Paul Cézanne (1839-1906)
Le célèbre peintre français Paul Cézanne a été un pionnier du post-impressionnisme. Vivre et travailler avec les plus grands maîtres de l'impressionnisme, étant au début de son voyage sous leur influence, Cézanne, à la recherche de son propre style, est allé plus loin que ses collègues. Ayant appris l'art de transmettre les états miraculeux de la nature, l'artiste s'est plongé dans la recherche des fondements formateurs de tout ce qui l'entoure et a essayé d'apprendre la logique intérieure des choses. L'approche innovante du peintre ne lui a pas permis au cours de sa vie de recevoir un succès et une renommée bien mérités. Seul le temps remet tout à sa place.
Lancer de la jeunesse
Le futur artiste est né le 19 janvier 1839 dans une petite ville du sud de la France - Aix. Paul était le premier-né de la famille du banquier Louis - Auguste Cézanne. Le père, qui a commencé par la production et la vente de chapeaux, puis a ouvert sa propre banque, était un homme très puissant, toute la famille obéit strictement à sa volonté. La mère de l'artiste, Anne, Elisabeth, a donné naissance à deux autres filles, Maria et Rosa, mais elle adorait son premier enfant, Paul, et a toujours essayé de le soutenir. Le peintre lui-même a idolâtré toute sa vie et a eu peur de son père.
Depuis l'enfance, avoir une envie de dessiner, Paul Cézanne depuis cinq ans a peint les murs de la maison au fusain, même alors, créant des images très crédibles. Mais seule sa mère était fière de ses succès, son père rêvait de voir son successeur dans le fils. Par la volonté de son père, Paul en 1849 entre dans l'une des meilleures écoles de la ville - l'école Saint-Joseph, d'où, en 1852, il passa en sixième année du prestigieux collège fermé de Bourbon.
Au collège, le futur artiste célèbre Paul Cézanne rencontre le futur écrivain célèbre - Emil Zola. Leur amitié, à la fin, a joué un rôle important dans le destin du peintre. Puis, dans sa jeunesse, ce fut Zola qui découvrit à Paul le monde magique des livres et de la poésie. Les amis s'éloignaient souvent d'Aix, plein de rêves sur un bel avenir et un amour pur.
En 1855, Paul, seize ans, est diplômé de l'université, s'est distingué en écrivant de la poésie en français et en latin, et nullement réalisé en tant qu'artiste. Après avoir obtenu son diplôme universitaire, Cézanne entre à la faculté de droit, sur laquelle son père a insisté catégoriquement. À la fois, dans les soirées, Paul commence à étudier à l'école de peinture Joseph Joseph Giber. A la joie du jeune homme, le père ne voyait rien de répréhensible dans ce désir de son fils.
Le nouveau musée de la ville, où étaient exposées des peintures, est devenu le lieu de prédilection de l'artiste en herbe. Ici, et dans la classe de l'école Gibert, Paul se sentait vraiment heureux, il rêvait de devenir artiste. Mais son père ne voulait pas entendre parler d'un tel tournant dans le sort de son fils unique, il tenait encore à étudier les jeunes gens d'une loi qui ne l'intéressait absolument pas. L'âme du jeune Cézanne rêvait de Paris, où il a été activement invité par son ami de collège Emil Zola, qui avait alors déménagé dans la capitale française et s'était essayé au travail littéraire. À la fin, Paul Cézanne abandonne encore les cours de droit et obtient de son père l'autorisation de partir pour Paris, où Zola le pressa de commencer à étudier sérieusement la peinture.
En 1861, le jeune peintre s'installe dans la capitale de la France et se prépare à entrer à l'Académie des Beaux-Arts. Cézanne commence à suivre des cours dans l'atelier de Lewis, où il rencontre les futurs impressionnistes Camille Pissarro et Claude Monet, qui a étudié le dessin, mais avaient déjà leur propre vision formée du développement de l'art pictural.
Pissarro a immédiatement cru en Cézanne et a prédit le succès à l'avenir. Mais le jeune artiste de province se sentait comme un étranger dans l'ambiance de l'atelier de la capitale. Le seul ami qu'il s'y fit fut son compatriote, le nain Achille Amperera, qui a ensuite écrit avec enthousiasme des femmes nues. Paul Cézanne était très incertain de ses capacités et de son talent. A l'heure, il lui semblait que toutes ses activités n'avaient aucun sens et qu'il devait retourner à Ex pour devenir le successeur de son père. Probablement, l'artiste était tourmenté de remords et de culpabilité devant le parent, dont il n'a pas été à la hauteur des espoirs. Ces tourments mentaux et ces doutes ont finalement conduit l'artiste à abandonner sa peinture préférée et, en 1861, il est retourné dans sa ville natale.
