses de tapisseries futures. Grâce à ça, Goya et Ramon Bayeu ont reçu une grosse commande, qui leur a fourni un emploi permanent et bien rémunéré. Cette commande a facilité le déménagement de l'artiste à Madrid avec toute sa famille.
Les sujets des premiers croquis commandés par le peintre étaient la chasse et la pêche. Goya a rapidement réalisé des croquis de scènes thématiques sur carton. Malgré le style plutôt sec et sobre des croquis, avec pratiquement aucun espace élaboré autour des personnages, ils ont reçu l'approbation du roi, et l'artiste a obtenu une nouvelle commande, dont le thème était une scène de la vie des Espagnols ordinaires.
C'est là que le vrai talent du peintre s'est révélé. Ces croquis ont jeté les bases d'une série d'œuvres ingénieuses qui ont glorifié l'artiste pendant de nombreux siècles. Il choisit des jeunes femmes (mahi) vêtues de couleurs vives et leurs compagnes colorées (maho) comme héros de ses cartons. Les compositions sont basées sur des histoires de la vie des gens :jeux, vacances, scènes de rue. Les tons riches en sons des peintures transmettent de manière réaliste l'ambiance insouciante du plaisir universel. Dans ses œuvres, l'artiste avec une grande observation a montré une variété de types folkloriques et de costumes nationaux vibrants, ainsi que les loisirs et les mœurs de la jeunesse urbaine. Selon les goûts de son temps, le maître idéalise légèrement les formes de ses personnages. Mais la palette de couleurs de l'artiste est montrée ici dans toute sa splendeur - de nombreuses nuances de couleurs de divers tons ont immédiatement distingué Goya parmi ses contemporains.
Les œuvres les plus marquantes de cette période comprennent les peintures « Vendeur de vaisselle » (1779, Musée du Prado, Madrid), « Fêtes de la Saint-Isidore » (1788, Musée du Prado, Madrid), "Maha et ses fans" (1777), Musée du Prado, Madrid) et autres. Mais le meilleur d'entre eux est le carton de la tapisserie des Parapluies (Musée du Prado, Madrid), écrit en 1776. L'esquisse est une esquisse de genre simple. Au premier plan se trouve une jolie fille dans une pose élégante, comme si elle se montrait au spectateur, un sourire envoûtant sur ses lèvres. Le jeune compagnon de la fille se tient à sa gauche, bloquer la jeune femme des rayons du soleil avec un parapluie ouvert. La composition du carton est imprégnée de la joie et de l'insouciance de la vie. Le point culminant de la photo était le complexe, éclairage presque fantastique, avec lequel Goya crée une saveur musicale harmonieuse, construit sur des couleurs pastel.
L'illumination de cet ouvrage à la cour royale fut affectée par l'illumination des esprits des Lumières françaises, avec son départ des canons stricts, si vénéré plus tôt en Espagne. Grâce à ce succès parmi l'aristocratie, le 7 mai 1780, Francisco Goya a été élu à l'unanimité parmi les nouveaux membres de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando. Déjà en 1785, il en devient vice-directeur, dix ans plus tard, le directeur du département de peinture de l'Académie.
Entre 1786 et 1791, un changement d'intonation est prévu dans le carton du maître. De plus en plus dans ses œuvres, le désir de ne pas transmettre l'attractivité extérieure de l'intrigue, mais l'état émotionnel des personnages, qui est devenu plus "terrestre" après avoir perdu l'éclat et la beauté externes, si caractéristique des œuvres antérieures de l'artiste, se manifeste. Cela se voit clairement dans des œuvres telles que The Blindfold Game (vers 1788-1790, Musée du Prado, Madrid) et Le Maçon Blessé (1786 Musée du Prado, Madrid), qui devint l'une des œuvres phares de cette période.
Le tableau se distingue par une intrigue véritablement dramatique :de jeunes ouvriers portent dans les bras de leur camarade qui s'est arraché d'une hauteur. Dans leurs poses et dans la façon dont l'artiste interprète les volumes de leurs corps, un certain engagement du maître envers les traditions du classicisme s'en dégage. La couleur froide de la composition est basée sur une combinaison de nuances de bleu, gris et ocre. Bien que l'œuvre n'ait pas encore ce son tragique et perçant, si caractéristique de nombreux tableaux ultérieurs de Goya, il reflète déjà pleinement les intonations de base de l'œuvre de maturité du maître.
