Pierre Paul Rubens (1577-1640)
Le grand artiste Peter Paul Rubens est né le 28 juin 1577, par la volonté du destin, loin de la patrie de ses ancêtres - dans la petite ville allemande de Siegen (Westfalen). Le sixième enfant de l'avocat Jan Rubens et de la fille marchande Maria Papelinks était destiné à devenir le leader de la nouvelle esthétique et de l'art émergents de la Flandre - un état qui, par l'année où le peintre est né, n'existait même pas sur la carte politique du monde. Seulement en 1609, la trêve tant attendue a été conclue entre l'Espagne, Hollande et Flandre, qui a jeté les bases de la renaissance d'un pays détruit par de nombreuses années de guerre.
En Flandre, comme dans de nombreux états de l'Europe médiévale, l'Église catholique a joué un rôle majeur dans la vie de l'État, couplé avec la noblesse féodale qui le soutient et la plus haute couche de bourgeois. Ce sont ces couches de la haute société qui sont les principaux clients des œuvres d'art. À cause de quoi, des images d'autel majestueuses créées sur ordre de l'Église catholique et des peintures grand format conçues pour décorer les châteaux et les palais de la ville noble d'Anvers ont été largement utilisées dans la peinture flamande. Les principaux genres de l'art étaient les scènes mythologiques, sujets bibliques, magnifiques natures mortes, portraits de cérémonie et scènes de chasse.
Jan Rubens était le représentant d'une vieille famille anversoise. Sa fuite en Allemagne en 1586 a été causée par une attitude sympathique envers le protestantisme. Initialement, la famille s'installe à Cologne, où un avocat respecté a reçu le poste d'avocat Anna Saxon, l'épouse de Guillaume Ier d'Orange, qui était le chef de la résistance hollandaise. Bientôt, entre l'avocat et la princesse il y avait une histoire d'amour, se termine par la naissance de leur fille. Le scandale qui a éclaté a presque tué Jan Rubens - il a été condamné à mort par Wilhelm, ce qui est tout à fait conforme aux lois de l'époque. Seulement par les efforts incroyables de sa femme Rubens, il a pu se libérer de prison en prison pour s'exiler dans la petite ville de Siegen. Toute la famille y vécut jusqu'à la mort de Jan Rubens, décédé à cinquante-sept ans après une longue maladie. Seulement après cela, en 1578, Mary a pu retourner à Anvers avec ses trois plus jeunes enfants - ses fils Peter et Philip et sa fille Blandina.
Retour à Anvers
A Anvers, Pierre et Philippe furent envoyés étudier à l'école latine de Rombouts Verdonka, dans lequel ils sont restés jusqu'en 1590. Bientôt leur sœur s'est mariée, et sa mère a envoyé Philip à l'Université de Louvain afin qu'il puisse suivre les traces de son père et devenir un avocat respecté. Et le jeune Pierre, comme c'était la coutume dans les familles nobles mais pas riches, est entré au service d'une page à Margarita de Lin, veuve du comte Philippe de Dalen. Là, Rubens apprit l'étiquette de la cour et les manières exquises, et s'est également rendu compte que sa seule vocation était la peinture. Même si, que la mère permette à Peter d'obtenir le métier d'artiste, le jeune homme a pris beaucoup de temps.
Dans les premiers professeurs de son fils, Maria a choisi ses parents éloignés - les artistes Tobias Verhacht (1561-1631) et Adam Van North (1561-1641). Le deuxième d'entre eux était vraiment un merveilleux peintre, très respecté par ses contemporains, mais il était connu comme une personne capricieuse qui traitait ses étudiants assez grossièrement. Bientôt Rubens entra dans l'atelier d'Otto van Weet (Venius) (1556-1629) - le plus célèbre peintre anversois. L'enseignant a eu un impact sérieux sur la perception de Peter de l'esthétique artistique, lui a inculqué les compétences d'étude approfondie et de composition, et développé un intérêt pour les aspects intellectuels de la peinture. Même après être devenu un artiste indépendant, rejoindre la Guilde anversoise de Saint-Luc (en 1598), Rubens a continué à améliorer son art, basé sur les principes de son dernier professeur.