A Aix, Paul a commencé à travailler à la banque de Cézanne - l'aîné, qui était incroyablement heureux du "retour du fils prodigue". Mais la joie des deux fut de courte durée. Paul ne pourrait pas vivre longtemps sans peindre et bientôt, du désir, recommence à fréquenter l'école Gibert. Après avoir passé un an à la maison et des conversations interminables avec son père, le jeune homme repart pour Paris, cette fois, ayant décidé, par tous les moyens, d'aller à l'école à l'Académie des Beaux-Arts.
Vrai, en vue de la réussite des examens, Cézanne découvrit soudain qu'il était complètement étranger à l'art qu'il avait l'intention d'étudier. La peinture de salon lui semblait inutile et vide. Plus, Paul a recommencé à douter de son propre talent. Il a travaillé dur, mais son mécontentement envers lui-même ne fit que s'intensifier. Le résultat a été un autre échec - l'artiste n'a jamais pu entrer dans l'école de peinture.
En 1863, il a visité le Salon, où il a vu l'œuvre scandaleuse d'Edouard Manet, rejeté par le public, "Petit-déjeuner sur l'herbe." Cette œuvre qui fait époque, grâce à laquelle une véritable révolution s'est opérée dans l'art de l'époque, aussi changé la vision du monde de Cézanne. C'est elle qui a présenté le jeune artiste, comme beaucoup de ses pairs, à une nouvelle compréhension de l'art.
Fatale pour Cézanne était la connaissance de Frédéric Basile, qui s'est produit la même année. Basile l'a amené à l'atelier de Gleyre, où Claude Monet, Alfred Sisley et Auguste Renoir sont originaires. Timidité naturelle, avec en même temps une absurdité de caractère, n'a pas permis à Cézanne de rejoindre le cercle des futurs impressionnistes. Par conséquent, l'artiste s'est toujours tenu à l'écart, essayé de ne pas entrer dans les discussions et les conversations, et n'ont pas participé à leurs réunions.
En 1864, recevoir le refus du Salon d'accepter sa nouvelle œuvre, Cézanne a de nouveau abandonné les cours de peinture et est retourné à Ex. Vrai, il continue d'y écrire, incapable d'abandonner les cours d'art. Par conséquent, six mois plus tard, Cézanne vient à nouveau à Paris proposer son travail pour participer au Salon, et reçoit à nouveau un refus. Frustré, l'artiste qui a presque perdu confiance en lui-même, rentre à la maison sans rien.
A Hache, Paul se consacre au portrait. Il travaille dur, mais l'année suivante, les œuvres de l'artiste ne sont pas acceptées par le Salon. Cézanne était complètement désespéré. Il a décidé que son travail ne serait jamais compris, mais ne voulait pas écrire différemment. Revenant au Salon et exposant ses œuvres, il reçoit une ovation moqueuse, le public se moque ouvertement du peintre.
Mais quelque chose de bien se passe au Salon - quelqu'un présente l'artiste à Eduard Manet, qui parle chaleureusement de la recherche créative d'un jeune talent. Finalement, après avoir reçu un avis positif, et même de son idole, Cézanne prend confiance dans le bon choix d'un chemin créatif. De retour à Ex, le peintre devient une sorte de célébrité. Ils commencent à le reconnaître dans la rue, des artistes locaux essaient même de copier ses œuvres, mais la curiosité du public était encore assez hostile.
Tentation de saint Antoine
L'œuvre « La Tentation de saint Antoine » (1867-1869, Fondation E. Bürle, Zurich) fait référence aux premières œuvres de Cézanne. En utilisant un complot religieux classique, l'artiste dépeint des corps féminins nus sur fond de nature. Réellement, l'intrigue n'était qu'une excuse pour écrire ouvertement de la nudité. Saint Antoine lui-même, qui, en théorie, était censé être le personnage central de l'image, s'est vu attribuer une place modeste sur le bord gauche de la toile, et même là, sa silhouette se confond presque avec l'arrière-plan.
Ni dans la personne, ni dans la pose de saint Antoine, on ne peut lire la lutte intérieure de la chair et de l'esprit humains. Si le but de l'artiste était de dépeindre un saint chrétien aux prises avec une obsession pécheresse, alors on pourrait dire que l'œuvre de Cézanne a échoué. Mais le peintre ne s'est pas du tout efforcé pour cela, il ne s'intéressait qu'aux corps féminins.
