Valentin Alexandrovitch Serov (1865-1911)
Le merveilleux artiste russe Valentin Serov a eu la chance de naître dans une famille prospère et douée. Les parents du peintre étaient des gens talentueux et polyvalents. Alexandre Nikolaïevitch Serov, le père du futur artiste, était compositeur, auteur des opéras Enemy Force, Judith et Rogneda. Il était considéré comme le meilleur critique musical de son temps et était aussi un grand artiste original. Dans sa jeunesse, il allait se consacrer à la peinture, mais ensuite il s'intéresse à la musique et s'y abandonne complètement.
Photos de Valentin Alexandrovitch Serov
Famille talentueuse
C'est de son père que Valentin a hérité son don extraordinaire, la capacité de perception incroyablement précise de la forme et de la couleur, ainsi que son grand amour pour les animaux, que Serov Sr. a le plus souvent représenté sur ses toiles. Alexandre Nikolaïevitch ne s'est marié qu'à l'âge de quarante-quatre ans, étant déjà un compositeur accompli et un homme mûr. Son élue était une jeune pianiste talentueuse Valentina Semenovna Bergman, un ancien élève du musicien.
Le fils unique des Serov est né le 7 janvier 1865. Dès l'enfance, Valentin était entouré de personnalités créatives et extraordinaires de divers horizons sociaux, qui se réunissaient régulièrement dans la maison du compositeur et de sa jeune épouse. Ils comprenaient toutes les personnes talentueuses de l'époque, les musiciens, scientifiques, écrivains, artistes et comédiens. Parmi les amis proches d'Alexandre Nikolaïevitch, qui visitait souvent sa maison, étaient le sculpteur Mark Antokolsky, l'écrivain Ivan Tourgueniev, avec qui Serov était le plus proche et l'artiste Nikolai Ge, le premier à inculquer à la petite Valentine, qui est resté avec lui pour la vie, amour pour les chevaux.
La famille Serov organisait souvent des lectures littéraires et des concerts, comme spectateurs auxquels la bonne était souvent invitée. Ces soirées éducatives n'étaient pas leur invention personnelle, mais plutôt un hommage à la mode de l'époque.
Le petit Valentin accompagnait souvent ses parents à l'opéra. Et en 1869, ils emmenèrent leur fils pour la première fois à l'étranger. Après ce voyage, Serov, le plus jeune, se souvint toute sa vie de sa visite dans la maison du grand Richard Wagner, cependant, l'impression indélébile sur le garçon n'a pas été faite par le célèbre compositeur lui-même, mais par une cage avec des faisans bizarres et son énorme chien. Avec une vie si intéressante en apparence, Valentine depuis l'enfance n'a pas été gâtée par l'attention des parents qui vivaient chacun dans leur propre travail.
En 1871, quand le futur artiste n'avait que six ans, son père est décédé. Le temps des réceptions sereines au salon et des lectures littéraires est à jamais révolu. Maintenant, ils vivaient avec leur mère à Munich (de 1872 à 1873). Ces deux années furent une période très fructueuse pour le petit dessinateur. En vivant dans un hôtel, Serov a rencontré le déjà célèbre peintre Kegshing, qui s'intéressait à un garçon talentueux. Kegshing a non seulement commencé à emmener l'enfant aux études, pour l'aider avec des conseils professionnels, mais aussi influencé Valentina Semenovna, la recommandant de développer et d'encourager les jeunes talents de toutes les manières possibles.
Croyant que les capacités du fils peuvent devenir son destin, La mère de Serov a commencé à les encourager et à les développer consciemment. Donc, en 1874, Valentine, neuf ans, s'installe avec sa mère à Paris, où Ilya Repin était dans cette période. La décision de Valentina Semenovna de se tourner vers Repin pour lui demander d'éduquer son fils a été le choix le plus réussi dans la vie d'un futur peintre.
C'était Ilya Repin qui était le seul maître qui pouvait pleinement développer et révéler les capacités du jeune Serov. Donc, le garçon a commencé les premières leçons de dessin régulières et sérieuses. Repin a travaillé à cette époque à Paris sur les tableaux "Café" et "Sadko", il a fait de nombreux croquis d'après nature, sans oublier de donner constamment des devoirs à l'étudiant. Le jeune Valentin Serov a reçu à cette gracieuse époque de nombreux conseils précieux, conseils et précisions, dont il se souviendra plus tard toute sa vie. Repin lui a permis de copier son travail, parfois il demandait d'écrire certains objets de mémoire, mais il s'est surtout attaché à dessiner d'après nature.
L'artiste en herbe s'est complètement abandonné à son passe-temps, y consacrer tout son temps libre. Le jour, il peignait, et le soir il faisait des croquis et des dessins à l'infini. Grâce à l'attitude sérieuse de sa mère, de nombreuses œuvres d'étudiants de Serov ont été parfaitement conservées. Dans ses premiers albums, la plupart des peintures et croquis consacrés aux chevaux. Bien sûr, Serov a également peint d'autres animaux, mais ce sont les chevaux qui sont devenus son amour pour la vie.
Ce fut sans aucun doute une période fructueuse dans la formation du grand peintre russe. Mais avec toute la prospérité apparente, la vie d'un garçon de neuf ans à Paris était solitaire et ennuyeuse. Sa mère, complètement immergé seulement dans son travail, était constamment absent pendant la journée, et le soir assistait à l'opéra. Valentine est restée seule longtemps, laissé à lui-même. Cette retraite forcée a marqué le caractère de Serov, lui donnant la morosité et l'isolement que l'artiste avait conservés toute sa vie.