La vie en Italie
Rubens, comme beaucoup de peintres flamands, dont Otto van Weet, était absolument sûr que « la vraie lumière de l'art ne vient que d'Italie ». Début mai 1600, il se précipita vers son rêve, obsédé par l'idée de tomber dans ce trésor de la peinture, la sculpture et l'architecture pour comprendre l'essence même de l'art. Arrivée en Italie, le peintre a beaucoup travaillé, étudié la technique des maîtres anciens, et copié leurs toiles. Il a été conquis par les œuvres de Léonard de Vinci, Corrège, Michel-Ange, mais la plus grande influence a été exercée par les œuvres de Titien, ainsi que par des artistes contemporains, Michelangelo da Caravaggio et les frères Carracci.
Rubens a compris que pour devenir un « grand artiste », il ne suffit pas d'étudier l'art, il faut s'immerger dans la culture, douane, vie du peuple italien. Par conséquent, à la fin de 1600, l'artiste est entré au service du peintre de la cour du duc de Mantoue Vincenzo I Gonzago, qui était connu comme un collectionneur gentil et doux, mécène, admirateur passionné d'art et de science. En son nom, Rubens a copié de nombreuses œuvres de maîtres célèbres. En plus de remplir ses fonctions directes, l'artiste participait souvent aux affaires diplomatiques du duc.
Par exemple, c'est Rubens qui apporta les présents de Vincenzo Ier au roi d'Espagne, Philippe III et son Premier ministre, Duc de Lerma, en 1603-1604. Les murs du palais Gonzago étaient décorés de toute une collection de portraits des « plus belles dames du monde :à la fois des princesses et des femmes sans titre ». Un certain nombre de portraits de cette célèbre série d'archives historiques ont été réalisés par Peter. Malheureusement, la "galerie des beautés" n'a pas survécu jusqu'à nos jours, mais peut-être était-ce précisément la raison pour laquelle l'artiste fut envoyé à la cour du roi d'Espagne.
Heures supplémentaires, La fierté de Rubens a commencé à beaucoup souffrir du fait que Gonzago a utilisé son talent exclusivement pour créer des copies, bien que génial, mais des peintures extraterrestres. L'artiste n'a pas non plus accepté la technique acceptée d'écrire des portraits personnalisés, lorsque le visage du modèle s'intègre simplement dans le schéma de composition pré-préparé de la nature.
Ayant la capacité de trouver son approche non conventionnelle de n'importe quel genre, peu importe à quel point il était intéressant, Rubens a insufflé un nouveau souffle au strict cadre « canonique » du portrait de cour, le libérant de la rigidité de l'écriture, le détachement du modèle et la composition figée. L'artiste a introduit le mouvement et la vie dans le genre du portrait, a ajouté une richesse de couleurs et a renforcé l'importance du fond de paysage environnant, ce qui en fait une digne expression de l'art monumental. Après avoir passé huit ans en Italie, Rubens a peint de nombreux portraits d'aristocrates, par exemple, Marquise Bridgid Spinola-Dorpa (1606, Galerie nationale, Washington), « Autoportrait avec des amis de Mantoue » (vers 1606, Musée Wallraf-Richartz, Cologne), ainsi qu'un portrait de son patron - le duc de Mantoue.
Mémoire visuelle superbement développée, une formation minutieuse et une discipline stricte ont permis au maître d'atteindre une telle précision et une telle dureté de sa main lors de la création de croquis et de dessins que parmi ses contemporains, il n'était plus égal. Grâce à ça, c'était Rubens, contrairement aux prétentions de tous les meilleurs artistes italiens, qui a reçu une commande importante pour écrire un retable pour l'autel de Chiesa Nuova.
Derrière l'exécution de cet ordre se trouvait sa nouvelle inquiétante d'une grave maladie de sa mère. Rubens se précipite à Anvers à la toute fin de l'été 1608, mais n'a pas le temps d'attraper Mary Papelins vivante. L'artiste était très inquiète de sa mort. En mémoire de la « meilleure des mères, " il a érigé une statue sur sa tombe, qu'il fit comme retable pour Chiesa Nuova à Rome. Mais, malgré une occasion si tragique, le peintre rentre dans sa patrie à un très bon moment. Finalement, la paix tant attendue de douze ans a été conclue avec l'Espagne, préfigurant la paix et la prospérité du pays.