De forts contrastes de clair-obscur sculptent le volume à l'aide de formes monumentales puissantes. La composition pyramidale classique de la partie centrale de l'œuvre elle-même semble sans rapport avec l'intrigue :les filles qui forment un cercle vicieux avec leurs figures ne se tournent pas du tout vers saint Antoine. Ils existent indépendamment de lui. Et seulement un groupe de personnages savamment disposés situés tout au bord de la toile - Saint Antoine et la tentatrice, qui est apparu devant lui dans une pose exagérément ouverte, correspond au nom de l'oeuvre. Cette paire est construite selon le principe classique de symétrie. La pose ouverte d'une femme démontrant son corps contraste avec la pose fermée d'Anthony, qui sent à la hâte les vêtements rugueux.
Il est à noter que Cézanne n'a pas dépeint les beautés, il écrit vraiment des corps féminins imparfaits. D'ailleurs, on peut les qualifier de beautés avec un étirement :Cézanne est loin d'idéaliser les images, il écrit simplement - les femmes. L'influence impressionniste se fait sentir dans les nuances de couleurs contrastées et les reflets du vert environnant sur le corps des femmes. Cependant, Cézanne use à outrance de la trouvaille de l'impressionnisme, l'amenant presque au point de l'absurdité, qui rapproche son travail de celui des fauvistes, qui n'ont pas encore fait leur entrée sur la scène artistique mondiale.
Vie privée
Un an plus tard, en 1870, l'artiste fait la connaissance d'Hortense Ficket, qui est devenu son modèle constant. La guerre qui a commencé la même année avec la Prusse, Cézanne, avec Fique, attendu à Estac (province de Provence). Le peintre a soigneusement caché à sa famille son lien avec le modèle, sinon un père en colère pourrait le laisser sans contentement, ce qui suffisait à peine à la vie. Seulement grâce à la maigre aide du père, l'artiste, qui n'a pas été compris et non accepté par le public, a pu survivre, donc, même lorsque Paul, le fils de Grotzenia, est né en 1872, cet événement des plus importants resta un mystère pour tous les parents de Cézanne.
Bientôt l'artiste s'installe à Pontoise, où vécut Camille Pissarro - l'un des rares à croire au potentiel de Cézanne. Soutenir un ami a été très utile. L'impressionniste Pissarro a enseigné qu'il faut renoncer à son ego et écrire ce que l'on voit, transférer sur la toile l'état réel de la nature et ne pas interpréter le monde qui nous entoure.
Ici, Cézanne est présenté au Dr Ferdinand Gachet, qui aimait la peinture et appréciait l'art "nouveau". Gachet déclara aussitôt qu'il considérait Cézanne comme un grand artiste, et le convainc de s'installer dans sa maison d'Auvers. La perception enthousiaste de Gachet de la créativité de Cézanne a inspiré l'espoir au peintre. Personne ne s'est jamais intéressé à son travail et ne l'a pris au sérieux. Ici, l'artiste ressent le réel intérêt de toute la famille Gachet pour son travail et se met à peindre de nombreux paysages, emporté par la méthode d'écriture impressionniste.
Personnalité lumineuse
Le tableau "Maison du Pendu" (1873, Musée d'Orsay, Paris), malgré son nom sombre, est un paysage ensoleillé. La construction compositionnelle magistrale et inhabituelle de la toile est comme un collage et est basée sur la combinaison de différents plans.
Le premier plan introduit le spectateur dans l'espace de l'image. On y voit une pente sablonneuse banale, avec des souches d'arbres dans le coin inférieur gauche, placé ici comme un « point de départ » pour une progression progressive dans les profondeurs. Le second plan est occupé par un bâtiment au toit sombre et une colline couverte d'herbe, derrière laquelle s'ouvre une disgracieuse « maison du pendu », comme s'il dépassait de la colline et est un troisième plan de l'image. Derrière, vous pouvez voir le toit de la maison situé juste en dessous - le quatrième plan, qui montre des bâtiments aux murs de brique rouge vif.
A la suite de l'artiste, l'œil du spectateur du coin inférieur gauche de la toile descend le long de la colline, serpentant entre les murs des bâtiments et des terrains accidentés et, Donc, révélant toute la profondeur de l'espace. Et plus vous regardez dans cet espace, plus cela paraît complexe. Cézanne a transmis le paysage exactement comme il l'a vu en nature, sans le reconstruire d'un point de vue, les maisons oranges semblent donc se dresser juste sur le toit du bâtiment voisin, et les arbres tentaculaires dans le coin supérieur gauche de la composition sont ridiculement empilés juste au-dessus de la "maison pendue".