A la fin de son travail pour la manufacture royale, Goya crée un autre chef-d'œuvre de son propre - "La poupée" ("Le jeu dans le Pele", 1791-1792, Musée du Prado, Madrid). Ayant travaillé à la manufacture de Santa Barbara pendant environ dix-huit ans, l'artiste a créé plus d'une soixantaine de cartons. Au cours des années, le maître a acquis non seulement des amis et des mécènes influents, mais aussi de nombreux envieux et méchants.
L'évolution du portrait de l'artiste
Travail sur des croquis de tapisseries, Goya a peint beaucoup de portraits personnalisés en même temps. Ses premières œuvres de ce genre parlent du grand désir de l'artiste de réussir à tout prix, cela se remarque surtout dans la façon dont le peintre flattait ses nobles modèles.
Un exemple est le cérémonial « Portrait du comte Floridablanca » (1783, Banque d'Urquijo, Madrid), dans lequel le premier ministre tout-puissant est représenté de pied en dans son bureau vêtu de tous les insignes du pouvoir et du pouvoir. Les objets personnels entourant le comte témoignent de ses loisirs, sa silhouette sur la photo est mise en valeur par des couleurs vives lumineuses, et contraste fortement avec son environnement. Le Premier ministre n'est pas le seul représenté - sa secrétaire est debout au fond de la salle, et à gauche du comte Goya s'est représenté d'après l'une de ses œuvres. Sur la photo, Floridablanc ne remarque pas les autres et regarde calmement devant lui, c'est aussi arrivé dans la vie. Le comte réagit froidement au travail de l'artiste et ne paya même pas le peintre qui avait de grands espoirs de rencontrer une personne aussi influente, s'attendant à voir un patron dans son visage.
L'artiste a appris une amère leçon et plus tard, dans la même année, en visitant la villa du frère du roi d'Espagne – l'infante don Luis de Bourbon, où il a peint son portrait de famille, il ne cherchait plus à flatter de si hauts personnages. Dans son travail sur cette image, la volonté de transmettre la profondeur des personnages et l'individualité de chaque modèle est clairement tracée.
La composition du « Portrait de la famille de l'infante Don Luis de Bourbon » (1783, Fonds Magnani Rock Fondation Mamiano, Parma) a été construit sur le principe des scènes de genre du quotidien. Toute la famille de don Luis s'est réunie autour d'une petite table sur laquelle l'infant dispose d'un solitaire. Mais le vrai centre de composition n'est pas du tout lui, mais sa femme Maria Teresa, habillé de lumière, comme si des vêtements brillants. Ses cheveux sont peignés par le coiffeur qui se tient derrière elle. Sur le côté gauche de la toile, Goya s'est à nouveau représenté en train de travailler sur cette peinture. Une toile assez grande (248 x 330 cm) démontre bien l'habileté accrue de l'artiste. L'artiste a réussi à transmettre les personnages des héros avec tact et en même temps très réaliste. La couleur de l'œuvre est basée sur un mélange de couleurs chaudes sombres avec de légers accents de bleu et de vert, donnant à la toile un son musical sonore.
Après avoir créé ce portrait, Goya a finalement trouvé ce dont il rêvait – la connaissance des patronnes influentes et puissantes, qui devinrent les duchesses Alameda Osuna et Alba. L'artiste a réussi à s'entendre avec les deux, malgré le fait qu'ils étaient toujours et en tout des rivaux jurés. Une nouvelle étape commence dans sa vie, sa carrière était désormais vouée à un essor rapide.
Bientôt, l'artiste a commencé à travailler sur un portrait de la mariée du comte Floridablanca. « Portrait de la marquise de Pontejos y Sandoval, Duchesse de Pontejos » (1786, Galerie nationale d'images, Washington) est réalisé dans le strict cadre du portrait de défilé. Le style de l'œuvre est très proche des premières œuvres de ce genre. La figure de la marquise est représentée sur fond de paysage idéal (Goya utilisera cette technique pour les portraits féminins jusqu'à la fin du XVIIIe siècle), toute son image est naturelle et calme. La belle robe de soie de l'héroïne, peint par l'artiste avec une grande habileté, distrait le spectateur de l'expression triste de son visage.
Deux ans plus tard, Goya écrira un autre de son célèbre portrait de groupe – « La famille du duc d'Osun » (1788, Musée du Prado, Madrid). Dans ce travail, une nouvelle manière de l'artiste se manifeste déjà, qui à l'avenir deviendra la manifestation la plus frappante de son style individuel. La principale caractéristique de son travail est l'accent mis sur l'état psychologique de ses héros. À la fois, afin de détourner l'attention du regard exigeant des clients éminents de sa propre appréciation de leur personnalité, Goya dessine soigneusement et magistralement tous les détails les plus fins de leurs vêtements et bijoux exquis. Le fond des portraits devient monophonique, pour que rien ne détourne le spectateur de la contemplation des modèles. Les exemples les plus frappants de portraits de cette période comprennent le « Portrait de Don Manuel Osorio de Zoonig » (1788, Musée d'art métropolitain, New York).
