Michel-Ange Merisi du Caravage (1571-1610)
Michelangelo Merisi da Caravaggio est né le 28 septembre 1571 dans un petit village près de Bergame, au nom duquel il a obtenu son nom restant dans l'histoire de l'art mondial - Caravage. La date de naissance du grand artiste n'est connue que grâce au contrat survivant pour sa formation, conclue par les parents du futur artiste avec le peintre assez célèbre Simone Peterzano à l'époque. Le document, daté de 1584, déclare qu'au moment de sa conclusion, Michelangelo Merisi avait 13 ans. Peterzano était un élève du grand Titien et a vécu à Milan, où la carrière créative du Caravage a commencé.
Le début du chemin créatif
la mère de Michel-Ange, Lucie Aratori, était la seconde épouse de l'architecte et décorateur Fermo Merisi, qui a servi avec Francesco I Sforza, qui portait le titre de marquis da Caravaggio. Au total, la famille avait cinq enfants. Les premières années de la vie de Michel-Ange passèrent à Milan, d'où la famille s'est réfugiée à Bergame, fuyant la peste. Vrai, l'épidémie n'a pas épargné le père et l'oncle du futur artiste, dont toute la famille est restée sous la garde de sa mère, qui en avait grand besoin.
Entré dans l'atelier de Simone Peterzano en 1584, Michel-Ange signe un contrat avec le duc de Colonna, héritier du Marquis da Caravaggio décédé en 1583. La colonne, qui a décidé d'acheter toutes les œuvres du jeune peintre, dès son entrée dans l'atelier de Peterzano, est devenu le fidèle patron du Caravage toute sa vie.
Le chef de l'Église catholique, qui était l'un des plus gros clients de tableaux, était le pape Sixte V, qui privilégiait les nouvelles tendances de l'art, qui venait de commencer à émerger en Lombardie. En ce moment, le duché de Milan, sous la domination espagnole, devint le centre d'une doctrine artistique et religieuse rigoureuse. En particulier, l'art de l'Europe et de l'Italie était sous la règle du maniérisme, mais parallèlement, il y avait l'académisme bologne-romain, limitée à l'imitation des grands peintres vénitiens et romains. En Lombardie, d'autre part, les artistes ont commencé à s'éloigner du maniérisme et à se concentrer sur un reflet réaliste de la vie. Cette tendance a eu une grande influence sur la formation du style créatif de Michelangelo Merisi.
Malheureusement, on sait peu de choses sur les activités de l'atelier milanais Simone Peterzano à l'époque où le Caravage y vint. Giovanni Paolo Lomazzo a écrit en 1584 que Peterzano se réjouissait d'une grande demande, qui a toujours apprécié ses œuvres, fait "élégamment et facilement". Si vous regardez ses fresques dans l'église de Garegnano près de Milan, ou sur ses toiles telles que « Vénus » ou « Cupidon et deux satyres » (Collection Corsini, New York), vous pouvez voir une nette influence du maniérisme, mêlé au nouveau réalisme lombard.
Dans les premières œuvres du Caravage, on voit bien l'influence du style Peterzano, bien que la continuité par rapport aux peintures des grands maîtres de la Renaissance, comme Titien, Giorgion, Giovanni Bellini ou Léonard de Vinci, est également évident. Le travail de ce dernier, à savoir "Madonna in the Rocks", Caravage, bien sûr, vu dans l'église de San Francesco Grande, milanais. Aussi, de retour à Bergame, l'artiste a admiré la peinture de Lorenzo Lotto, qui se distinguait par sa tension émotionnelle particulière.
L'historienne de l'art Mina Gregory prouve de manière convaincante que le jeune artiste a soigneusement étudié les œuvres d'Andrea Mantegna, ce qui démontre clairement la seule fresque peinte par le Caravage, sans doute peint sous l'influence du style pictural de ce magnifique maître de la perspective. Le Caravage était aussi à Mantoue, où il a examiné les œuvres monumentales de Giulio Romane.