L'influence de Savva le Magnifique
Comme de nombreux résidents talentueux de Moscou, La mère de Valentin Serov connaissait Savva Mamontov, ce qui fut un grand succès pour le futur artiste. Ce philanthrope et industriel était au centre de la vie spirituelle et intellectuelle moscovite de la seconde moitié du XIXe siècle. Rassemblant toute la couleur de l'intelligentsia artistique russe autour de lui, Mamontov a offert aux invités de son domaine d'Abramtsevo une occasion unique de s'inspirer, libre, pas chargé par aucun, y compris les problèmes financiers et la vie de créativité. Depuis plus de vingt ans, le domaine Mamontov près de Moscou était un centre majeur de la culture russe, où les artistes, parfois pendant tout l'été, est venu communiquer, partager des expériences et combiner travail et loisirs.
Vivant souvent avec sa mère à "Abramtsevo", Valentin Serov depuis l'enfance a participé directement à presque tous les domaines de la créativité, qui a été développé par cet environnement créatif de passionnés et de personnes partageant les mêmes idées de nouvel art. C'est ici que s'est développé son talent brillant et multiforme. Le club d'Abramtsevo, soutenu par Savva Mamontov, ouvert deux ateliers d'art à la fois :céramique et taille de menuisier, où l'artisanat et l'artisanat anciens ont été relancés. Une grande attention a également été accordée au théâtre. Serov a participé avec plaisir aux représentations à domicile de Mamontov, il a brillamment interprété des rôles comiques d'animaux, tout en rencontrant un franc succès. Il n'est pas surprenant que Valentin ait créé ses premières et les plus inspirantes œuvres qui lui ont valu la gloire, tel que, par exemple, La fille aux pêches, dans ce magnifique domaine.
Mais, l'influence bénéfique du cercle d'Abramtsevo est apparue bien plus tard, et au début, réalisée par un jeune talent du domaine de Mamontov, n'a pas profité à son talent. Selon le biographe de l'artiste Igor Grabar, à l'été 1875, quand Valentina Semionovna a amené son fils pour la première fois au domaine, le garçon a abandonné les cours de dessin réguliers et tous ses albums, se laisser emporter par la vie amusante et insouciante des enfants Mammoth. Ce qui n'a pas manqué de réfléchir sur ses capacités artistiques. Les quelques dessins de l'époque dans ses albums pour enfants ne servent qu'à confirmer que les capacités innées sans pratique ne signifient pas grand-chose, car le talent originel du peintre et ses compétences en dessin se perdent rapidement sans un travail constant pour les faire grandir et les entretenir. Ce n'est pas pour rien qu'ils disent que le vrai génie, c'est 10 % de talent et 90 % de travail acharné.
Alors c'est arrivé avec Serov, sans formation constante pour améliorer la précision du trait et afficher la couleur et la forme, le jeune artiste a commencé à dessiner bien pire. Par conséquent, en automne, sa mère l'a emmené à Saint-Pétersbourg, où le vieil ami de la famille, l'artiste Nikolai Ge, a commencé à prendre soin du talent de Valentin, le cultiver et se perfectionner. Bientôt, grâce aux soins de Ge, il est devenu évident que Serov est entré dans un nouveau cycle de développement.
Puis, Valentin et sa mère ont de nouveau déménagé. Cette fois à Kiev, où ils ont passé environ trois ans, qui est devenu le plus heureux dans la vie de la mère et du fils. À Kiev, le garçon est entré à l'école de dessin, étant entré dans la classe de Nikolai Murashko, Le vieil ami de Répine à l'Académie des Arts.
Meilleurs éducateurs
Décidant de ne pas limiter le développement de son fils à une simple éducation artistique, Valentina Semenovna est retournée à Moscou et a arrangé son enfant dans un gymnase de Moscou. Ici, la mère de l'artiste s'est à nouveau tournée vers Repin, lui demander de reprendre les cours. La famille du peintre reçut Serov à bras ouverts, et ses leçons ont continué à un niveau encore plus élevé.
Repin lui-même a noté que, malgré l'interruption constante des cours, Valentin a fait d'excellents progrès, et le travail très réussi a inculqué au garçon lui-même la conviction qu'il a de nouveau réussi à dépeindre tout ce qu'il avait prévu. Valentin a cru en lui et a alors presque complètement abandonné ses études au gymnase, avec une grande passion se livrant à son passe-temps favori. À la fin, le directeur du gymnase s'est tourné vers la mère du jeune artiste avec une proposition de transférer l'enfant dans une institution spéciale, où son don de peinture pourrait être pleinement développé. Le garçon a donc finalement déménagé à Repin. Maintenant, ses études de dessin et de peinture n'ont rien arrêté d'autre.
Igor Grabar écrit dans ses mémoires :« Même Repin le regarde déjà comme un artiste, pas un adolescent, et même pose pour lui pour un portrait, tout en dessinant Serov lui-même. Serov, 14 ans, a l'air sombre et maussade - des habitudes de loup purement "Serov" reconnaissables, qu'il conserva jusqu'aux derniers jours. Et derrière cette apparence sombre se cache un cœur bon et l'âme la plus tendre et la plus pure. Repin peint un portrait de Serov, et Serov peint le portrait le plus précis de Répine qui ait jamais été fait. Il a toute l'essence de Repin :son look, son charme, son sourire, même son embarras éternel - en un mot, absolument tout ce que nous savions tous si bien, et qu'il a gardé jusqu'à 70 ans. "
Entré à l'Académie des Arts en 1880, Serov s'est retrouvé dans le studio du célèbre professeur Pavel Chistiakov, qui se distinguait par un style d'enseignement extrêmement dur, critiquant et ridiculisant chaque coup inexact de ses étudiants. Ces méthodes du professeur ont aidé l'artiste à développer une manière réfléchie et sans hâte de représenter la nature. Comme son professeur, Valentin Serov ne pouvait tolérer la précipitation et l'approximation dans le dessin et la peinture.