Bientôt, finalement, le rêve de l'artiste est devenu réalité - en avril 1789, Goya a reçu le poste de peintre de cour tant désiré par lui. Je dois dire, le succès lui tourna tellement la tête qu'il commença à ignorer la fabrication du carton pour tapisseries. Cela a conduit à l'artiste la colère du directeur de la manufacture, qui écrivit aussitôt une plainte au roi. L'ancien mentor du peintre Francisco Bayeu a dû travailler dur pour faire amende honorable pour son proche et étouffer le scandale. Heureusement pour Goya, tout s'est bien passé, et il se mit à travailler tranquillement à la cour, faire des portraits de ceux qui sont au pouvoir. Donc, en 1795, il écrit son célèbre "Portrait de Marie-Thérèse Cayetan de Silva, Duchesse d'Albe" (Musée du Prado, Madrid). L'image de la duchesse est très efficace, une robe blanche contrastant fortement avec une touffe de cheveux noirs bouclés et des accents rouges en forme de large ceinture de satin, resserrer la taille fine de l'héroïne, et avec des nœuds rouges sur sa poitrine et ses cheveux. Cette combinaison de couleurs contrastées donne à l'ensemble de la toile un son majeur.
Peinture de l'église Saint-Antoine
En plus des commandes constantes de gravures et de portraits, le peintre de la cour Francisco de Goya a reçu des commandes très honorables et fructueuses pour la création de peintures monumentales. Ainsi en 1798, Le roi Carlos IV a chargé l'artiste de peindre les dômes et les murs du temple de San Antonio de la Florida qui vient d'être terminé.
L'église a été construite sur ordre du roi par le célèbre architecte de l'époque Fontana, qui a réussi à terminer les travaux en seulement six ans, de 1792 à 1798. Les fresques du temple étaient censées raconter la vie de saint Antoine de Padoue, le moine franciscain qui vécut au XIIIe siècle. Pendant trente-six ans qui lui sont impartis, St. Anthony a acquis une renommée en tant qu'orateur exceptionnel. Contes et légendes et sa vie vertueuse, des miracles et des sermons émouvants étaient connus dans tout le pays, on l'appelait même la « Lampe de l'Ordre ».
Dans le travail des fresques, l'artiste a une totale liberté d'action, et Goya en profita pour repenser les canons traditionnels de la peinture d'église.
Selon la tradition, tout l'espace du coupon lors de la création des fresques devait être occupé par des images d'anges, une croix ou le Christ. Goya a décidé d'y mettre un complot dédié au miracle de la résurrection des morts par saint Antoine, joué devant un public émerveillé. Avec ce geste, l'artiste exaltait le saint auquel le temple était dédié. Le peintre a placé des anges et des archanges sur les murs et les arcs de soutien, et de petits anges occupaient les voiles.
La scène de résurrection de Goya a acquis une interprétation tout à fait réaliste. Saint Antoine est représenté avec ses compagnons, entouré d'un public diversifié, qui surveille attentivement ses actions. Dans un effort pour donner à la fresque un maximum de réalisme, l'artiste s'est concentré sur la transmission des images des gens ordinaires, représentant la foule comme si elle venait directement des rues de Madrid. La solution de composition circulaire donne à l'œuvre l'effet d'un mouvement et d'un dynamisme continus. Contrairement aux images réalistes de la fresque centrale, Goya a dépeint les représentants de l'armée céleste comme idéalisés et raffinés de manière sophistiquée. La peinture de ce temple est toujours considérée comme l'une des meilleures œuvres monumentales et décoratives de Goya.
Image des vices humains
Les années 90 du XVIIIe siècle sont devenues un tournant dans la conscience et l'œuvre de Goya. Une maladie grave poussée à repenser la vie et l'œuvre de l'artiste, comme cela arrive souvent. Les premières crises d'une maladie inconnue s'abattent sur le peintre à l'automne 1792. Migraines sévères, alternant avec des vertiges, s'est terminée par une paralysie partielle. Surtout, le malheureux artiste craignait de perdre la vue. La maladie a paralysé l'esprit moral de Goya, il était constamment d'humeur maussade, et ses proches craignaient sérieusement pour sa vie. Heureusement, ces attaques se sont relativement bien terminées, déjà au printemps de l'année prochaine, le peintre se sentait beaucoup mieux.