Pendant ce temps, à Milan, une véritable école s'est formée, qui tomba sous l'influence de la manière pittoresque des frères Campi. Dedans, de jeunes artistes ont développé les thèmes de leurs œuvres, se concentrer principalement sur la vie réelle, dont ils se sont inspirés. La peinture de ce groupe créatif incorporait toutes les innovations des beaux-arts de cette époque.
Pour découvrir l'effet du clair-obscur, Le Caravage a peut-être été aidé par le travail du maître de la Haute Renaissance Giovanni Girolamo Savoldo, que le jeune peintre admirait. Puis il réalise un portrait du célèbre artiste Sofonisba Anguissola, qui a connu le grand Michel-Ange dans sa jeunesse. Sofonisba a créé des scènes de genre tirées de la vie quotidienne. On peut voir dans un de ses dessins, créé par le charbon et la craie, une image de son petit fils, dont le cancer a été mordu par un doigt. C'est ce dessin qui a incité le jeune Caravage à tracer son premier tableau, qu'il a peint immédiatement après son arrivée à Rome.
Malheureusement, on ne peut qu'hypothétiquement parler de la formation créatrice du Caravage. Selon l'historien de l'art Berenson, Giorgione a joué un rôle fondamental dans le développement du style du Caravage. L'influence de l'école lombarde se lit aussi clairement. Roberto Longy écrit :« Pendant longtemps à Milan, un groupe d'artistes venus de Lombardie était vénéré qui créait un art démocratique simple… Dans leurs peintures il y avait beaucoup de sentiment humain, lumière intérieure et aucune extase religieuse du tout; décision coloristique, les effets en noir et blanc étaient coordonnés entre eux et vérifiés avec la nature. C'était un art réaliste qui cherchait à dépeindre simplement et véritablement la nature et l'homme. "
Peterzano, qui était un enseignant très progressiste pour son temps, a également joué un rôle important dans la formation du style artistique du Caravage. Dans la formation, il s'est concentré sur la technique de la peinture, sans laquelle il est impossible d'atteindre les sommets de l'excellence.
A peine atteint l'âge de 18 ans, Caravage, plein d'envie de travailler de façon autonome, déménagé à Rome. L'itinéraire de son voyage est inconnu, nous ne pouvons que supposer qu'en chemin, il a vu de nombreuses œuvres de grands maîtres. À Rome, le prélat Pandolfo Pucci héberge un jeune homme. Les premières œuvres du Caravage ont une intrigue simple :« Un garçon mordu par un lézard » (1594, Galerie nationale, Londres), « Un jeune homme avec une corbeille de fruits » (1593, Galerie Borghèse, Rome), "Un garçon nettoyant une poire" (1593).
Le premier autoportrait du Caravage est considéré comme le tableau "Musiciens" (1595, Musée d'art métropolitain, New York), dans lequel l'artiste se dépeint avec deux autres jeunes musiciens et Cupidon en arrière-plan. De nombreux historiens de l'art considèrent l'image de l'Amour comme une sorte de symbole homoérotique, indiquant le penchant du Caravage pour l'homosexualité. Bientôt, le peintre tombe gravement malade, mais récupère miraculeusement et, presque immédiatement, peint le tableau "Petit Bacchus malade" (1953, Galerie Borghèse, Rome), qui est son deuxième autoportrait.
Le Caravage est parrainé par le puissant Cardinal del Monte, pour qui l'artiste crée un certain nombre de tableaux religieux. Dans le tableau "Madeleine pénitente" (1595-1597, Galerie Doria Pamphili, Rome) nous voyons la première image féminine créée par l'artiste. Dans la même période, le peintre crée son deuxième « Bacchus » (1596, Galerie des Offices, Florence), cette fois pleine de santé. Bientôt, Le Caravage provoque son premier, mais loin d'être le dernier, se heurter à la justice.