Répondre aux questions sur sa manière minutieuse d'écrire, le peintre dit :« Sinon, je ne sais pas écrire, c'est de ma faute, Je ne sais pas à quel point je l'aime. En effet, il ne serait pas juste de dire que Serov ne possédait pas de techniques d'imagerie ultra-rapides. Exigeant pour ses portraits au moins quarante séances de pose (et il arriva que ce nombre atteignit la centaine), l'artiste talentueux a parfaitement fait des croquis instantanés et maîtrisait parfaitement l'art des croquis au crayon à grande vitesse.
Valentin Aleksandrovich avec son habileté inhérente était capable non seulement de saisir la forme reconnaissable de la figure et de la tête, mais aussi de transmettre avec une touche claire et précise tous les traits caractéristiques de son apparence, jusqu'à une expression instantanément capturée sur son visage. Ces courtes esquisses rapides sont plus fortes que d'autres œuvres, vous pouvez juger de l'habileté incroyable de l'artiste.
Entraînant sa main sur les croquis rapides comme l'éclair de défilés et de manœuvres militaires, dessinant des officiers et des soldats, Serov ne s'efforçait pas du tout de ressembler à un portrait, mais, même contre son gré, il a fait de vrais portraits. L'œil précis et la main indubitable du maître ne savaient pas comment faire autrement. Le peintre pouvait se permettre d'écrire des compositions complexes sans aucun croquis préalable au crayon, immédiatement avec un pinceau aquarelle. Charbon, un pinceau et un crayon lui obéissaient implicitement. Par conséquent, il a peint des enfants qui n'ont jamais posé pour lui avec autant d'assurance qu'il a représenté des adultes pendant des mois, les épuisant avec de longues séances de pose.
Cinq ans seulement après son admission, Serov quitte l'Académie, se sentant un maître tout fait. Toute sa vie future, son perfectionnement créatif constant se déroule selon un horaire libre en travail continu.
En 1885, Serov a peint le tableau « Bœufs » (Galerie nationale Tretiakov, Moscou), un an plus tard, le tableau « Soirée d'automne à Domotkanovo » (Galerie nationale Tretiakov, Moscou), et « L'hiver à Abramtsevo. Église »(Galerie nationale Tretiakov, Moscou). La formation du style de peinture de Valentin Serov a eu lieu sous l'influence de deux vénérables peintres - Repin et Chistiakov, et leurs écoles d'art.
Néanmoins, déjà à vingt ans, l'artiste n'avait rien en commun avec le style et la technique d'écriture avec aucun des professeurs, car il a développé le sien, mode d'exécution unique, qui ne peut être confondue avec aucune des techniques bien connues de l'histoire de l'art. Ceci malgré le fait que les peintures de Serov soient très diverses dans l'exécution.
Le peintre ne s'est jamais arrêté à personne trouvé avec succès et a une fois trouvé le moyen de résoudre le problème, comme c'est souvent le cas avec d'autres peintres. Toujours à la recherche de nouvelles approches, il a essayé de choisir pour chaque intrigue particulière la forme et la technique d'expression artistique les plus appropriées. Pendant toute la période de son œuvre. Serov a constamment cherché et trouvé des moyens encore plus précis d'exprimer son attitude envers l'objet, ne jamais être satisfait de ceux déjà utilisés.
Innovateur des beaux-arts russes
Serov est souvent appelé le premier impressionniste russe, comparer son travail avec des peintures de Renoir. Même si, certains historiens de l'art pensent que l'artiste russe était même en avance sur son prédécesseur dans la vivacité des couleurs, l'élégance de la transmission lumineuse et la noblesse des tons.
Si Renoir utilisait souvent le brouillard, de vagues transitions dans son travail, créer un certain euphémisme, puis Serov, au contraire, par tous les moyens à sa disposition, a démontré la transparence et la profondeur de l'arrière-plan et un brillant triomphe de la vie dessus. Dans les œuvres de l'artiste, vous pouvez souvent voir un changement bizarre de lumière et d'ombre, débordement inimitable de tons clairs et un jeu de reflets.
Même dans ses portraits classiques sombres, Serov a pu introduire un léger accent de manière à souligner et à souligner la personnalité de la personne représentée. Valentin Aleksandrovich a prescrit même de petits détails et des objets avec une grande fiabilité, consolidant sa renommée d'artiste très méticuleux qui attache de l'importance à chaque élément.
Il est à noter que l'artiste a peint ses toiles dans les meilleures traditions de l'impressionnisme bien avant de pouvoir voir les peintures elles-mêmes des représentants de cette direction, né en France et voyageant à travers l'Europe jusqu'en Russie seulement deux décennies plus tard.
Un génie si sensible, comme Serov, de tout son être a repris des idées novatrices, a soudainement commencé à travailler d'une manière complètement nouvelle et inhabituelle pour notre école de peinture, appelé le nouveau réalisme. On peut juger de l'impression que la première exposition des œuvres du jeune Valentin Serov a fait sur le public, d'après l'enregistrement réalisé dans la monographie par Igor Grabar, qui a écrit :« L'antithèse « vérité de la vie et vérité de l'art » peut être symbolisée dans les noms suivants :Manet et Courbet en France, Aable et Menzel en Allemagne, Serov et Repin en Russie. Je me souviens de la première fois où j'ai ressenti toute la signification de cette antithèse. C'était en 1888. Pour nous, les adolescents d'alors, les jours d'ouverture des deux seules expositions moscovites de l'époque, le Périodique et le Mobile, étaient de vraies vacances, les plus beaux jours de l'année… L'exposition était extrêmement significative. Maintenant, il est clair que cela ne s'est produit ni plus tôt ni plus tard… elle était destinée à jouer un rôle énorme dans l'histoire de notre dernier tableau… Le plus important de tous était… deux toiles alors inconnues de Serov, deux de ces perles, que s'il ne fallait citer que cinq des tableaux les plus parfaits de toute la peinture russe la plus récente, alors les deux devraient inévitablement être inclus dans cette liste… ".