En été, l'artiste s'est presque complètement remis de la maladie, mais pas sans perte. La maladie l'a complètement privé de son audition, mais cela n'empêchait pas le maître de reprendre son pinceau immédiatement après la guérison. La souffrance vécue et la peur de la mort ont suscité chez l'artiste un intérêt passionné et authentique pour l'être spirituel et social de l'homme. Il a regardé avec des yeux différents la structure de la société espagnole et a repensé son propre système de valeurs. La joie de vivre et l'éclat du soleil ont longtemps quitté l'œuvre de l'artiste.
Tout cela a incité le peintre à créer une série d'œuvres intitulée "Caprichos" (Fads). Il comprenait quatre-vingts eaux-fortes créées entre 1797 et 1799. Dans une forme grotesque fantastique, l'artiste reflétait la situation sociale tendue et tout le côté peu flatteur de l'ordre féodal espagnol.
Tous les dessins ridiculisent les vices humains :cruauté, ignorance, lâcheté, prétexte, égoïsme, crédulité, cupidité et bien plus encore. Toutes les eaux-fortes de la série sont basées sur le contraste de la lumière et de l'ombre, exprimés par de grandes taches noires et blanches. Goya a fait preuve d'un talent symboliste remarquable et d'une grande ingéniosité. Tous les personnages Caprichos ont une personnalité très vive qui exprime le vice qu'ils représentent. Les postures, gestes, les expressions faciales des héros sont si expressives qu'il devient impossible de déterminer où est la vérité et où est la fiction.
Les premières œuvres de la série des Capriccios sont principalement consacrées aux vices qui consument les âmes féminines :la sournoiserie, inconstance et tromperie. Sur ces feuilles, jeunes chères femmes trompent vileusement leurs messieurs, et les vieilles femmes-procureurs laides sont engagées dans la corruption de filles inexpérimentées.
A partir de la feuille 37, il y a des dessins consacrés à l'ignorance :ils montrent des images d'ânes qui guérissent, jouer de la musique, s'enseigner les uns les autres, faire des discours et poser pour des singes. Toutes les gravures ultérieures à travers le grotesque nous montrent clairement comment la laideur morale des gens produit des esprits mauvais. Les nuits noires, les sorcières et les brownies accomplissent leurs rites, rire, grimace, se rassemblent le jour du sabbat et tourmentent leurs malheureuses victimes. Mais quand le soleil se lève, toutes les bêtes ne disparaissent ni ne meurent, ils changent seulement d'apparence, devenir ordinaire, des gens en apparence respectables. Et ainsi à l'infini.
La feuille 43 – une gravure intitulée « Le rêve de la raison donne des monstres » – est devenue l'une des plus célèbres. Goya lui a fourni d'intéressants commentaires d'accompagnement :« L'imagination abandonnée par l'esprit donne naissance à des monstres sans précédent, mais en conjonction avec le mental, elle devient la mère de tous les arts et la source des miracles qu'ils créent. " En réalité, de tels commentaires ont été faits par l'artiste à chaque feuille de la collection, mais, selon les contemporains, de telles descriptions de l'intrigue ont encore compliqué sa perception, « Fermant les yeux à tous ceux qui n'en avaient pas la moindre idée. "
D'après le plan du peintre, Les « Caprichos » devaient réveiller les compatriotes et décider d'affronter leur position imposée par l'aristocratie. En 1799, Goya a imprimé à ses frais trois cents exemplaires de la série. Quatre exemplaires, avant même leur mise en vente, ont été achetés par la duchesse d'Osuna. 27 autres ont été vendus au cours des prochaines années. Vrai, après quelque temps, Capriccios a encore gagné en popularité parmi les artistes romantiques.
L'évolution du style et de la vision du monde Tout ce temps, le maître n'a pas cessé de travailler dans le genre du portrait, qu'il était constamment commandé par l'aristocratie de la cour. S'éloigner du précédent, interprétation quelque peu superficielle des personnages et des intrigues, il est passé à un réalisme intellectuel strict. Les peintures créées au tournant des XVIIIe et XIXe siècles se distinguent par un subtil système expressif de techniques artistiques qui ont permis à l'artiste de révéler pleinement l'essence intérieure des personnages. Ces œuvres reflètent déjà les nouvelles tendances de la peinture, proche des idéaux visuels de l'ère du romantisme.