C'était de telles absurdités de composition, impensable pour l'art classique, qui a permis à l'artiste de représenter fidèlement le monde tel qu'il le voyait. Le tableau « Maison et arbre » (1873-1874, collection privée) sur la structure de composition ressemble à un fragment d'une œuvre précédente :le même premier plan inachevé, un bâtiment en pierre blanche pousse encore directement de la colline, contre laquelle se dresse un arbre branchu. dont le tronc sinueux, comme s'il traversait le plan du mur, "s'étalant" le long de celui-ci, comme une fissure géante. Un tel motif donne des accords dramatiques étranges et passionnants à l'ensemble de l'œuvre, créant l'impression d'un secret que la maison détient en elle-même, comme caché derrière un tronc et les branches d'un arbre.
La toile « Maison du docteur Gachet à Auvers » (1873, Musée d'Orsay, Paris) se distingue par l'alternance du premier, vide, et deuxièmement - des plans trop remplis. Ainsi Cézanne crée une composition harmonieuse. Les maisons représentées, que l'artiste sculpte densément l'un à l'autre, comme s'il y avait du monde dans cette rue de province. Avec un regard attentif sur les lignes de leurs murs, il devient évident qu'ils sont loin d'être égaux. Cézanne ne poursuit pas la clarté des lignes, au contraire, il les déforme délibérément, tout comme la lumière du soleil qui éclaire les surfaces de manière inégale, en fonction de leur texture et de leur proximité avec d'autres objets.
Paul Cézanne n'écrit que ce qu'il voit, sans ennoblir l'environnement, comme le « bon » artiste devrait le faire. Déjà ici se manifeste l'attirance de l'artiste pour les formes monumentales simples, qui deviendra une caractéristique du style individuel du maître. Sous le patronage de Camille Pissarro, Cézanne, en 1874, participe à la première exposition des impressionnistes. De nouveau, son travail est ridiculisé, cependant, son travail, "La Maison du Pendu" est achetée par un très grand collectionneur, qui inspire l'espoir à l'artiste, tourmenté par l'incompréhension.
La vie difficile de Cézanne se lit bien sur l'autoportrait écrit en 1875 (Musée d'Orsay, Paris). On y voit un artiste visiblement chauve avec un regard curieux et incrédule. Paul Cézanne a cherché intuitivement sa voie dans l'art, qu'il marchait seul, sans rencontrer ni approbation ni renommée. Les œuvres du maître restaient incompréhensibles, et il souffrait lui-même du manque de demande. Seules l'obstination naturelle et l'égarement ont aidé l'artiste à aller de l'avant, mais le ridicule constant et la solitude le faisaient parfois douter de sa propre vision de l'art. Cela a provoqué la méfiance de soi et des autres, qui est visible dans le regard du peintre.
Dans l'œuvre « Love Struggle » (Bacchanales, 1875, Collection par A. Harriman, New York), l'artiste se tourne vers un thème mythologique qui permet une image libre de l'agencement dans l'espace des corps nus entrelacés. La toile expressive donne l'impression d'une étude due à l'élaboration soulignée des figures elles-mêmes.
Toute une série de méthodes de composition aggrave l'impression un peu écrasante d'une lutte acharnée d'amoureux farouchement passionnés :les arbres pendent de façon menaçante, l'horizon bas souligne le vaste ciel, comme pour mettre la pression sur les héros, même les nuages tourbillonnants aux contours inhabituellement nets semblent agressifs. Le tableau est basé sur le principe du décor théâtral :des falaises sur lesquelles poussent des arbres servent de coulisses. Le manque de profondeur dans la toile, ne fait qu'accentuer cet effet.
Une rencontre importante pour Cézanne eut lieu en 1875, quand Auguste Renoir lui présente le collectionneur passionné Viktor Choquet, qui a acheté l'un des tableaux de l'artiste. A partir de ce moment, leur longue amitié a commencé. En 1877, le peintre réalise le « Portrait de Victor Choquet assis » (Galerie des Beaux-Arts, Colomb), dans laquelle on voit un ami de l'artiste assis sur un magnifique fauteuil d'époque Louis XVI, dans une ambiance familiale détendue.