La monographie traite de deux portraits qui ont instantanément élevé le peintre de vingt-deux ans à une hauteur inatteignable. Cette œuvre est « Une fille aux pêches » (1887, la Galerie nationale Tretiakov, Moscou) et « Une fille illuminée par le soleil » (1888, la Galerie nationale Tretiakov, Moscou). La première toile fait sensation à l'époque du sombre réalisme et de l'apparente prédominance des couleurs sombres et ternes dans la peinture. Dans ce contexte, l'impact émotionnel de la peinture rayonnante de Serov, rempli de soleil, dont les rayons traversent la pièce, avec une transition douce de toutes sortes de nuances, la chaleur envoûtante des couleurs pastel, tous ensemble n'était pas seulement un nouveau mot, mais une nouvelle bouffée de vent des changements dans l'art russe.
Le peintre lui-même a décrit le travail sur la peinture :« Tout ce que j'ai réalisé, c'est la fraîcheur, cette fraîcheur particulière que vous ressentez toujours en nature et que l'on ne voit pas dans les peintures. J'ai écrit pendant plus d'un mois et je l'ai tourmentée, pauvres, à mort, Je voulais vraiment conserver la fraîcheur du tableau lorsqu'il était complètement terminé, comme les vieux maîtres… ".
La toile représente un enfant spécifique - Verusha Mamontova, mais l'œuvre elle-même était tellement plus une composition qu'un portrait d'une personne en particulier que son nom général - "Fille aux pêches" est devenu célèbre. L'œuvre est comme tissée de soleil et de joie, remplir la pièce à ras bord, enveloppant tous les objets d'un halo étincelant. Des rayons de lumière glissent le long des murs, tomber sur une nappe blanche, jouer sur les épaules et les manches de la robe rose de la fille, pénétrant à travers le tissu fin, "Lapin" chaud se trouve sur la peau sombre des joues. Il semble que l'air de la pièce sonne et soit transparent, rempli de l'odeur délicate des pêches et des étincelles d'or étincelantes.
La peinture est peinte avec des couleurs si pleines de lumière qui transmettent avec une précision unique la réalité que l'harmonie de la vraie vitalité chevauche la beauté incontestable de cette œuvre et respire littéralement dans chaque sujet représenté. Les yeux noirs de Verusha brillent d'une spontanéité enfantine, derrière laquelle se devine aussi son inquiétude, l'enfant retient à peine un sourire, elle est déjà impatiente de mordre la pêche choisie, qu'elle tient d'une main bronzée étonnamment peinte. Tout le look de la fille, d'une mèche de cheveux ébouriffée à un petit rire dans les yeux, est pleine d'une énergie infatigable et lui donne une nature vive et curieuse. Même après plus de cent ans, la fillette de douze ans sur la photo continue de mener une vie insouciante.
Même les pêches sur la photo participent à l'action. Ils sont énoncés avec une imagination littéralement saisissante. Leur peau de velours est presque physiquement palpable. Les dossiers des chaises et le dessus de table poli sont également étonnamment soulignés. D'une manière incompréhensible, Serov parvient à transmettre la texture des choses du polissage brillant au velours magique, absorbant doucement la lumière et s'harmonisant harmonieusement avec la même peau de velours d'un enfant. La Société des amateurs d'art de Moscou a décerné le prix au jeune Valentin Serov pour cette œuvre.
Une autre œuvre - "La fille illuminée par le soleil" (portrait du cousin de Serov M. Ya. Simonovich), est une autre toile solaire, dans laquelle l'artiste a accordé une attention particulière à la transmission du jeu captivant d'ombre et de lumière. Une fille assise sous un arbre est enveloppée d'un motif de feuillage de dentelle percé par le soleil d'un après-midi d'été calme. Son visage est calme, toute sa posture est féminine et détendue, comme si elle était dans le royaume du repos et de la paix. Le débordement ajouré d'éclats de soleil inonde le chemisier et la peau de l'héroïne. Ils sont écrits en traits presque mosaïques, créant un contraste avec la jupe bleu-violet en velours d'une douceur inattendue. De nouveau, le peintre était capable de transmettre avec une précision incroyable le débordement de velours du tissu avec plusieurs longs traits. L'œuvre retrace un rythme de vie complètement différent de celui de la « Fille aux pêches » écrite un an plus tôt. Ces deux œuvres semblent se chevaucher, comme des allégories picturales :enfance et adolescence, enjouement insouciant et contemplation rêveuse. Beaucoup plus tard, en novembre 1911, juste avant sa mort, Serov, avec Igor Grabar, regardé cette toile dans la galerie Tretiakov. « Il resta longtemps devant elle, " se souvient Grabar, « la regardant attentivement et sans dire un mot. Puis il agita la main et dit :pas tant à moi qu'à l'espace :« J'ai écrit cette chose, et puis toute ma vie, peu importe à quel point il est gonflé, rien n'est sorti, puis tout était épuisé. »- se souvient Grabar, - la regardant attentivement et sans dire un mot. Puis il agita la main et dit :pas tant à moi qu'à l'espace :« J'ai écrit cette chose, et puis toute ma vie, peu importe à quel point il est gonflé, rien n'est sorti, puis tout était épuisé. »- se souvient Grabar, - la regardant attentivement et sans dire un mot. Puis il agita la main et dit :pas tant à moi qu'à l'espace :« J'ai écrit cette chose, et puis toute ma vie, peu importe à quel point il est gonflé, rien n'est sorti, puis tout était épuisé.