Le maître commence à prêter de plus en plus d'attention à la psychologie, il essaie de souligner la tragique compression de la personnalité sous le joug des circonstances extérieures. Goya semble apprécier le potentiel d'un individu, quel que soit son statut social. Souvent, cela s'exprime en sarcasme caustique, clairement visible dans un certain nombre de portraits de puissants. Une autre caractéristique distinctive de la nouvelle période du travail de l'artiste était la riche palette de couleurs et l'accentuation du volume plastique, Gris argent, la couleur aérienne des années 1790 était à jamais dans le passé.
Au début du XIXe siècle, Goya a reçu une commande importante de la famille royale pour l'exécution d'une série de ses portraits. L'une des œuvres les plus remarquables de cette période est le « Portrait de la famille du roi Carlos IV » (1800, Musée du Prado, Madrid). Lors de l'exécution de cette toile grand format (dont les dimensions étaient de 280 x 336 cm), l'artiste a réussi à créer des portraits séparés de chaque membre de la famille couronnée. Le travail sur le portrait de famille lui-même a duré environ un an.
La première chose qui attire l'attention en regardant cette photo est la magnificence des costumes de tous les membres de la famille royale, écrit avec beaucoup de talent. Tissus luxueux, voiles en apesanteur, des bijoux irisés et des insignes de pouvoir éclipsent les images des héros eux-mêmes. Cet effet a été recherché par l'artiste. Parce que, si vous regardez attentivement les visages figés et pompeux des membres de la famille, vous pouvez remarquer la subtile caractéristique psychologique que Goya a donnée à chacun d'eux.
Par exemple, l'image de la reine Mary Louise a été peinte avec une clarté photographique. Le peintre a représenté avec réalisme son nez crochu, double menton et mince, lèvres tendues dans un sourire. Maria Louise se tient au centre de la toile, des enfants plus jeunes se tiennent autour d'elle, Le roi Carlos IV est montré sur la gauche, et son fils aîné dans une camisole de soie bleue est à la droite de la reine. Ensuite, il deviendra un tyran Ferdinand VII (regardez son mauvais visage). A côté de Ferdinand est son épouse, elle s'est détournée du spectateur, car au moment d'écrire l'image, un accord sur leur mariage n'a pas été atteint. Dans le coin gauche de l'image, dans l'ombre profonde, Goya s'est peint.
Le portrait traduit très subtilement les relations au sein de la famille. Si vous faites attention à la position des personnages de l'image, il est frappant qu'ils ressemblent à un fragmenté, foule gelée qui remplissait toute la toile. L'artiste souligne intentionnellement l'incohérence de leurs vues et de leurs gestes. Et la couleur de l'image elle-même est construite sur une combinaison dispersée de taches inhabituellement colorées.
Malgré le fait qu'aucun membre de la famille couronnée n'a montré ne serait-ce qu'une ombre d'indignation face au travail terminé (la reine s'est même moquée de son apparition «infructueuse»), la toile était la dernière commande reçue par l'artiste de la famille royale.
Mais les œuvres les plus significatives de l'artiste de cette période (1800 - 1803) sont les toiles "Dressed Swing" et "Naked Swing" (Musée du Prado, Madrid). Probablement, ces deux œuvres ont été créées par arrêté du Premier ministre Manuel Godoy. Selon des sources, les noms originaux des peintures étaient « Gypsy Dressed » et « Gypsy Nude ». L'image féminine créée par l'artiste sur ces toiles incarnait une beauté vive et sensuelle, contrastant fortement avec les canons froids de l'académisme. Des informations fiables sur l'identité de la fille qui a servi de modèle pour ces œuvres n'ont pas été conservées. Selon une version, c'était la maîtresse de Godoy, selon d'autres – la duchesse d'Albe, qui, selon les rumeurs, a eu une relation assez longue avec l'artiste lui-même. Vrai, aucune preuve réelle de cela n'a été trouvée.
Au cours des deux prochaines années, de 1804 à 1806, l'artiste crée un certain nombre d'images féminines intéressantes. Il s'agit notamment du Portrait de Francisco Sabas y Garcia (1804, Galerie nationale d'art, Washington), Portrait de Dona Teresa Sured (1804-1806, Galerie nationale d'images, Washington) et Portrait de Dona Isabel Cabos de Porsel (vers 1805, Galerie nationale, Londres). Toutes les toiles sont écrites de manière libre, différent de ses premières œuvres discrètes. Le maître, en mélangeant délicatement de nombreuses nuances de tons apparentées, parvient à obtenir une interprétation très réaliste des modèles. Les visages des jeunes femmes sont remplis d'un élan romantique, et les poses et les regards sont pleins de détermination. Les toiles sombres sont un hommage à la tradition établie de l'époque, mais, malgré cela, l'artiste parvient à obtenir le son riche de toutes les couleurs et la transmission incroyablement réaliste des jeunes filles. Une autre caractéristique des portraits est que le peintre ne sélectionne pas leurs tenues et accessoires, comme c'était le cas dans ses travaux antérieurs, and the personality characteristics of the heroines, their character and psychology.