Confident de l'infante Isabelle
En apprenant le retour du peintre déjà très célèbre dans son pays natal, l'archiduc Albert et l'infante Isabelle, au nom de la couronne espagnole, qui gouvernait la Flandre à cette époque, a invité Rubens à servir. Et pour que le maître accepte et ne retourne pas en Italie, où il avait un poste stable et un salaire élevé, le couple au pouvoir a offert à Peter des concessions importantes et un certain nombre de privilèges attrayants.
Donc, Rubens s'est vu remettre une chaîne en or, étant donné la position honorifique d'un artiste de cour, et un forfait élevé a été attribué pour chaque travail commandé, en plus de quoi, on lui a également promis une récompense supplémentaire importante. Contrairement aux règles selon lesquelles un peintre devrait s'installer à Bruxelles pour vivre à la cour des mécènes, Rubens a été autorisé à rester à Anvers, il était exonéré d'impôts et des règles de la guilde de Saint-Luc.
Aucun artiste ne peut refuser de telles conditions, aussi Rubens ne commença-t-il plus à retourner en Italie. Doté d'un esprit subtil, un sens du tact, charme, et la possibilité d'avoir un interlocuteur, l'artiste a fait une brillante carrière de diplomate, ce qui était également facilité par le fait qu'il communiquait constamment avec les nobles les plus influents et les plus riches de nombreux pays. La clairvoyante infante Isabelle a parfaitement compris que l'art du maître lui donnait libre accès à de nombreuses maisons royales nobles d'Europe. Elle décide d'en profiter et fait de Rubens son messager officieux. Lors des séances de portrait, l'artiste a mené des négociations secrètes au nom de la couronne espagnole. Grâce aux documents historiques conservés, nous pouvons conclure que la plupart d'entre eux ont eu une issue favorable.
Amour
Bientôt, la vie personnelle du maître a également été ajustée. En 1609, Rubens a rencontré le secrétaire du tribunal municipal d'Anvers, Jan Brant. Sa jeune et belle fille Isabella a conquis le cœur de l'artiste avec son charme Rubens. L'artiste de trente-deux ans ne l'épousa que quelques mois plus tard, le 3 octobre 1609. Le mariage heureux de l'artiste était basé sur un amour tendre et fort. Rubens a reflété son bonheur dans le film "Autoportrait avec Isabella Brant" (1609-1610, Ancienne Pinacothèque, Munich).
La toile se distingue par une splendeur particulière, virtuosité et brio. Le peintre a soigneusement peint tous les bijoux et détails de costumes coûteux, affichant un motif précis et délicat. Sur le visage d'Isabella Brant, la joie et le bonheur sincères sont lus, souligné par une douce, sourire presque imperceptible. L'artiste s'est dépeint calmement en regardant le spectateur. Un regard ouvert et des traits justes soulignent la noblesse et la dignité de Rubens, son aristocratie. Et bien que l'autoportrait se rapproche du portrait d'apparat classique, l'artiste dans son travail dépasse le strict cadre traditionnel de ce genre, donnant au spectateur l'occasion de ressentir son amour et son affection pour sa jeune épouse, leur consentement mutuel et leur tendresse.
Ayant réalisé plusieurs portraits de sa femme bien-aimée, pendant les longues années de leur vie ensemble, Rubens a toujours dépeint Isabella très fidèlement, avec précision et avec un grand sentiment, laissant l'arrière-plan de l'image sombre et flou afin de ne pas distraire le spectateur du visage de sa femme bien-aimée.
Reconnaissance universelle et talents pédagogiques
Le succès et la reconnaissance énormes ont apporté la prospérité au peintre, dont ses parents, épuisés par leur sort difficile, ne pouvait même pas rêver. En 1610, il a acquis une maison spacieuse, auquel il a attaché un studio, et décoré la façade d'une sculpture, réalisant ainsi ses projets architecturaux créés en Italie. Dans ce palais stylisé d'Anvers, l'artiste s'est installé avec sa famille.
Les débuts de l'artiste dans sa ville natale ont été une commande importante pour la salle de l'hôtel de ville d'Anvers - la toile "Adoration des bergers" (1608, Anvers). La peinture ressent une forte influence de la peinture italienne, avec des contrastes noirs et blancs brillants, qui étaient la marque du style artistique de Michelangelo da Caravaggio, que Rubens a souvent utilisé dans ses œuvres de cette période sur des sujets religieux et mythologiques. La construction compositionnelle et coloristique "Adoration des bergers" reprend presque exactement la toile Correggio "Nuit", avec seulement quelques ajouts. À cette occasion, l'artiste français Delacroix s'est exprimé un jour, notant que Rubens « avait un don unique pour absorber tout le reste… Il était rempli des plus grands exemples, les remodelant selon le commencement qu'il portait en lui.