Bien sûr, le dire, le peintre était trop critique envers lui-même. Tous ses travaux ultérieurs ne font que confirmer son talent remarquable, qui était simplement à la recherche constante de nouvelles formes d'expression, permettant à son propriétaire de nous montrer la réalité à travers de nouvelles formes de sa perception unique.
Vie personnelle et publique du maître
Dans une lettre de Venise à la mariée Olga Trubnikova, Serov écrit en 1887 sa fascination pour les « maîtres de la Renaissance du XVIe siècle » :« Il leur était facile de vivre, insouciant. Je veux être comme ça - sans soucis; dans ce siècle ils écrivent tout difficile, rien d'encourageant. Je veux, Je veux quelque chose de bien et je n'écrirai que quelque chose de bien. " Deux ans plus tard, en janvier 1889, Olga Trubnikova et Valentin Serov se sont mariés à Saint-Pétersbourg. Après 10 ans, en 1999, l'artiste a représenté leurs fils Yuri et Sasha dans le tableau "Enfants" (Musée russe, Saint-Pétersbourg).
Serov était un portraitiste talentueux. Ses premiers modèles étaient des gens familiers et proches de lui :écrivains, artistes, artistes. Il peint souvent des portraits de ses amis :Rimski-Korsakov, Korovine, Repin, Lévitan et Leskov.
Pour chaque nouvelle œuvre, l'artiste a choisi un style particulier, soulignant l'individualité de ses personnages. Par exemple, créant le tableau « Portrait de Konstantin Korovine » (1891, Galerie nationale Tretiakov, Moscou), le maître a dépeint son ami d'une manière complètement "Korovine", en utilisant de grands traits libres et les couleurs inhérentes à Korovine, enrichissant ainsi les caractéristiques personnelles de l'artiste. Vêtements de maison, une pose libre et tous les environnements environnants traduisent très précisément le tempérament et l'apparence de Konstantin.
Le Portrait de I. I. Levitan (1893, Galerie nationale Tretiakov, Moscou) a été exécuté d'une manière complètement différente. Pour lui, Serov trouve d'autres moyens graphiques, un autre, couleur plus sobre. Le front haut aristocratique et la main gracieuse se détachent sur la toile avec deux points lumineux, tout le reste est absorbé dans le calme crépuscule brunâtre. Il n'y a pas un seul objet dans l'image, faisant au moins allusion au type d'activité de la personne représentée, bien que Levitan ait posé dans son atelier. Pour Serov, il était beaucoup plus important de transmettre le caractère de son ami, son roman, mélancolie, tristesse constante, réflexion et poésie.
Valentin Serov menait une vie publique active. Depuis 1894, il a commencé à participer à l'Association des expositions d'art itinérantes. Trois ans plus tard, en 1897, il a commencé à enseigner à l'École de peinture de Moscou, Sculpture et architecture. Parmi ses étudiants se trouvaient des artistes tels que Pavel Kuznetsov, Nikolaï Oulianov, Nikolaï Sapounov, Martiros Saryan et Kuzma Petrov-Vodkin.
Les intérêts de l'artiste ne se limitaient pas aux animaux et aux portraits d'amis, comme le disait Serov lui-même :« Je suis encore un petit paysagiste. Ses paysages sont étonnamment laconiques et sans prétention, ce qui ne les empêche pas de rendre incroyablement subtilement l'ambiance de la nature environnante. De plus, l'artiste avait un flair parfaitement développé pour choisir des coins étonnants pour ses paysages.
Le peintre aimait travailler principalement sur l'image du village russe. Par-dessus tout, il aimait la bande médiane de la Russie, qu'il a magnifiquement et subtilement représenté dans les peintures "Femme dans une charrette" (1896, Musée d'État russe, Saint-Pétersbourg), « Octobre » (1895, Galerie nationale Tretiakov, Moscou), « Hiver » (1898, Musée d'État russe, Saint-Pétersbourg), « Se gargariser » (1891, localisation inconnue), "Femme au cheval" (1898, Galerie nationale Tretiakov, Moscou), et « Striguni à un point d'eau » (1904, Galerie nationale Tretiakov, Moscou).
Au début du XXe siècle, soit de 1900 à 1904, l'artiste était membre de l'association « World of Art ». Au cours de cette période, Serov a été emporté par l'image du tsar réformateur Pierre Ier, à qui il a consacré plusieurs de ses belles toiles. En ce moment, le peintre commence à s'intéresser de près aux processus politiques qui se déroulent dans son pays natal. C'est peut-être précisément ce qui a suscité l'intérêt pour la figure de Pierre, qui a ve'cu, comme Serov lui-même à l'ère du changement.
L'œuvre de l'artiste « Peter I on the Dog Hunt » (1903, Musée d'État russe, Saint-Pétersbourg) est très révélateur. Selon l'intrigue de l'image, le jeune roi décide de donner une leçon aux nobles qui se vantaient de leur succès dans la chasse aux chiens. Peter décide de prouver aux fiers que leur chance dépend entièrement de l'habileté des serfs. Le roi organise une chasse où il n'y a pas un seul chenil, forçant les boyards eux-mêmes à faire face à la meute. Naturellement, il y a un chahut complet, juste pour le plaisir de Peter. Beaucoup de vénérables chasseurs tombent de leurs chevaux, être incapable de contrôler les chiens. Dans ce travail, Serov a réussi de manière exceptionnellement fiable à transmettre la saveur de l'hiver russe et l'humeur de tous les participants à la scène.
Un autre tableau de l'artiste, écrit un peu plus tard, en 1907, « Pierre Ier » (Galerie nationale Tretiakov, Moscou), est dédié au grand réformateur russe. On voit ici à la fois une scène très pathétique et très dynamique, rempli de l'esprit des transformations rapides de cette époque héroïque. Pierre Ier avance rapidement à la rencontre du vent, soufflant pratiquement sa suite. L'image est conçue pour souligner la grandeur, la force et la détermination du souverain.