Sur les murs sont visibles des œuvres d'art qui font partie de la collection Choquet. Vrai, ils ne sont pas inclus dans le "cadre" dans son ensemble, mais sont donnés en fragments ou seulement indiqués par des cadres dorés. L'artiste ne cherche pas à reproduire soigneusement le décor de la pièce ou à transmettre avec précision les traits du héros. Il crée une image généralisée d'un collectionneur comme une personne attentive et réfléchie qui peut intuitivement apprécier la valeur artistique d'une œuvre. La haute silhouette de Viktor Shoke a l'air un peu comique sur une vieille chaise basse, le bord supérieur de la toile lui coupe les cheveux gris, et les pieds du modèle et les pieds de la chaise sont peints presque près du bord inférieur de la toile. Cela donne l'impression que le collectionneur est étroitement dans le cadre attribué de l'image.
L'un des nombreux portraits d'Hortense - "Madame Cézanne au fauteuil rouge" (1877, Musée des beaux-arts, Boston), lequel, incidemment, n'est pas encore devenue l'épouse officielle de l'artiste, est exceptionnellement spectaculaire dans sa palette de couleurs. Le rembourrage rouge de la chaise contraste avec les couleurs vert olive et bleu des vêtements d'Hortense et du mur derrière elle, et distingue également parfaitement la figure de l'héroïne. L'œuvre fait une impression monumentale en raison de la proximité maximale de la jeune femme avec le spectateur. Le bord supérieur de la toile coupe une partie de sa coiffure, et le bas - l'ourlet de sa jupe. Le partenaire de vie de Cézanne regarde sur le côté, et ses mains aux doigts croisés construisent une barrière psychologique entre le modèle et le spectateur.
On constate une transmission très généralisée des spécificités locales dans le paysage « Montagnes en Provence française » (1878, Musée national du Pays de Galles, Cardiff). Cézanne désassemble mentalement les objets dans les formes individuelles qui les composent, et construit ensuite sa propre réalité à partir d'eux. Cette technique restera une caractéristique des constructivistes.
Plus « constructives » encore sont les œuvres des « Maisons de Provence près d'Estacus » (1879, Galerie nationale, Washington), « Mont Saint Victoria » (1886, Galerie nationale, Washington) et « Maison de Provence » (1885, Musée d'art Herron, Indianapolis). Des pierres, collines, les murs des habitations apparaissent devant nous sous forme de formes généralisées, passant par le prisme de la vision analytique de Cézanne, qui leur coupe tout le superflu, ne laissant que l'essence. Tous les contours des montagnes et des champs sur la toile "Montagnes en Provence" (1886-1890, Galerie Tate, Londres) sont soulignés corrects et géométriques.
L'artiste travaille activement, mais le Salon refuse toujours ses œuvres. Cézanne est à nouveau ridiculisé lors de la troisième exposition impressionniste. Vrai, il y a un connaisseur de l'art de l'artiste, achetant régulièrement son travail - un jeune petit fonctionnaire travaillant sur l'échange, nommé Paul Gauguin.
Après une solide carrière, Paul Cézanne n'est jamais devenu un impressionniste. Sa fascination pour la transmission impressionniste de l'image de la nature et de l'environnement aérien léger a été remplacée par une prise de conscience de la nécessité d'un ordre spéculatif de la réalité environnante. Il ne suffisait pas à l'artiste de voir et de reproduire, il avait besoin de voir et de transmettre la structure cachée du monde.
Des hauts et des bas de la vie
En 1886, un certain nombre d'événements ont eu lieu dans la vie personnelle du peintre. Premièrement, Cézanne, presque contre son gré (puisqu'il était très passionné par la jeune fille dans la maison de son père), était marié à Hortense, qui, sur l'insistance des membres de sa famille, s'installe au domaine de Cézanne en Provence. À ce moment, le fils de l'artiste Paul avait déjà quatorze ans. Deuxièmement, un ami de sa jeunesse, Cézanne, un écrivain bien connu Emil Zola, publie le roman "Créativité", dans lequel l'artiste a prototypé le personnage principal. Le roman a parfaitement démontré l'attitude de Zola envers Cézanne lui-même et son art, mettre fin à la vie du héros par suicide. Le peintre a pris ce geste comme une annonce bruyante qu'un vieil ami ne croit pas en l'artiste lui-même ou en son art. Ainsi prit fin l'amitié entre les deux génies de l'époque - un grand écrivain et un grand artiste. Troisièmement, le tyrannique père du peintre est mort, lui laissant un héritage solide.