Les premiers travaux de Rubens sur des sujets religieux lisent aussi clairement la refonte de l'expérience italienne. Travaillant sur les commandes de l'église, l'artiste ne s'est jamais senti contraint par le cadre clair des canons. La représentation de deux triptyques pour l'église locale :« L'Exaltation de la Croix » (vers 1610-1611, Cathédrale d'Anvers) et « Descente de Croix » (1611-1614, Cathédrale d'Anvers) a apporté à Rubens le succès et la gloire du meilleur peintre non seulement d'Anvers, mais de toute la Flandre. On sait que le maître a conçu la composition "Exaltation de la Croix" de retour en Italie, mais il n'a pu s'en rendre compte que chez lui. La matérialité tangible de tous les objets et les caractéristiques de vie pointues de tous les héros de cette toile indiquent également la plus forte influence de l'école italienne. Avec les œuvres du grand Caravage, le travail et la tension intérieure évidente et la dynamique de toutes les poses et gestes des héros remplis d'expression dramatique sont liés.
La construction compositionnelle des peintures représentant deux drames joués au Calvaire est forte et significative. Chaque personnage a son propre caractère unique, le plus pleinement révélé par l'interaction avec l'environnement et d'autres figures. Les mains de Jésus, situé dans la partie centrale de la toile de l'Exaltation de la Croix, ne sont pas écartés les uns des autres, mais sont étendus au-dessus de la tête, Son visage est déformé par une crise de douleur intolérable, ses doigts sont fortement comprimés, les muscles de tout son corps sont tendus. Les raccourcis pointus de toutes les figures, les efforts tangibles des bourreaux levant la croix, l'éblouissement agité de la lumière et de l'ombre forment une seule impulsion dynamique, unissant la nature et l'homme. L'artiste a tout fait pour que les croyants regardant cette œuvre n'aient pas le moindre doute sur le plus grand sacrifice que le fils de Dieu a fait pour eux.
La "Descente de Croix" a un son interne complètement différent. Le plastique, gracieux, corps presque gracieux de Jésus est en apesanteur. Rubens compare sa belle fleur, coupé par une main impitoyable. Avec un effort incroyable, Ses proches s'efforcent de maintenir le poids du corps sans vie du Christ. A côté de Jésus, nous voyons sa mère et ses amis, ainsi que « la plus aimante et la plus faible des femmes, dans la fragilité, grâce et repentance dont tous les péchés terrestres, pardonné, ressenti et maintenant racheté, sont incarnés », situé au premier plan de la toile. En général, la composition est concise, on n'y voit pas d'images de tourments insupportables, cris, gestes vifs, des larmes. Notre-Dame retient les sanglots. Seuls ses yeux rougis par les larmes sur son visage baigné de larmes et le geste retenu de ses mains traduisent son indicible tristesse.
Dans cette parcelle, le peintre était attiré par les passions et les expériences humaines, c'est probablement pourquoi il, vivre personnellement la tragédie de perdre un être cher, a été si convaincante et brillamment capable d'écrire ce travail, racontant les chagrins des parents au sujet des morts. Contrairement à l'Adoration des bergers, les triptyques créés ont révélé toute l'étendue du talent de Rubens, reflété dans l'échelle des images, le pouvoir de généralisation, le contenu de la vie profonde, combinés à un divertissement vivant - ce sont les caractéristiques du style individuel du maître, qui peut être vu dans tous ses travaux ultérieurs.
Rubens reçut donc de ses contemporains le titre de « dieu de tous les peintres ». L'énorme succès de l'artiste, qui a frappé le public avec une monumentalité extraordinaire, l'expression et la dramaturgie de ses œuvres, lui attira de nombreux étudiants. Bientôt, l'atelier du peintre était considéré comme la meilleure école professionnelle de Flandre.