Mais pourquoi le jeune artiste a-t-il choisi Rome ? Les biographes du Caravage s'accordent à dire que le choix de la capitale culturelle de l'Italie, et donc le monde entier, était due aux ambitions extraordinaires du Caravage, qui rêvait de devenir le plus grand artiste de tous les temps. Est-ce parce qu'il a violé la loi à plusieurs reprises parce qu'il croyait qu'il - doué de Dieu plus que ceux qui l'entouraient - avait tout permis ?
Rome à cette époque était vraiment florissante. La construction de la basilique Saint-Pierre, qui à cette époque était la plus grande structure architecturale du monde entier, vient de se terminer. De grandes basiliques furent érigées, comme San Giovanni Laterano, Sainte-Marie-Majeure, le port de Ripetta sur le Tibre ouvert, qui est vraiment devenu la porte d'entrée du monde. Le pape Sixte V a invité tous les peintres talentueux de la péninsule à venir à Rome, et beaucoup, dont les Lombards, suivi cet appel. Tout cela était destiné à transmettre au monde entier le triomphe du christianisme.
Comme beaucoup sur la vie du Caravage, nous ne connaissons pas la date exacte de son arrivée à Rome. C'était peut-être en 1591 ou en 1592. Il existe de nombreuses preuves que l'artiste est arrivé dans la Ville éternelle sous le pape Clément VIII.
Le jeune artiste arrivé à Rome avait probablement avec lui plusieurs toiles peintes à Milan. Mais ces œuvres, avec leur interprétation réaliste des personnages et des intrigues, pouvait difficilement susciter l'intérêt du public local, dont les goûts déterminèrent alors le maniérisme et le classicisme. Le grand amour à Rome appréciait les copies des œuvres de Michel-Ange et de Raphaël. Il est significatif que les peintres très populaires à cette époque, comme Agnesti, Siolante, Taddeo Zuccaro, Salve, Rafaelino de Reggio, Cesars Nebbia ou Giuseppe Cerzi, n'a laissé qu'une petite trace dans l'histoire mondiale de l'art.
L'historien de l'art Callab écrit :« Les jeunes artistes arrivés à Rome à la fin du XVIe siècle, non seulement dû se limiter à une douce imitation de tableaux de maîtres anciens, mais aussi hériter de leur idéalisme, timidité artistique, et la peur d'abandonner une manière de représenter la surface vide. En peinture, ces artistes ne se contentaient que de la ressemblance extérieure. " Afin de survivre d'une manière ou d'une autre, ils étaient obligés de se soumettre aux goûts du public et de ne s'occuper que de décorer la vie. Un exemple est le travail d'Annibale Carracci, qui est venu à Rome de Bologne. Il a été chargé de décorer la galerie du palais Farnèse. Déjà en train de travailler sur la mise en œuvre de son plan créatif, il a rencontré de grandes difficultés et une méfiance des clients et du public.
La même chose s'est produite avec Caravage. Il se blottit dans les quartiers pauvres de la ville, au même endroit que beaucoup d'autres immigrés de Lombardie, les mêmes artistes au chômage, sculpteurs et tailleurs de pierre qui tentaient de survivre en prévision des commandes. Bientôt, le peintre a réussi à entrer au service de Lorenzo Siciliano, dans l'atelier duquel il a rencontré ses compatriotes, les frères Longo.
Au cours de cette période, Le Caravage et ses camarades passaient leurs journées au travail, explorer la campagne et s'amuser. Les chercheurs ont en vain recherché les œuvres de l'artiste de cette période. Peut-être qu'il a écrit quelque chose pour lui-même, mais, évidemment, ces tableaux n'ont pas trouvé preneur.
Et encore, Le Caravage a souri à la chance en la personne d'un riche philanthrope, un homme de bon goût artistique, mais avec une réputation douteuse, prélat de la cour papale, Monseigneur Pandolfo Pucci. Il était le frère d'un cardinal, qui, d'ailleurs, s'occupa aussi du « timide » Benvenuto Cellini.