Then the artist creates another work with memorable female images – “Swinging on the Balcony” (1805-1812, Metropolitan Museum of Art, New York). The canvas depicts two lovely young women sitting on the balcony. En arrière-plan, in dark colors, the silhouettes of their companions are written out. The fragile figures of the girls, their crafty smiles and touching eyes look alluring and attractive, but the appearance of their companions is alarming and creates a sense of danger.
Soon a war broke out with France. Goya received many government orders for portraits of army generals, and in between created etchings assembled into a common series called The Disasters of War. Au total, the series includes about eighty works. In them, the painter depicted military operations without embellishment. Not of any heroism or ostentatious courage, only what actually happens in the war is the hardening of the human heart, which becomes capable of any atrocities and betrayals.
A series of etchings dedicated to the war, became the pinnacle of the artist’s realistic work. Many works reflect what the painter himself saw and experienced over the years. The whole tragedy of the Spanish people is depicted ruthlessly, truthfully, without a drop of idealization:mountains of corpses, looting, fires, famine, executions.
It should be noted that the painter’s goal, first of all, was not documentary accuracy, but the expression through this series of works of the tension and tragedy that he felt, passing through the years of the war. The deep subtext, the combination of reality and grotesque, allegory and science fiction along with a sober analysis of reality, and the sharp expressiveness achieved through sharp black-and-white contrasts predicted completely new development paths in the European engraving genre.
On a cardboard “A sad foreboding of what is about to happen” (1810, National Library of Madrid), a man in torn clothes is depicted, his arms are helplessly spread to the sides, and his eyes full of despair and tears are raised to the sky in a soundless question. En arrière-plan, chaos and destruction reign, the losses that the hell of war inevitably brings with it. Etching opens the series “Disasters of War” and is, En réalité, its leitmotif.
All the horrors of war go through a series of etchings of an eerie and frightening realistic sequence:countless corpses, violence against women, execution of rebels and carts with the dead. The events and images depicted by the master so accurately convey the essence of hostilities that they could serve as an illustration to absolutely any of the armed conflicts experienced by all mankind. It was important for the artist to emphasize that the victims of monstrous interstate conflicts are not only soldiers of official troops, but also defenseless civilians:children, old people, femmes. The series was able to come out in full assembly only in 1863, after 35 years spent under the rule of France.
The end of the first decade of the 19th century was a difficult, difficult time for Spain. Discontent in the country was constantly growing, and King Carlos IV proved to be a weak-willed and insolvent politician. En réalité, the country was ruled by his spouse and her favorite – Prime Minister Manuel Godoy. They completely subjugated the king and squandered the treasury, bringing Spain to almost complete ruin. This caused popular unrest, which led to an acute crisis in the country.
In 1808, King Carlos abdicated in favor of the eldest son Ferdinand VII. While confusion was taking place at the Spanish court, caused by the division of power, Napoleon, taking advantage of the situation, captured the young ruler and put his brother Joseph on the Spanish throne, and brought his troops into the country. The French emperor motivated his action exclusively with good intentions, à savoir, the need to resist the ripening revolution. Thus began the bloody war of Spain with France.
This year, Goya creates his painting “The Colossus” (1808, Musée du Prado, Madrid), in which he expresses all the confusion and tension prevailing in society. Most of the composition is occupied by a giant figure of a fierce Colossus, clenching his fists. A giant walks through Spanish land, touching thunderclouds. His appearance causes general panic. The figure of Colossus most likely personifies the mercilessness of war, bringing general ruin, destruction and chaos.
In the fall of the same year, the artist leaves the capital and goes to Zaragoza, already destroyed by French troops. The appearance of the ruined and burned hometown amazed the painter to the depths of his soul and gave him a new impetus to creativity.
En ce moment, Madrid was in a fever from the news. On the streets they said that the French did not just want to arrest, but to deal with the entire royal family. On May 2, 1808, crowds of people gather in front of the royal palace in Puerta del Sol. They demand from the French evidence that the youngest son of the former king Carlos IV, the thirteen-year-old prince Francisco de Paula, beloved among the people, is still alive. Gradually, the situation grew tense, the heated Spaniards rushed to guard the palace. They were met by armed rebuff. Locals are faced with Egyptian mercenaries – Mamelukes.