L'artiste a toujours cherché à développer un don individuel chez chacun de ses élèves. Mais le nombre de personnes qui voulaient s'inscrire à la formation du Grand Rubens était si grand que beaucoup ont dû refuser. Parmi les «rejetés» se trouvaient même des amis proches et des parents du maître, ce qui a sérieusement compliqué sa vie. Donc, dans une lettre à son ami Jacob de Bi du 11 mai 1611, Rubens a écrit :« Je ne peux vraiment pas accepter le jeune homme que vous me recommandez. Je suis tellement assiégée par les demandes de toutes parts que certains étudiants attendent d'autres masters depuis plusieurs années pour que je puisse les accepter. « Je peux dire en toute sincérité, et sans la moindre exagération, que j'ai été contraint de rejeter plus d'une centaine de candidats, y compris mes proches ou les proches de ma femme, et cela a causé un profond mécontentement à certains de mes meilleurs amis. Aussi, le nombre de commandes du peintre était incroyablement grand.
Pour honorer nombre de ses commandes, Rubens est obligé d'attirer ses élèves. L'artiste allemand Joachim von Zandrart a écrit à ce sujet :« Yoon (Rubens) a toujours composé lui-même la composition du futur tableau sur un croquis de deux ou trois travées de haut, d'après ce croquis, ses élèves ont peint un tableau sur toile, qu'il passait ensuite au pinceau ou exécutait lui-même les places les plus importantes. » L'artiste a écrit seul ses meilleures œuvres. Zandrart a loué Rubens en tant que professeur. Dans son traité sur le maître, il a noté qu'il "formait toujours soigneusement" toutes ses protections et "les utilisait en fonction de leurs inclinations et de leurs capacités". Graveurs, architectes et sculpteurs sont sortis de l'atelier de Rubens, dirigés par l'artiste dans la direction à laquelle ils étaient le plus capables. Beaucoup de ceux qui ont étudié dans l'atelier du peintre ont par la suite fait la fierté et la gloire de l'école flamande. Les plus célèbres de ses élèves sont Franz Slider (1579-1657) et Anthony Van Dyck (1599-1641).
Un savoir-faire inégalé
Dans la période entre 1615-1620, les œuvres de Rubens deviennent encore plus expressives, acquérir une complexité compositionnelle, sont remplis de mouvement rapide et de traits prononcés du style baroque. Même les œuvres de cette période écrites dans des scènes dramatiques sont remplies de la plénitude et de la dynamique de l'être, un caractère vivifiant qui imprègne toute la composition. Les héros de ces peintures étonnantes sont devenus extrêmement beaux spirituellement et physiquement. L'artiste a été attiré par des thèmes racontant l'endurance d'un esprit humain inflexible, sa capacité à exploiter, le début héroïque, par exemple, l'ouvrage « Le patronage de la femme romaine » et « Le Christ à la couronne d'épines », tous deux vers 1612, le Musée d'Etat de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Pour la figure de Jésus dans la composition « Le Christ à la couronne d'épines », l'artiste a utilisé son premier croquis italien de la sculpture ancienne bien connue « Centaure ». Cette technique n'a pas fait exception, les croquis de monuments antiques lui ont servi pendant de nombreuses années comme l'une des principales sources d'inspiration. Mais dans ce tableau, la force exceptionnelle du potentiel créatif du maître a été particulièrement clairement exprimée.
La figure du Christ, assimilé à une statue antique, garde un esprit assez intense, caractéristique de la plupart des œuvres de Rubens. C'est l'expression que le maître met à l'image de la figure infiniment tragique du Christ, situé au centre de la composition, donne à l'image une netteté extraordinaire. Ayant mis une expressivité extraordinaire dans l'œuvre, le peintre a réalisé un contraste harmonieux parfait du corps brillamment consacré de Jésus et du fond sombre de la toile, combinant ainsi l'éclat émotionnel avec des techniques techniques parfaites.
Etant un grand connaisseur d'art ancien, Rubens a montré un grand intérêt pour les sujets mythologiques. L'artiste n'a jamais cessé d'admirer la vie et la beauté du corps humain. Il faut savoir qu'avec tout ça, le peintre n'a jamais copié les images des maîtres antiques, mais repensé les idéaux classiques, en les traduisant en « langue flamande ». Rubens admirait la beauté nationale d'un pays sain, floraison, corps humain fort. Surtout, l'artiste s'intéressait à l'incarnation dans la chair vivante d'une personne de sa puissance physique et de son mouvement. Et les meilleures intrigues pour une telle peinture pourraient être glanées dans la riche mythologie grecque. Les toiles les plus célèbres de cette période sont les Bacchanales (vers 1615, Musée national des beaux-arts Pouchkine) et Enlèvement des filles de Leucippe (vers 1618-1620, Ancienne Pinacothèque, Munich).