Le prélat était fasciné par la dextérité, talent du jeune artiste et son inflexibilité, caractère explosif. Pucci a invité le Caravage chez lui, assurer son existence. L'artiste, pour sa part, en remerciement pour la gentillesse du prélat, a dû faire le travail pour lui de copier les meilleures peintures d'églises pieuses. Monseigneur Pucci a envoyé toutes ses œuvres au monastère des Capucins de Recanati, dans lequel il est né et a passé les premières années de sa vie. Aucune œuvre de cette série ne nous est parvenue.
Style et thèmes
Avec beaucoup de temps libre et une totale liberté de création, Le Caravage pouvait choisir n'importe quelle intrigue pour ses œuvres et y réfléchir longuement. Nous savons maintenant avec certitude que le tableau de l'artiste « Un garçon mordu par un lézard » (vers 1954, la galerie nationale, Londres et, deuxième option, la Fondation Longy à Florence) a été créée lors de son séjour chez Monseigneur Pucci. Le tableau était une sorte de réminiscence du célèbre dessin au fusain de Sofonisba Anguissola. Le jeune homme sur la toile est représenté au moment où le lézard le mord, et il retire craintivement sa main. Pour la première fois en peinture, un moment de mouvement a été arraché et enregistré.
Selon Berenson, dans cette œuvre du Caravage il y a un "besoin universel d'innovation, " une volonté de détruire les conventions. Peut-être se cache-t-il aussi ici une allégorie :les épaules nues du garçon et une fleur derrière l'oreille, indiquer que le jeune homme appartient aux classes inférieures romaines - le monde des prostituées et des voleurs, que le Caravage associe à la douleur physique et à la souffrance qui accompagne nécessairement l'amour. Tout au long de la carrière de l'artiste, les images de la souffrance physique étaient inextricablement liées à la souffrance spirituelle et mentale.
Le Caravage a également écrit son célèbre « Joueur de luth » lors de son séjour chez Pucci. Maintenant l'image est dans l'Ermitage, à Saint-Pétersbourg. L'image d'un musicien est très typique des modèles choisis par l'artiste. Il existe une autre version de la toile, il est conservé au Metropolitan Museum of Art, à New York. On y voit le même garçon qui joue, mais nous ne voyons ni fleurs ni fruits à côté de lui.
C'est incroyable la minutie avec laquelle l'artiste écrit des instruments de musique. Le visage rêveur du joueur de luth, la langueur dans son regard, tout suggère que le jeune homme est emporté dans l'imagination dans son monde intérieur profond. Vous pouvez lire une inscription intrigante sur la partition de l'image de l'Ermitage :« Voi sapete chio vato » (« Tu sais que je t'aime »). Je me demande qui a envoyé cette reconnaissance? Dans l'image "Musiciens", le premier plan représente également une partition dépliée pour le public, qui est tenu par un chanteur à moitié nu. Mais voici l'inscription faite de sa main, jusqu'à présent, personne n'a été capable de lire.
Le fait que toutes les œuvres de cette période, Le Caravage n'a été inspiré que par les jeunes hommes (les images féminines sont absentes), suggère également l'orientation non conventionnelle de l'artiste. La première image féminine de son œuvre était le tableau « Madeleine pénitente », peint vers 1596.
On ne sait pas pourquoi le Caravage a quitté la maison de Monseigneur Pucci. Peut-être le prélat avait-il un caractère très lourd. L'artiste apparaît à nouveau dans les rues romaines, privé de moyens de subsistance. Heureusement, le vieil ami du peintre, qui a travaillé avec lui dans l'atelier de Lorenzo Siciliano - l'artiste Antiveduto Gramatica, a abrité les sans-abri et les pauvres du Caravage. La grammaire a connu un certain succès auprès du public, il a donc été fourni avec des commandes régulières.