A few years later, in 1814, Goya depicted the scene of this event on a canvas entitled "The Second of May, 1808 in Madrid, the uprising against the Mamelukes" (Prado Museum, Madrid). The composition of the picture is extremely intense, everything is mixed in it – people, animaux, living, dead and wounded. The intense red-orange coloring of the canvas perfectly conveys the atmosphere of social disaster.
Napoleon’s troops brutally crushed the rebellion. On the same night, on the orders of the French monarch, an unprecedented in its cruelty massacre was carried out on the surviving rebels. Hundreds of Madrid were executed without trial, according to surviving evidence, many of them had no relation whatsoever to the uprising.
No real artist or poet could remain indifferent, being a direct witness to such events. Francisco de Goya also could not. Six years later, he created the painting “The Shooting of Rebels on May 3, 1808 in Madrid” (1814, Musée du Prado, Madrid), which tells of a terrible tragedy. The picture shows us a scene that happened late at night in a wasteland outside the city. At a gentle slope of a hill, illuminated by the uneven light of a large lantern, French soldiers shoot the captured rebels. The painter presented the executioners as a faceless, strictly organized mass. The center of the work is a young peasant dressed in a white shirt. He spreads his arms wide, as if trying to protect his native land with his own body. The rest of the rebels, doomed to death, are represented in different ways. Someone obediently bowed his head, someone defiantly smiles directly into the executioners, others covered their hands with their hands, but none of them even tries to escape. The background in the picture is the silhouettes of the cathedral, tours, Maisons, barely distinguishable from the darkness of the night. The composition of the picture is so expressive that it seems that deafening shots will now break the reigning silence. The gloomy and severe landscape complements the atmosphere of imminent tragedy.
With this picture, the artist sought not only to convey the cruel events from the history of Spain in order to excite the viewer with them, he wanted to depict the moral superiority of the Spanish people over his executioners, to express the rebellion of the national spirit.
Voluntary exile
With the advent of 1812, the artist suffered a personal tragedy, the beloved wife of Joseph died. The artist was very upset by the death of a faithful companion of his life, because after her departure, he had only one son left, who was already 28 years old. It is amazing that Goya did not write anything about his wife and only once depicted her in the picture – “Portrait of Josefa Bayu de Goya”. Judging by this canvas, Josefa was a simple kind woman. The artist himself, in spite of his short stature and unprepossessing appearance, was known as a lover of women, maybe therefore the modest Josef did not participate in the social life of society.
Like any painter, Goya experienced all his joys and sorrows through creativity. After the death of his wife, he set about creating a series of etchings designed to illustrate the work of Nicolas Fernandez de Moratan, “Historical Notes on the Emergence and Development of Bullfighting in Spain”. De nos jours, this series is known as "Tavromahiya", in it the artist showed the fearlessness of a person entering into battle with a wild and ferocious animal.
Toward the end of the second decade of the 19th century, Francisco de Goya, sick, tired and disappointed in the policies of the Spanish authorities, decided to leave the bustling capital for privacy. He bought a large two-story house on the banks of the Manzanares River, surrounded by large cultivated land. The artist moved more than one to a new shelter, nicknamed the House of the Deaf neighbors, followed by his distant relative Leocadia Weiss, with his little daughter Rosarita. Little is known about the life of this woman. In Madrid, she was famous for her scandalous behavior, but the deaf artist was obviously not embarrassed.
At the end of 1819, Goya fell seriously ill again. Leocadia and Rosarita courted him, trying to brighten up his serious condition. Thanks to this care and the efforts of Dr. Eugenio Garcia Arrieta, the artist was able to recover and even returned to painting. His first picture, after suffering, was dedicated to his savior – "Self-portrait with Dr. Arrieta" (Institute of Arts, Minniapolis) was painted already in 1820. In the center of the composition, the master portrayed himself, leaning his back on the shoulder of a young doctor. Eugenio brings a glass of healing broth to the artist’s lips. En arrière-plan, in a darkened room, one can see someone’s silhouettes. The color of the double portrait is harmonious and calm. At the bottom of the canvas, the artist’s note:“Goya thanks her friend Arriet for the attention and care that saved his life during a dangerous illness, which he suffered at the end of 1819, at the age of 73 years. He wrote it in 1820. "
Having improved his health, Goya begins to work on a new series of prints called Los Proverbios (Proverbs), published by the San Fernando Academy in 1864, although it became known under a different name – “Disparates” (“Nonsense”). On 22 cardboards, Goya depicted all kinds of absurdities and absurdities – this was his author’s interpretation of national proverbs, which acquired a fantastic sound from the artist.