Tous les mouvements dans ces peintures sont exceptionnellement émotionnels, les gestes gestuels sont accentués par les tissus d'habillement en évolution rapide. Rubens construit avec amour des compositions complexes et spectaculaires, préférant utiliser des diagonales, ellipses ou spirales pour eux.
Donc, dans l'œuvre « L'enlèvement des filles de Leucippe », les personnes et les chevaux sont représentés au moment du plus grand stress physique. Les corps de jeunes femmes priant pour obtenir de l'aide forment un motif complexe en termes de rythmes de couleurs et de structure linéaire. Le général, La silhouette « nerveuse » d'un groupe qui s'intègre presque parfaitement dans le cercle est perturbée par des gestes expressifs. Le pathos de l'œuvre est rehaussé par l'horizon exceptionnellement bas, grâce à quoi les figures sont encore plus spectaculaires, s'envolant dans un ciel nuageux excité. La construction compositionnelle est dominée par des diagonales pointues qui montent.
Le grand pouvoir de l'amour qui peut surmonter tous les obstacles est représenté par Rubens dans le tableau Persée et Andromède (1620-1621, Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg). Ici, Persée, le fils de Danaï et de Zeus, apparaît devant nous comme la plus haute incarnation d'un héros capable de tout exploit. Le gagnant du monstre marin, de qui il sauva la belle Andromède, est représenté avec la tête de Méduse Gorgone sur le bouclier et de nombreux artefacts magiques qui l'aident à faire face à tous les obstacles. La dynamique interne intense de chaque ligne et forme, souligne le thème héroïque de l'œuvre. Les poses excitées des beaux personnages de l'image sont perçues comme l'écho d'une bataille récente. Les figures de la déesse de la gloire et des amours ajoutent de la composition au son pathétique. La coloration de la toile y contribue également. Les débordements colorés multicolores et la légèreté sont obtenus par des transitions de tons étonnamment transparents vers des couleurs vives saturées, créant une symphonie unique de l'œuvre. L'artiste a traduit l'histoire mythologique bien connue dans la langue vivante de la Flandre, en y ajoutant de nombreux détails réalistes caractéristiques des habitants de son pays, révéler le contenu du mythe d'une manière nouvelle et en même temps ne rien perdre de l'original.
Une place importante dans l'art du XVIIe siècle est occupée par les portraits de Rubens, relatif à la période de maturité de son travail. Ils révèlent tout le charme du langage pittoresque de l'artiste. Créer des œuvres de ce genre, Rubens agit en véritable successeur des traditions de la Haute Renaissance, en se limitant seulement au cadre de la ressemblance extérieure, ne se penche pas sur les caractéristiques psychologiques et les expériences émotionnelles des modèles. Absolument tous les héros des grands flamands débordent de vie. Il a interprété à la fois les images masculines et féminines telles qu'elles aiment être représentées dans les portraits d'une femme :d'abord adopté la beauté canonique, puis la ressemblance individuelle. Dans ses portraits, le peintre a parfaitement rendu tous les signes nécessaires de son époque et de la place de ses modèles dans la société.
« Portrait de la reine Marie Médicis » (vers 1622, Prado, Madrid) peut servir d'exemple frappant de la façon dont Rubens peignait les femmes - toujours un beau teint, haut front aristocratique, menton très soigné et yeux brillants grands ouverts. Une autre caractéristique de toutes les images féminines créées par le peintre était la plénitude élégante, comme un attribut invariable de la féminité et de l'attractivité.
"Portrait de la chambellan infante Isabelle" (vers 1625, le Musée d'Etat de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg) sert également d'excellent exemple du portrait du maître. A l'aide de reflets dorés clairs, reflets froids et ombres transparentes, l'artiste transmet le charme lumineux d'une jeune fille joyeuse. Rubens a généreusement enrichi la caractérisation de ses modèles en affirmant leur rôle social. Une place importante dans la structure compositionnelle du portrait cérémoniel était jouée par les détails, comme tourner la tête, un look spectaculaire, la position de la figure dans l'espace, une ambiance festive. Il a doté les aristocrates d'un sentiment de supériorité et d'un certain degré d'arrogance, ce qui en même temps ne les privait pas de leur charme vital. Et l'artiste a révélé toutes les nuances non dites à l'aide d'un costume.