Serov a réussi à être un académicien, ayant été élu en 1903 membre à part entière de l'Académie des Arts. Mais cela n'a pas duré longtemps. Deux ans plus tard, l'artiste abandonnera le statut honorifique pour protester contre l'exécution massive du 9 janvier, 1905.
Le peintre a également participé à l'organisation de la publication satirique "Zhupel", dessinant pour lui des caricatures d'orientation politique. Aussi, depuis une quinzaine d'années, Veerov a créé des illustrations d'animaux pour les fables de Krylov. Ce sont ces dessins qui sont devenus l'idée préférée de l'artiste; il les a répétés plusieurs fois, rechercher avec un soin particulier les traits et les émotions nécessaires. Déjà dans ses années de maturité, Serov a créé un certain nombre de chefs-d'œuvre du néoclassicisme et du modernisme russe dans la peinture et le graphisme, prouvant une fois de plus sa polyvalence et la recherche constante du style et de la manière de peindre.
En 1907, le maître a visité la Grèce, qui l'a marqué de manière indélébile avec ses sculptures et ses monuments. Serov a créé plusieurs peintures sur panneau décoratives dédiées au thème antique :« Ulysse et Navzikaya » (existe en plusieurs versions) et la légende poétique sur « L'enlèvement d'Europe » (les deux œuvres de 1910, Galerie nationale Tretiakov, Moscou). Le taureau Zeus représenté sur la dernière photo est étonnamment vivant, avec un regard complètement significatif, tandis que le visage de la fille, au contraire, est comme un masque antique, allégoriquement figé et sans émotion.
Comme beaucoup d'artistes de l'époque, Serov a collaboré avec des théâtres. Son rideau au ballet "Schéhérazade", un véritable chef-d'œuvre des beaux-arts, créé en 1911, a été un succès retentissant à Londres et à Paris.
Le meilleur portraitiste de Russie
La gloire d'un portraitiste talentueux est devenue pour Serov un véritable esclavage et une malédiction. Après 1895, les commandes de portraits de la noblesse bourgeoise et aristocratique affluaient à l'infini sur l'artiste. Malgré l'énorme assiduité, le peintre rêvait de dessiner des gens pas du tout laïcs, mais des animaux, il a donc travaillé avec beaucoup d'enthousiasme à la création d'illustrations pour les fables. Mais, avec la croissance de la compétence de l'artiste, sa renommée du meilleur portraitiste de Russie ne cesse de croître.
Le portrait de S. M. Botkin (1899, Musée d'État russe, Saint-Pétersbourg) parle du talent prononcé de Serov en tant qu'artiste-psychologue. Le peintre n'a pas pu résister à faire un peu d'ironie dans les portraits profanes. L'élégante Sofya Botkina dans une luxueuse robe dorée brodée de fleurs artificielles est située sur un canapé recouvert de soie bleue, ornement floral richement tissé. L'artiste s'agace de ce luxe fantaisiste de l'intérieur, l'abondance excessive d'or et la dame elle-même, qu'il appelait la « maîtresse qui s'ennuie ». L'oeuvre, pleine d'ironie subtile, immédiatement après la publication, a été surnommée la « dame sur le canapé dans le désert ».
En effet, l'artiste a tellement flouté le fond de l'image qu'il semble s'étendre bien plus profondément, comme au-delà de l'horizon. Mais ce n'est pas la chose la plus intéressante dans le portrait, contre toutes les lois de composition, Serov a déplacé la "maîtresse" posant du centre vers la droite, et strictement au centre de la toile, il a planté un petit lévrier italien, écrit avec presque plus de soin et d'amour que sa maîtresse élégante et luxueuse. L'artiste était convaincu que la présence d'animaux ajoute du naturel aux postures tendues et élaborées des gens.
L'exemple le plus frappant de ce qui précède est le "Portrait du Grand-Duc Pavel Alexandrovitch" (1897, Galerie nationale Tretiakov, Moscou). Dessus, le prince lui-même est représenté dans un temps contre nature, comme si figé pose, tandis que son cheval - sensible, vivant, avec des yeux intelligents - donne à la toile dynamique et naturel. Pour ce portrait d'apparat, qui fut l'un des premiers portraits de ce genre dans la carrière de l'artiste, Serov a reçu la médaille d'or du Grand Prix à l'exposition universelle de Paris en 1900.
L'image sur les portraits d'animaux devient une sorte d'exutoire pour l'artiste. Donc, dans "Portrait du comte F. F. Sumarokov-Elston avec un chien" (1903, Musée d'État russe, Saint-Pétersbourg), le peintre lui-même insista sur la présence sur la toile de son chien adoré un jeune comte, qui, à la fin, semble presque plus important son noble propriétaire. La même histoire avec un magnifique cheval blanc sur le « Portrait du prince F. F. Yusupov » (1903, Musée d'État russe, Saint-Pétersbourg).
Selon les contemporains de Serov, c'est son pinceau qui possède le meilleur portrait du dernier tsar russe. Le tableau "Portrait de l'empereur Nicolas II" (1900, Galerie nationale Tretiakov, Moscou) n'a pas été facile pour l'artiste, qui convenait le moins au rôle de peintre de cour, selon ses aspirations créatrices et sa disposition spirituelle. Le peintre était déjà célèbre, eu un grand nombre de commandes, qu'il rejetait souvent en raison de l'impossibilité physique de tout faire.