Scary visions
In the same 1820, Goya returned to monumental painting, deciding to paint the walls of his house. Donc, par exemple, on the walls of a large room on the ground floor, the painter depicted a beautiful young lady in full growth – “A Woman in a Black Shawl” (Prado Museum, Madrid). There is no exact information, but perhaps this is a portrait of Leocadia Weiss herself. The Spaniard stands in a natural pose, resting with one hand on a high stone fence, which occupies most of the composition. The light black veil covering the woman’s face gives the image a certain mystery.
This mural has become the most pacified of all the works of the cycle, in which the master decided to reveal the hidden essence of man. Art history has not yet seen works of this kind. Goya’s murals are dominated by a frightening, diabolical, unnatural principle, ominous images appear as if in a nightmare. Perhaps the artist saw them in a dream, faith is not entirely in a dream, but in delirium. Goya himself in some letters mentioned that during his illness he suffered terrible hallucinations, maybe it was they who found their way out in the artist’s Black Paintings.
One of the most striking is the fresco "Saturn devouring its children" (1820-1823, Musée du Prado, Madrid). Dim lighting snatches from the darkness the thin body of a god who, in a frenzied madness, devours his own child, tearing his body apart.
The fresco “Pilgrimage to St. Isidore” (1820-1823, Mray Prado, Madrid) is very revealing, demonstrating how much the artist’s worldview has changed. This comparison is very vivid because in his youth Goya already created a work dedicated to this topic:“Festivities on the day of St. Isidore” (1788, Musée du Prado, Madrid) depicts one of the most beloved holidays of the people of Madrid. It is an annual procession to the banks of the Manzanares River, where a big picnic with dances was arranged. An indispensable attribute of the holiday was drinking more water from a healing spring found, according to legend, by St. Isidore. On the canvas of 1788 it is a colorful and cheerful national holiday. But at a late work, on the wall of the “House of the Deaf”, an alarming feeling of imminent misfortune reigns. On a dark and gloomy fresco on a dry ground a crowd of people wanderclinging to each other. On their faces are terrible grimaces of pain, peur, horror, animal malice and malice.
In the same spirit, the work “Sabbath of the Witches” (1820-1823, Musée du Prado, Madrid) was done, although it was painted in lighter colors, all the space on it was occupied by the same “ugly” crowd. In the center of the composition is a black goat in a monastic cassock. Those around with a greedy gleam of crazy eyes listen to the personification of Satan. Drawing this "demonic tribe", the artist emphasizes that people have lost their human appearance, so their faces are like the faces of animals.
All the frescoes of the “House of the Deaf” have a strange and controversial character, they excite and scare. Spots of white, yellow and pinkish-red color suddenly flash, snatching separate images from the darkness, alors, au contraire, envelop them. All fifteen scenes were done in dark colors, for this and the fact that the plots themselves are incredibly “dark”, the frescoes were nicknamed “Black Paintings”. They were on the walls of the house until the 1870s, until the new owner, Baron Emil Erlanger, a banker and a passionate collector, ordered to transfer all the plots to canvas. In 1878, he presented them at an exhibition in Paris, and three years later he donated all the works to the Madrid Prado Museum, founded by Ferdinand VII in 1819.
Relocation to France and the death of a master
The completion of the frescoes coincided with changes in the country. King Ferdinand VII in 1823 abolished the constitutional government, which Goya sympathized with. The artist, who was still a court painter, began to fear for his life and in the spring of 1824, he left for France.
He settled in Bordeaux, in a small cozy house, taking with him and Leona Leocadia with her daughter. By this time, the artist was already seventy-six years old. Goya worked a lot in France. He created portraits of his relatives and friends around him, mastered the technique of lithography. Around 1828, Goya created the work “Thrush from Bordeaux” (Prado Museum, Madrid) and a new series of etchings “Bulls of Bordeaux”.
Not long before his death, the painter traveled to Madrid, where he visited his son and grandson. The painter died on April 16, 1828, he was eighty-two years old. The ashes of Francisco de Goya were transported to Spain and buried in the Madrid Temple of San Antonio de la Florida, painted by the master many years ago.
All the work of the master had a huge impact on the formation and development of 19th century art. Just a few years after the death of the artist, his contribution to the artistic culture was evaluated at the pan-European level.
Zhuravleva Tatyana