Vrai, il y avait des exceptions frappantes, par exemple, "Portrait d'Elena Furman avec deux enfants" (vers 1636, Persienne, Paris) n'a presque aucun signe évident d'un portrait de défilé baroque. Il n'y a pas de vêtements luxueux et d'accessoires de luxe coûteux. Mais toute la composition de l'œuvre est empreinte d'un bonheur lumineux et serein. Les images de la mère et des enfants sont pleines d'une aisance naturelle et d'un charme expressif particulier. Ce portrait est devenu un véritable hymne à la maternité et au rôle crucial de la femme dans la vie de tout homme.
Scènes de chasse
Loin d'être une place secondaire dans l'ensemble de l'œuvre du peintre était le thème de la chasse. Rubens s'est souvent tourné vers des histoires sur la lutte entre l'homme et la nature. Personne n'a montré les combats féroces des personnes et des animaux de manière aussi vive et figurative que lui.
Si plus tôt, dans les œuvres de ses prédécesseurs, représentant des animaux, l'objectif principal était généralement de démontrer leur connaissance de la structure anatomique des animaux, et leur apparition sur les toiles, comme règle, était due à des sujets mythologiques ou bibliques, puis ils ont commencé à jouer un rôle indépendant dans Rubens. Il a créé un monde vivant où les gens et les animaux se sont battus dans une bataille spontanée. Toutes les toiles de cette série sont empreintes d'une formidable tension :les passions sont chauffées à l'extrême, les gens excités et les animaux s'attaquent violemment et sans crainte.
« La chasse aux tigres et aux lions » (1617-1618, Musée des beaux-arts, Rennes) a été écrit juste au moment où l'artiste s'intéressait le plus aux scènes de chasse et de combat. De 1615 à 1621, le peintre, à travers de telles parcelles, a réalisé l'objectif principal de son art - chanter le dynamisme de la vie et l'incarnation des moments de la réalité, qui n'autorisait qu'une certaine fraction de la fiction. Les peintures de l'artiste ne font pas une impression sombre, ils n'émanent pas d'une agression, seulement par la force et le pouvoir, passion incontrôlable et désir de vivre.
« Il y a quelque chose de délicieux dans cette horreur, », a écrit son contemporain. Création de ses célèbres scènes de chasse, le maître a joué sur les sentiments du public, le faisant sympathiser avec ce qui se passait sur la toile, et a également utilisé le véritable intérêt du public pour les animaux exotiques.
Au XVIIe siècle, L'Europe n'a découvert que le monde inconnu des autres continents. Tout le monde a déjà entendu parler de leur existence, mais très peu ont personnellement été témoins des Maures, Arabes, Tigres du Bengale, hippopotames, Girafes africaines et éléphants indiens. Rubens a souvent observé un même exotisme dans les ménageries de riches nobles, pour qui il a effectué des travaux ou avec qui il a vu lors de ses missions diplomatiques.
Le cycle historique des monarques français
La situation politique en Flandre dans les années 1620 était extrêmement tendue, mais la vie de l'artiste brillait de toutes ses couleurs. Il a supervisé le travail des peintres et graveurs dans son atelier, conçu des livres pour divers éditeurs pour des éditeurs, carton fait pour treillis, et créé des croquis pour des projets sculpturaux et toutes sortes de produits d'artisanat d'art. Sa renommée et son succès ont explosé dans toute la Flandre, et alla bientôt bien au-delà de ses frontières.
Cela a été promu par l'ordre le plus important dans la vie de Rubens, qu'il reçut en 1621. En janvier 1622, le peintre se rend à Paris pour exécuter le contrat conclu avec la mère de Louis XIII, Marie Médicis. L'essence du contrat était de peindre pour deux galeries du nouveau palais à Luxembourg à la fois.
La première partie des peintures était censée représenter des scènes de la vie de la reine elle-même, et la seconde - des scènes racontant le règne de son défunt mari Henri IV. Malheureusement, la deuxième partie de l'ordre n'a jamais été exécutée. Mais le premier d'entre eux a apporté à Rubens un succès sans précédent.