Deux ans plus tard, Cézanne réalise un magnifique double portrait de son fils Paul, vêtu d'un costume d'Arlequin, et son ami, vêtu d'un costume de Pierrot. Le tableau « Pierrot et Arlequin » (1888, A. Musée national des beaux-arts Pouchkine, Moscou) représente une scène du festival de carnaval de Maslenitsa, qui a lieu juste avant le poste (à propos duquel le deuxième nom du tableau est "Mardigra", c'est "la semaine des crêpes"). Sur la toile, le père admire ouvertement son fils. Nous voyons le beau Paul magnifiquement arrogant, qui sort des ailes, regardant le spectateur de haut. Dans ce contexte, le Pierrot détaché, penché dans une position assez ridicule, semble une page obligeante.
A la demande d'Hortense, en 1888, les Cézanne s'installent à Paris. Un an plus tard, le tableau du peintre "Le Pendu", en raison de la projection du collectionneur Viktor Shoke, a été présenté à l'Exposition Universelle. Mais l'œuvre est passée inaperçue du public, car il était placé trop haut.
Encore une fois, les oeuvres de Cézanne n'ont pas été vues et n'ont pas voulu voir, et son talent resta encore sans reconnaissance. Le peintre avait déjà la soixantaine, des problèmes de santé l'obligent à changer constamment de lieu de résidence, mais il a continué à peindre et a même réalisé son rêve de jeunesse - il a créé son propre travail dans l'esprit de l'œuvre « Card Players » de Louis Lénine, ce qui lui a fait une grande impression même dans sa jeunesse.
Le tableau "Joueurs de cartes" (1892, Musée d'art métropolitain, New York) est une œuvre de genre représentant trois jeunes hommes à leur passe-temps favori. La figure de l'observateur en arrière-plan est coupée sur les épaules par le bord supérieur de l'image, grâce à elle, dans le plan de composition, la toile semble incomplète. En cherchant une expression claire et concise de l'idée, Cézanne a écrit plusieurs versions de cet ouvrage. La version finale de la toile du même nom, créé à la même époque, étonne par l'exhaustivité, concision et symétrie, afin de surmonter l'influence excessive dont, Cézanne coupe le dos du joueur de droite.
Les centres compositionnels et sémantiques de l'image coïncident - ce sont les mains de deux hommes assis qui semblent encadrer une fière bouteille de vin. L'œuvre est dépourvue du genre strict inhérent à la version précédente. Il n'y a rien de superflu, tout est très strict et extrêmement expressif. Les joueurs sont complètement absorbés par leur poursuite, le temps semble s'être arrêté pour eux, le monde entier est concentré dans deux figures inclinées l'une vers l'autre. Ici et maintenant, dans la disposition des cartes, le plus important est conclu, le jeu devient pour eux une sorte de travail sacré, grâce à quoi l'image elle-même prend un certain sens sacré. Peut-être que la bouteille de vin sur la nappe rouge a la signification symbolique traditionnelle du sang et de l'expiation.
Le portrait « Le gars au gilet rouge » (1888-1890, Musée d'art moderne, New York) est particulièrement expressif grâce à l'utilisation magistrale de la couleur. La combinaison solennelle des couleurs rouges et blanches est renforcée par l'abondance de noir, ce qui rend le profil du héros de la toile extrêmement net et contrasté. Cézanne n'évite pas le noir, comme beaucoup d'impressionnistes, mais, au contraire, l'introduit dans l'image en tant qu'élément formant la forme. Les cheveux du jeune homme se confondent avec le fond de draperie noire, cette technique, le maître comme s'il « instille » le modèle dans l'espace de la toile, en même temps lui donnant un certain son tragique. L'image de la personne dépeinte est complète et complète, même en dépit du fait que l'image ne contient pas de détails - ni une désignation de temps ou de lieu, ni un soupçon du genre d'activité du jeune homme en gilet rouge.
Compositions thématiques et paysages
Toutes les natures mortes de Paul Cézanne sont reconnaissables :au plus simple ensemble minimal d'objets (plusieurs fruits, vases en porcelaine, assiettes et tasses), des draperies délibérément négligentes avec des plis et de nombreux plis jetés sur la table confèrent à la composition une expressivité décorative et unique.
Le tableau "Nature morte au sucrier" (vers 1888-1890, le Musée d'Etat de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg) est l'une des œuvres les plus célèbres de Cézanne. Ici le peintre refuse une perspective linéaire; on ne voit pas de point de fuite commun sur la toile.
Nous voyons un dessus de table rectangulaire avec une draperie blanche jetée avec désinvolture dessus, bordée de plats en porcelaine et de fruits, de deux points de vue à la fois :de dessus et de face, ce qui est impossible pour l'art traditionnel, lequel, depuis la Renaissance, travaillé sur le transfert correct de la toile tridimensionnelle sur l'espace plan bidimensionnel.