Mais les malheurs hantaient le pauvre Caravage, il est tombé malade de la fièvre romaine, qui sévissait dans toute la péninsule. Un ami de l'artiste Longo l'a emmené à l'hôpital du couvent de Santa Maria della Consolation, où ils emmenaient ceux qui n'avaient pas les moyens de se payer un traitement. Là, Caravage a été placé au sous-sol, qui était considéré comme un couloir de la mort.
Par hasard, l'artiste a attiré l'attention du prieur de l'hôpital, Espagnol Senor Conteras, un bon ami de Monseigneur Pucci, qui passa et reconnut le Caravage. Conteras a demandé de transférer le peintre en phase terminale dans une autre pièce et a ordonné de ne pas quitter ses infirmières. Cela à lui seul sauva la vie de l'artiste.
Mais les thèmes de la mort et de la maladie, désormais, comme un lointain écho de l'expérience, peut être vu dans plusieurs de ses toiles, par exemple, à l'Assomption de Marie. En remerciement pour son salut, Caravage peint pour les tableaux de Contares, mais, Malheureusement, elles ou ils, comme beaucoup de ses autres œuvres, ne sont pas arrivés à nos jours.
Six mois passés à l'hôpital, la douleur et la peur, les maladies concomitantes ont laissé une marque profonde dans l'âme de l'artiste. C'est alors que le Caravage crée l'une de ses œuvres les plus célèbres, "Malade Bacchus." La figure de Bacchus est représentée en miroir :un bouffi, le visage pâle et les yeux ternes indiquent l'état grave de l'artiste lui-même après la maladie. Dans « Sick Bacchus », nous voyons un dieu qui n'est plus en mesure de profiter des délices de la vie, Profitez-en.
Le tableau a été peint dans l'atelier de l'un des peintres les plus célèbres de Rome, le cavalier Cesare d'Arpino, qui a abrité le Caravage dans sa maison. Cesare d'Arpino n'était pas beaucoup plus âgé que le Caravage lui-même, mais était déjà connu comme un favori de la haute société et a même été adopté à la cour papale. Appartenant à l'une des associations artistiques les plus populaires de la capitale italienne - l'Académie des imprudents (qui comprenait également des poètes comme Batista Laura, futur pape Urbain XVII et Torquato Tasso), d'Arpino préférait le divin au rationnel. En remerciement pour le refuge, Le Caravage devait porter des guirlandes de feuilles et de fleurs pour les fresques de Cesare d'Arpino. À cette occasion, un contrat a même été signé. Peintures murales de contemporains du Caravage reconnues comme parfaites.
Dans la maison de Cesare d'Arpino, le Caravage a rencontré nombre des riches philanthropes de Rome :cardinaux, commerçants, ambassadeurs, ainsi que des artistes célèbres jouissant d'une bonne réputation :Van Dyck, Jan Brueghel et, peut-être, Rubens. Parmi eux se trouvait Valentin, qui avait récemment attiré l'attention d'un jeune artiste français. Il existe une hypothèse selon laquelle plus tard Valentin sortit secrètement de l'atelier de Cesare d'Arpino et vendit plusieurs œuvres du Caravage.
Vers cette époque, le peintre a créé un autre chef-d'œuvre de son cru - "Le jeune homme avec une corbeille de fruits", que le Pape Paul V. a présenté plus tard à son neveu Shipione Borghese. Les deux peintures (ceci et "Malade Bacchus") étaient dans l'atelier du cavalier Cesare d'Arpino 1607 ans. Puis, ils ont été confisqués par les agents du pape Paul V, qui monta sur le trône après le pape Clément VIII, en remboursement de dettes.
N'ayant pas de revenus permanents, Le Caravage s'est tourné vers Valentin pour obtenir de l'aide, et il m'a conseillé d'écrire des peintures religieuses. En effet, la demande pour la peinture d'église était énorme. Le Caravage a accepté l'offre, il a reçu des peintures et des pinceaux, mais au bout d'un moment, il apporta à l'agent un travail non religieux dans son deuxième « Bacchus ».