La série d'œuvres « La vie de Marie Médicis » (1622-1625, le Louvre, Paris) est devenu une œuvre historique exceptionnelle de l'artiste. Le programme d'images a été clairement compilé personnellement par la reine, mais dans l'interprétation des intrigues, leur séquence et l'ordre des figures dans la composition, le peintre s'est vu accorder une grande liberté. Ayant conservé la justesse et la fiabilité à l'image des héros, leurs costumes et l'environnement, Rubens a enrichi la composition de nombreux détails allégoriques et personnages mythologiques. Par exemple, dans la scène où Henri IV reçoit un portrait très embelli de son épouse Maria, il y a deux amours ailés, comme la personnification de l'amour et du mariage, et Junon et Jupiter regardent favorablement toute la scène, bénir le roi avec le bon choix.
La série comprend vingt-quatre grands panneaux nous racontant les événements politiques qui se sont déroulés en France au début du XVIIe siècle. Créer chaque image qui est entrée dans le cycle, Rubens l'a présenté comme une œuvre indépendante, lequel, à la fois, faisait également partie du plan d'ensemble. Toutes les œuvres de la série sont marquées par la théâtralité, la splendeur luxueuse et le caractère décoratif de l'art baroque. Malgré le fait que l'artiste ait dû attirer ses élèves pour terminer la commande, la structure monumentale des compositions, paysages spectaculaires et arrière-plans architecturaux, et la couleur élevée donne à ces œuvres des qualités décoratives incomparables.
Depuis 1621, Rubens, réussir à travailler sur le cycle de Marie Médicis, était constamment en voyage en rapport avec les missions diplomatiques de l'infante Isabelle. Lors d'un de ses voyages, au milieu de 1626, sa femme est probablement décédée lors d'une épidémie de peste. L'illustre artiste et diplomate a été très bouleversé par la mort d'Isabelle, qui était sa fidèle petite amie et arrière fiable pendant seize ans.
Mais le temps guérit tout, et quatre ans plus tard, étant retourné dans son pays natal à Anvers, Rubens épousera la fille d'une de ses amies Elena Furman. La beauté de seize ans a captivé l'artiste par sa beauté. Il lui a consacré de nombreux portraits, et son image était souvent utilisée pour peindre des tableaux sur des sujets mythologiques.
Harmonie et paix
A la fin de son œuvre, l'artiste était le plus attiré par le genre du paysage. Cela a été facilité par l'acquisition du domaine rural du Château de Steen, situé à trente kilomètres au sud d'Anvers. La plupart des paysages ont été réalisés par le maître "pour eux-mêmes", without the involvement of students, therefore they are all distinguished by special perfection. The power and heroic power of the images of early works is replaced by calm and harmony of the unity of man and nature. Rubens often writes scenes of peaceful labor of peasants and cheerful rural holidays. In landscape works, the painter develops the traditions of Dutch art, introducing a new ideological value into them.
The earlier painting “The Carrier of the Stones” (circa 1620, the State Hermitage Museum, St. Petersburg) is somewhat dramatic. Rocks in the foreground seem to soar from the bowels of the earth, creating a severe obstacle to people and horses. In the later works of Rubens, intonations change, nature appears before us as a single way of being, where a person lives happily and calmly.
The central theme of the artist’s paintings is rural nature, full of beauty and epic grandeur. His paintings seem to come to life endless expanses, the pristine forces of nature, harmoniously combined with the powerful figures of peasants engaged in their daily work. In the works of “Kermes” (circa 1635, the Louvre, Paris) and “Peasant Dance” (circa 1635-1638, Prado, Madrid) we do not see everyday authenticity, only a generalized type of a strong and beautiful Flemish people, written with love by the master.
Working for his own pleasure, Rubens explored a new technique, trying to show the true nature, not embellished with theatrical effects. John Constable, a distinguished English landscape painter, wrote:“Rubens hasn’t shown his grandeur in any other genre as in landscape.”
All the last years of the master’s life, he was tormented by the severe form of gout. Mais, even when the left and then the right hands first refused, the artist did not leave the fortitude, optimism and cheerfulness. On May 27, 1640, Rubens made his will, and on May 30 a sharp attack of gout stopped his heart. Received a grandiose recognition during his lifetime, the great "god of painters" died.
Peter Paul Rubens was buried in a most solemn manner. Contemporaries in deep sorrow led him on his last journey. The coffin with the body of the painter was accompanied by the choir of the Church of Our Lady and a solemn procession of sixty torchbearers, and in front of him they carried a golden crown on a pillow of black velvet.