Paul Cézanne construit sa nature morte contrairement à la loi principale de la peinture - la perspective. En raison de la construction incorrecte de l'espace et de la distorsion de la perspective, il devient impossible de déterminer la distance du mur à la table, ou aux pieds en bois sculpté qui sont visibles en arrière-plan, Apparemment, le jardinier. La relation entre les plans parallèles et perpendiculaires des murs, table, le sol et les tiroirs deviennent également implicites. L'espace privé de profondeur et de perspective, construit avec un respect relatif de la géométrie, fait une nature morte semblable à la peinture religieuse, dont le style a été créé et approuvé avant la perspective, et l'ignorait souvent.
Cézanne crée son propre système de coordonnées dans lequel chaque objet devient autosuffisant et peut être en lui-même un « modèle » pour l'artiste. "Supplémentaire", à première vue, la section des pieds du jardinier a été introduite pour une raison :cette partie particulière, Premièrement, « contient » toute la composition dans le coin supérieur droit de la toile et, Deuxièmement, sert d'accent coloristique puissant dans l'arrière-plan global de couleur froide de la partie supérieure de l'image, ses nuances brunâtres résonnent harmonieusement avec un plateau brun et des tons chauds de fruits mûrs. Ce n'est pas un hasard si l'artiste compose librement des objets sur le plan de la table sans les réunir en groupes - si nous en supprimons mentalement l'un, l'intégrité de la composition ne sera pas brisée.
Les mêmes traits sont également caractéristiques de Nature morte aux pommes et aux oranges (1895, Musée d'Orsay, Paris), Nature morte aux draperies (1899, Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg) et Nature morte aux aubergines (1893-1894, Musée d'art métropolitain, New York). Dans le premier ouvrage, le rôle des tissus formant l'espace avec leurs plis pittoresques est particulièrement évident. Ce sont des tissus luxueux qui remplissent toute la surface de la toile. Ils rendent la perspective inutile, en l'absence du système de coordonnées habituel, l'espace perd sa tridimensionnalité. Un chaotique, à première vue, tas de plis cache les meubles et les locaux. On ne sait pas du tout sur quoi se trouvent les objets. Grâce à cet effet, il crée une impression de décoration accentuée, et même de la théâtralité, interprétation planaire encore plus améliorée de l'espace.
Dans cette nature morte, le maître travaille de manière extrêmement expressive avec la couleur. Tissus orientaux lumineux rappelant les draperies exotiques du grand romantique des tableaux d'Eugène Delacroix, une idole pour Cézanne, créer la toile de fond pour un jeté négligemment, vase en drap blanc chiné et porcelaine. L'attention du spectateur est d'abord attirée par cet éblouissant, endroit de conception complexe, pour que, profiter du transfert magistral du tissu, puis concentrez-vous sur les fruits lumineux, comme s'il brillait sur un fond blanc. C'est la couleur blanche qui organise habilement l'ensemble de la composition. Il ne permet pas à l'œil de se perdre dans la floraison festive et d'errer autour de la toile, introduire de la rigueur dans la décision coloristique et « rassembler » la composition au centre.
A l'aide de la couleur, l'unité de la composition est réalisée dans Nature morte à l'aubergine. Grâce à la gamme bleu-lilas froid, la toile semble étonnamment transparente, tout en ayant un contraste lumineux sous la forme de pommes rouge orangé. La tonalité globale de l'œuvre s'adoucit, comme si un arrangement aléatoire d'objets dans une nature morte. S'il n'y avait pas la couleur, les vases en céramique, l'assiette et la bouteille trop proches l'une de l'autre, ils auraient ressemblé à un tas absurde de choses aléatoires.
L'une des preuves de la dépression interne pour les artistes peut être servie comme Nature morte avec des crânes (1898-1900, collection privée). Des œuvres similaires sont apparues dans l'art mondial par les Hollandais et appartenaient aux œuvres de « vanitas » (« vanité des vanités »), symbolisant le caractère éphémère de tout ce qui est terrestre. Les restes mortels pliés sont rapprochés et occupent la majeure partie de la surface de la toile. L'absence d'autres objets dans l'image et les orbites vides, capter le regard du spectateur, donner lieu à des associations blasphématoires avec le portrait, et pas avec la nature morte.
Bien que Cézanne soit le principal héritier de son père, son domaine préféré à Aix a été vendu par ses proches à son insu. Aussi, les effets personnels de Cézanne, l'aîné, et même les meubles dont l'artiste se souvenait depuis son enfance, ont été détruits.