Bien sûr, Serov ne voulait pas peindre le portrait du souverain du pouvoir, mais il ne pouvait pas non plus refuser l'empereur lui-même. Le portrait n'a pas fonctionné pendant longtemps. Most of all, the empress annoyed the painter, who constantly intervened in the creative process with her advice. Par conséquent, Serov could not stand it and gave the brush with the palette to her hands, offering to finish the portrait herself, since she is so good at painting. Never being arrogant Nikolai, apologized to the artist for the tactlessness of his wife. But the portrait still eluded the sharp eye of the master, the image of the emperor conveyed by him was falling apart. Serov was extremely dissatisfied with himself, he could not finish the failed picture, this would have hurt his pride too much for Russia’s best portrait painter. In the end, the artist had to admit to the sovereign that he could not continue, since the portrait did not succeed.Emperor Nicholas II, dressed in a plain jacket of an officer of the Preobrazhensky regiment, reconciled with the situation, sat down at the table, folded his arms in front of him and looked at the portrait painter with genuine sadness. It was this view, revealing the inner essence of the emperor’s personality, perfectly characterizing his delicacy and vulnerability, that Serov needed.
After many years, Konstantin Korovin will speak of the canvas like this:“Serov was the first of the artists who caught the softness, intelligence, and at the same time the emperor’s weakness, and captured them on canvas…” In its execution, the portrait is almost sketchy, but thoughtfully accurate and harmonious, completely lyrical and simple. A surprising similarity of the emperor was noted by all contemporaries. The artist was able, with the light movements of the brush, emphasized by simple execution and discreet color scheme, to concentrate the attention of the viewer in the eyes of the sovereign, showing not the emperor, but a simple man, with his anxieties, concerns and expectations. Thanks to this approach, the portrait turned out to be very successful. Malheureusement, the original canvas was destroyed in 1917, an original copy has come down to us.
Often the artist wrote symbolic works. As, par exemple, the painting "Portrait of Actress M.N. Ermolova" (1905, State Tretyakov Gallery, Moscow). The architect Fedor Shekhtel, seeing the work, said that:"This is a monument to Ermolova!" And, En effet, the canvas is monumental, and the great actress herself resembles an ancient sculpture or even a column directed upward. Ermolova’s head is written against the background of a mirror reflecting the ceiling, which creates the illusion of the ascension of the actress’s figure, like a caryatid. The monochrome and chamber nature of the portrait seems to elevate the heroine on a pedestal, while emphasizing the stamp of exclusivity and loneliness of the creative person.
The painter liked to portray artists in their theatrical roles. Serov created the wonderful “Portrait of Francesco Tamagno” (1903, State Tretyakov Gallery, Moscow), where the magnificent singer is captured in a theatrical beret, and a symbolic reflection of gold is visible on his throat. The second example is the “Portrait of Chaliapin” (1905, State Tretyakov Gallery, Moscow), which was famous for the fact that in life it almost never left the stage image that had become familiar.
But the peak of the artist’s skill was “Portrait of Ida Rubinstein” (1910, State Russian Museum, St. Petersburg), depicted in the image of Cleopatra. It was not for nothing that the choreographer Mikhail Fokin considered the appearance of the ballerina indispensable for the then fashionable ballets Scheherazade and Cleopatra in the famous Diaghilev seasons. The idea was the charismatic sophistication of Art Nouveau, a la Beardsley, and the perfect match with the tastes of that era. Rubeinstein appeared in Cleopatra, barely covered by an almost transparent coverlet, which Lev Bakst invented specially for her.
The artist brilliantly combined art and life in this picture, bringing together the theatrical images of the heroine with her stylish, east-exotic appearance. Cleopatra and Zobeida forever united in the silhouette of a ballerina, the East fused with Egypt on the fine line of fiction and reality.
But a living person in this paradoxical fusion of the "theater of life" and the "truth of art" is defenseless in his nakedness. The mythological “beautiful nudity” of a fictional heroine suddenly transforms into the shameless “undressing” of a specific real person, and this was precisely the most piercing note of the portrait.
Naturally, when the portrait was presented to the public, a terrible scandal erupted. “My poor Ida Rubinstein… poor, naked…”, Serov himself will comment, describing the scandal when, in spite of the rising wave of indignation, the portrait was acquired by the Museum of Alexander III.
The picture is made in the Art Nouveau style. The clearly defined contours of a fragile body make the figure seem to be embossed on a completely flat background. A bright green scarf, almost twisted into a bundle, streams along the graceful ankles of a ballerina, resembling a snake at death hour. This moment weaves as if by chance into a portrait the theme of imminent death. The heroine’s look is almost absent, farewell, otherworldly, stopped by the artist at that almost elusive moment, when the angle of the head’s rotation still allows you to touch. There is no doubt that this is the last, already doomed look of the Egyptian queen, which she sends to the world before turning forever into stone.
This canvas literally stunned Ilya Repin, like a bolt of thunder from a clear sky:"… and, like Venus from the sink, " Ida Rubinstein "appeared… It seemed to me that the ceiling of our slippery pavilion fell on me and crushed me to the ground; I stood with the tongue sticking to the larynx… ”, the artist described his impressions. Naturally, secular criticism subjected the work to a ruthless smash:"bad imitation of Matisse", "decadentism", "ugliness". Mais, despite all the violent critical cries, Serov was very proud of his work.
Each time, preparing to create a new portrait, the painter sought to avoid any repetition of the angle, pose, surroundings or gesture. He took a long look at the new model, made sketches, looked for the most expressive pose for the hero and the most suitable interior for him.
Serov for a very long time picked up a suitable setting for a portrait of the wife of the influential antiquarian Vladimir Girschman. The artist wanted the interior to emphasize the gloss and grace of this socialite, without simultaneously simplifying and belittling her brilliant beauty. The master was very sympathetic and warm to Henrietta Leopoldovna, considering her “smart, educated, cultured, modest and simple, without the manners of rich upstarts and, moreover, very pretty.” The painting “Portrait of L. L. Hirschman” (1907, State Tretyakov Gallery, Moscow) is an exquisite semantic and pictorial masterpiece of fine art.