Sur cette toile, nous voyons le dieu antique sous la forme d'un jeune à la peau épaisse qui est plein de santé, avec des caractéristiques pour de nombreux personnages de l'artiste un peu lourdes depuis des siècles. La tête de Bacchus est ornée d'une traditionnelle couronne de vignes, dans sa main est un verre de vin, et sur la table on voit une carafe à moitié vide. Mais il y a d'autres nuances - des feuilles légèrement fanées dans une couronne, fruits rassis gâtés, qui font réfléchir un spectateur attentif.
Le biographe Caravaggio Giovanni Ballone écrira :« Bacchus avec plusieurs rameaux de raisin peints de différentes couleurs est écrit avec beaucoup de soin, ainsi qu'avec une certaine acuité et sécheresse de manière; ce tableau date de l'époque où le Caravage essayait de vivre de ses propres deniers, vendre ses tableaux. " En 1916, cette oeuvre a été redécouverte par Roberto Longy, qui l'a découvert dans le dépôt de la Galerie des Offices.
Le talent extraordinaire du Caravage a été apprécié avec un retard de 300 ans. On ne sait pas avec certitude si le client a accepté Bacchus ou si l'œuvre n'a jamais été mise en vente; dans tous les cas, sa mise en œuvre ne pouvait aider le maître à résoudre ses problèmes matériels. Valentin, qui croyait au grand talent artistique du Caravage, a persuadé l'artiste d'accepter une commande pour l'exécution d'une œuvre à contenu religieux, mais les têtus, malgré tout, a commencé à travailler sur une nouvelle œuvre - il a écrit The Fortune Teller.
Sur la toile on voit soit une scène de rue, ou l'un des épisodes du théâtre folklorique. Valentine a payé au Caravage ses 30 thalers ! Ensuite, l'œuvre a été offerte par le prince Doria-Pamphili au roi de France Louis XIV et est actuellement conservée au Louvre.
Un examen radiographique de l'œuvre a montré que sous l'image du jeune diseur de bonne aventure, il y a une image antérieure d'une manière proche de Cesare d'Arpino. Peut-être que le Caravage a simplement économisé de l'argent sur la toile. La vulgarité de cette scène a choqué les contemporains de l'artiste, mais c'est elle qui inspira plus tard un autre peintre - le Français Georges de Latour, pour créer une image sous le même nom et sur la même parcelle. Ayant reçu l'argent, Le Caravage s'est immédiatement précipité vers les aventures, combats, et des bagarres, ce qui a forcé la police papale à exercer à nouveau une surveillance stricte de sa vie.
Que s'est-il passé ensuite ? Comment Valentine a-t-il réussi à persuader l'artiste capricieux de revenir sur le droit chemin ? Probablement, dans cette lutte avec le tempérament rebelle du Caravage, il a utilisé le nom de l'un des plus riches collectionneurs d'art de cette période - le cardinal Francesco Maria del Monte. Finalement, le peintre accepte d'écrire pour le cardinal un tableau à thème religieux, qui est devenu le premier dans son travail.
Vrai, l'artiste a posé sa condition :une totale liberté dans le choix d'un sujet. Le Caravage a immédiatement refusé d'écrire les scènes traditionnelles de la crucifixion et du martyre. En tant qu'objet pour l'image, l'artiste a choisi le thème de l'extase, en accord avec à la fois sa manière picturale et son tempérament artistique. Il commence l'œuvre monumentale L'Extase de saint François. Le Caravage reprend avec détermination la création de la toile, s'installer dans le sous-sol de la maison de Valentine afin de terminer au plus vite cette tâche difficile pour lui.
Le travail devait être hautement artistique, œuvre magistrale qui pourrait ouvrir les portes du Caravage aux collections des grands amateurs d'art roman. À la fois, elle l'aurait rendu célèbre et aidé à gagner la faveur des gens riches et autoritaires. Les chercheurs modernes de l'œuvre de l'artiste considèrent l'Extase de saint François comme la première œuvre de maturité du Caravage.