Frustré par la perte de sa maison natale, le peintre décide d'acquérir un manoir au nom sinistre de Black Castle. Malgré le fait que cette intention ne s'est jamais réalisée, Cézanne consacre plusieurs de ses paysages à ce lieu - « Forêt aux Grottes Rocheuses au-dessus du Château Noir » (1900-1904, Galerie nationale, Londres), ainsi que « Moulin sur la rivière » (1900-1906, Galerie d'art de Marlborough, Londres). En eux, l'artiste, comme avant, décompose toutes les formes en éléments constitutifs, mais va plus loin - en général, le style des œuvres n'est plus proche du post-impressionnisme, mais déjà à l'abstraction.
Le mont Victoria est devenu une destination de prédilection pour Paul Cézanne pour créer ses paysages. Il admirait sa magnifique beauté dans sa jeunesse. Dans la période tardive de la créativité, le maître a peint à plusieurs reprises des vues de cette montagne, transmettre sa beauté dans différentes conditions atmosphériques et avec différents éclairages.
A la fin de sa vie, Cézanne a conçu une composition multi-figures grand format de baigneurs nus au sein de la nature. L'artiste a longtemps rêvé d'écrire cette toile et il existe plusieurs de ses options créées à différentes époques. En raison de la timidité naturelle et du manque de fonds, Cézanne n'a jamais utilisé les services de modèles. Par conséquent, créer sa propre composition de plusieurs corps féminins nus, il a même demandé à un de ses amis d'obtenir des photographies du nu féminin. Cela explique peut-être une certaine angularité de toutes les figures créées par l'artiste sans s'appuyer sur la nature.
Le peintre a beaucoup travaillé sur le tableau "Grandes Baigneuses" (vers 1906, le Musée des Beaux-Arts, Crême Philadelphia), en considérant attentivement la disposition des nus dans l'espace, conciliant méticuleusement le rythme des lignes du corps et des bras tendus, lequel, avec des troncs d'arbres inclinés, forment un demi-cercle harmonieux. L'œuvre allait devenir un chef-d'œuvre, une sorte d'apogée de la créativité de Cézanne. L'artiste espérait se retrouver à travers l'harmonie de « la rondeur de la poitrine féminine et des épaules des collines ». Malheureusement, on ne saura jamais quel genre d'artiste l'artiste aimerait voir au final, depuis que la mort a interrompu son travail.
La renommée mondiale arrive trop tard
Paul Cézanne était un solitaire, il a suivi son chemin invaincu, presque incompris et ridiculisé par trop de gens. L'artiste ne voulait pas d'une simple reproduction de la nature, il cherchait à en connaître l'essence intérieure et à transmettre cette structure fondamentale sur le plan de la toile. Le travail du maître a anticipé l'art du cubisme et de l'abstraction, représentant la réalité réfractée par la conscience d'une personne en particulier. Cézanne a découvert le monde « nouvel art », complètement construit dans son esprit, et donc profondément original et individuel.
Seulement en fin de vie, la reconnaissance a progressivement commencé à venir à l'artiste. A la fin des années 1880, un marchand d'art parisien Ambroise Vollard s'intéresse à l'œuvre de Cézanne. Au début, il a étudié le travail du maître, les a regardés de près, s'intéressait aux opinions d'autres artistes. Après de longues délibérations, Vollard décide de retrouver Cézanne pour organiser sa première exposition personnelle.
L'exposition, qui a ouvert ses portes en 1895, couvre toutes les périodes de l'œuvre du peintre, montrant l'évolution de sa vision créative et révélant à tous l'inconnu Cézanne. Ceux qui sont venus soutenir l'artiste Claude Monet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir et Camille Pissarro étaient émerveillés. Monet et Degas ont immédiatement acheté plusieurs œuvres d'un vieil ami, et le public parisien était déjà prêt à accepter l'art de Cézanne.
Après la première exposition, le second a suivi. Vollard, bien que bon marché, mais a acheté de manière stable le travail de l'artiste. Deux de ses tableaux ont été acquis par la Galerie nationale de Berlin. Mais, seulement en 1900, le peintre est enfin reconnu chez lui, à Aix, mettre fin à l'intimidation et au ridicule.
Progressivement, grâce à sa participation au Salon International de Paris, et autres événements dédiés à l'art, Cézanne est devenu célèbre dans le monde entier, le nom de l'artiste est devenu une légende. Cependant, Malheureusement, cette reconnaissance bien méritée est arrivée au peintre très tardivement. 22 octobre 1906 Mort de Paul Cézanne. Seulement après la mort de l'artiste, ses peintures ont vraiment trouvé leur public.