The composition of the work is very simple. The only eye-catching figure on the canvas is a luxurious young woman in a strict black suit, who seemed to have just risen from the dressing table and turned to the artist and the audience. Perhaps she wanted to examine herself in another mirror, but between her and the opposite wall with another mirror was an artist who stopped this turn with his brush and fixed the lady’s soft but exacting look, turning him to us. The beautiful Henrietta Leopoldovna peers into the viewer, as if in a mirror, her demanding look as if addressed to those who will look at her through the ages. A strict black suit is refreshed only by a small snow-white boa, which a woman coquettishly straightens with her thin lily handle, studded with rings.A gracefully curved pose allows the heroine to lean with her second hand on the dressing table. Unlike luxurious socialites, which the artist did not like, here we see a young, austere, but beautiful woman, endowed with character and charm.
Valentin Aleksandrovich created on the canvas a game of mirrors, a double reflection, noticeable only from the side of the painter and open to the viewer. He depicted not only the back of Henrietta Hirschman reflected in the mirror, but also her blurry, small copy visible in the distant mirror, thus closing a circle and showing the viewer in reflection what was beyond the borders of the portrait canvas. Aussi, Serov for the first and last time for all his work depicted on the canvas an open dialogue between the model and the master. He portrayed himself in reflection at the very edge of the mirror. Although the artist’s face is distorted by faceting, it clearly reads the tension with which he is trying to do work for this woman.
Serov’s very characteristic X-ray view frightened many secular people so much that they were afraid to pose for him. The painter always clearly saw and impartially showed in his works the essence of the person being portrayed, the basis of his personality. Everyone knew that it was “dangerous” to pose for this artist, although Serov never deceived the expectations of customers, creating magnificent and very realistic portraits that they could be proud of.
The master himself has always recognized that he is not interested in the appearance of the posing person, but in his characterization, which can be expressed on canvas. The features revealed by artists in their heroes were often so unexpected for their owners that he was repeatedly accused of caricature. The master himself commented on this:“What if the cartoon sits in the model itself, what am I to blame? I just looked out, noticed. "
An example of such a finely thought out and fulfilled cartoon is the “Portrait of Princess O. Orlova” (1911, State Russian Museum, St. Petersburg). Igor Grabar wrote about Olga Orlova:“She could not stand, sit, talk or walk without special tricks to emphasize that she was not just an ordinary aristocrat, but… the first lady at court.” According to the surviving reviews of contemporaries, the princess was not distinguished by high intelligence, she was practically not interested in art, but she was the most elegant fashionista of St. Petersburg, she spent fortunes on the most luxurious Parisian toilets. Numerous Orlova considered Serov, who was just at the peak of popularity, worthy of honor for centuries to maintain the appearance of this secular lioness of the early XX century. What the artist did, cependant, in his own manner.
The painter began by bringing the princess’s pose to absurdity, sitting on a low ottoman high and slender Orlova, so that her sharp knees protruded up and forward. The luxurious mantle slipped slightly, revealing a graceful white shoulder. The princess seems to play with a string of pearls, and in this ambiguous gesture she shows a hand at herself, as if emphasizing the significance and importance of her own person. The compositional center of the picture was the huge black hat of the heroine, which is clearly too much. She seems to slam the model, lowering it even lower compositionally.
The pretext for this situation was the situation, as if the princess had sat down for a moment in anticipation of her crew, having already fully gathered for the exit. Orlova’s face expresses the usual nervous frustration caused by the need to wait. Her high eyebrows are raised perplexedly, and her chin arrogantly raised. Orlova holds an elaborate posture, even being alone in expectation, her defiant arrogance is almost vulgar, but the mannerism and unnaturalness of an exquisite socialite is deliberately emphasized by the portrait painter.
Behind the princess is a large vase, almost copying the silhouette of the model. Representing on the wall a shadow cast by a vase, Serov deliberately distorts it, contrary to the photographic accuracy of his eye. The outlines of the shadow are more reminiscent of the heroine of the canvas in her huge hat. Donc, the artist subtly hinted that the princess is as empty as the vase behind her. It is not surprising that the princess herself and her admirers were disappointed with the portrait, although the painter very carefully depicted the folds of fabric of an expensive dress, and the ebb of luxurious fur and the chic decor around the heroine.
Serov was accused of subjectivity to Orlova and that he did not use the heroine’s most advantageous qualities - her elegance and high growth. Nevertheless, this picture once again proved the sensitivity and insight of the artist. The customer, without regret, presented the portrait to the Museum of Alexander III (State Russian Museum of St. Petersburg), expressing the only condition that he should not be exhibited in the same hall as the portrait of the naked Ida Rubinstein.
A friend of the artist Vladimir Dmitrievich von Derviz wrote in his memoirs about him:“Valentin Alexandrovich was distinguished by absolutely exceptional directness and simplicity, despite his seemingly rather mild character, he knew how to defend his views and never compromised his convictions.”
Epilogue
The great painter died unexpectedly, on the morning of November 22, 1911, on the way to the Shcherbatovs’ house, where a portrait session was scheduled for him. The cause of Serov’s early death was an angina attack. Having lived only forty-six years, as many as thirty of them, Valentin Serov confidently and enthusiastically weaved the golden strokes of his stunning solar masterpieces into the canvas of the Russian Silver Age. Being in the prime of life, the artist worked a lot. Worshiping the talent of the painter, the poet Valery Bryusov wrote:“Serov was a realist in the best sense of the word. He accurately saw the secret truth of life, his works revealed the very essence of those phenomena that other eyes could not even see. "
Zhuravleva Tatyana