Le génie de l'innovation
L'œuvre « L'Extase de saint François » a suscité beaucoup de controverses et de discussions. L'écrivain Dominic Fernandez voit en elle la naissance d'un véritable baroque. L'intrigue de l'image se déroule sur fond de forêt nocturne. En arrière-plan, Le Caravage a dépeint de simples bergers qui ont allumé un feu. A sa lumière, la figure du saint accompagnant endormi, Frère Léon, se dégage clairement. Saint François révèle des stigmates dans un état d'extase mystique.
Personne avant le Caravage n'a dépeint une scène d'extase religieuse comme celle-ci :un saint se trouve dans les bras d'un ange, dont l'image s'incarne sous la forme d'un jeune homme séduisant, rappelle fortement les modèles préférés du peintre. La figure d'un ange, malgré les ailes derrière elle, ne s'envole pas, mais pour ainsi dire, tombant au sol. Essayer de trouver de nouveaux moyens expressifs et expressifs, l'artiste améliore le jeu de lumière et résout l'ensemble de la composition comme une reconstitution théâtrale, essayant de cette manière d'obtenir non seulement un effet artistique significatif, mais aussi plus de persuasion.
L'extase de saint François a fait son œuvre - a jeté les bases de la renommée du Caravage en tant que peintre religieux. D'autres œuvres monumentales de l'artiste ont suivi, comme La Conversion de Saul de l'église de Santa Maria del Pololo. Cardinal del Monte, apprécier la capacité d'innovation du peintre, invite le Caravage au Palazzo Madama.
Francesco Maria del Monte était l'ambassadeur du duc de Toscane à la cour de Pantifex Maximus. Sa résidence était située dans la Villa Médicis. Le cardinal était un homme très instruit :il savait l'hébreu, Grec ancien et autres langues orientales. Il était un grand fan de musique et de peinture, toujours ouvert aux nouvelles idées. Grâce à ça, Le Caravage lui fit bonne impression, et le cardinal lui a donné la liberté de création et le plein contenu. Habitant le palais de Madama et perçu comme élève du cardinal, Le Caravage est devenu un artiste recherché et célèbre. Vrai, non seulement ils l'admiraient, mais aussi le détestait.
Protégé de toutes les adversités, bien fourni, et peut-être même amoureux, l'artiste a commencé à s'habituer à une vie tranquille. Lequel, cependant, n'a pas affecté la netteté et la netteté de son langage pictural, qui était constamment affiné. Il était absorbé dans la recherche des scènes les plus dramatiques, et incarnant ses idées, il a recouru à une richesse de contrastes, un jeu d'ombre et de lumière, donnant à ses peintures vitalité et force de persuasion.
Pendant ce temps, un changement de siècles approchait. Le maniérisme en tant que mouvement artistique est progressivement tombé en déclin :la Renaissance est devenue histoire. C'était l'époque de l'édit de Nantes, qui a mis fin aux guerres de religion en Europe. La France et l'Italie s'allient :Henri IV épouse Marie Médicis. Michel-Ange Merisi, qui prit désormais le nom de Caravage, à cette époque avait 25 ans.
Etant élève du cardinal, qui a heureusement acquis la plupart de ses œuvres, l'artiste pouvait s'abandonner complètement à l'inspiration - "la fureur du moment". Il a commencé à écrire non seulement religieux, mais aussi des tableaux de genre. La "Madeleine pénitente" du Caravage est étonnamment réelle. D'ailleurs, un modèle de la rue nommé Julia a servi de modèle au peintre. Deux ans plus tard, il a créé le tableau "La Circulation de Madeleine", qui se distingue par une étude encore plus minutieuse de tous les détails.
Dans la maison du cardinal del Monte Caravaggio écrit sa célèbre nature morte "Panier de fruits". Le panier planant au-dessus de la table semble inhabituellement matériel. Avec des fruits frais juteux, le maître le « remplit » de fruits trop mûrs et de feuilles fanées. Cette toile n'a jamais orné la collection de del Monte, le cardinal ne le découvrit que plus tard dans l'atelier de monsieur Cesare d'Arpino, auquel l'artiste lui-même l'a donnée, en compensation de dettes. Plus tard, ils ont oublié la nature morte du Caravage. Jusque récemment, la « Corbeille de fruits » faisait partie de l'école de peinture hollandaise. Seule l'étude scientifique de 1919 menée par Longy a prouvé la paternité du Caravage.
Bientôt, l'artiste a quitté le Palazzo Madama et s'est installé dans la maison du cardinal Maffeo Barberini, qui était l'un des clients de Valentin. Influencé par les conseils et les conseils constants de son ami, Le Caravage se tourne à nouveau vers le développement de sujets religieux, sans perdre la foi dans ses idées et ses principes. L'artiste recherche des situations dramatiques dans l'histoire et dans la vie, les renforce avec la théâtralité des solutions compositionnelles, avec des contrastes extraordinaires de lumière et d'ombre, donnant à ses œuvres un son complètement nouveau.
Les œuvres « Taking Christ into hold » (National Gallery, Dublin, Ireland) et "The Donation of Isaac" sont consacrés à des histoires de l'histoire biblique. Le plus attrayant dans "La Donation d'Isaac" est une haute interprétation humaniste de l'image d'un ange apparaissant à Abraham, portant un poignard sur son fils. L'ange fait signe au bélier, qui devrait être déposé sur l'autel à la place du garçon.
Dans le tableau "Sainte Catherine d'Alexandrie", l'artiste représente à l'arrière-plan une effrayante roue de torture avec des pointes en acier. Caravaggio équilibre magistralement la composition en corrélant les parties sombres et claires. L'oeuvre, qui fut quelque temps dans la collection del Monte, a été vendu par ses héritiers à la famille Barberini, dont il est ensuite tombé dans la collection Thyssen-Bornemisza en 1935.
Le tableau "Jean-Baptiste" appartient à la même période, dont la création a été inspirée par les figures des jeunes nus de Michel-Ange de la chapelle Sixtine. Il écrit aussi une autre Marie-Madeleine, interprété à la manière des maîtres vénitiens (« Conversion de Madeleine »). Sur cette toile, en plus de Madeleine, appuyé sur un grand miroir rond, nous voyons un autre personnage - Marta, qui est introduit par le Caravage. Le modèle de Martha était Filis Melandrone, qui a travaillé avec l'artiste et tout en écrivant Sainte-Catherine.
La demande personnelle insistante du cardinal et sa grande demande de peinture religieuse obligent le peintre à continuer de travailler sur des œuvres sur des thèmes bibliques. Toutes ses œuvres ultérieures ont porté un coup écrasant à la direction fondamentale de l'art européen - le maniérisme.
Bientôt, Le Caravage décide d'écrire une toile sur l'un des pires moments de l'histoire juive décrits dans l'Ancien Testament. Il écrit Judith et Holopherne, où il dépeint le moment où Judith a été coupée au tyran assyrien Holopherne. Le modèle de Judith était également Filis Melandrone. Initialement, l'artiste a dépeint Judith seins nus, mais par la suite, a été obligé de la « couvrir » d'un corsage. Un peu à l'écart de l'héroïne attend une servante âgée. Elle tient volontiers une serviette en lin pour y envelopper la tête de la victime. L'image de la vieille fille a été créée par le Caravage sous l'impression de la "Tête du vieil homme" de Léonard de Vinci.
Le tableau "Le repos pendant la fuite en Egypte" démontre de manière frappante à la fois l'acceptation et le déni des traditions de la peinture religieuse. Les cheveux bruns de la Mère de Dieu contrastent avec les boucles rouge clair de l'Enfant Jésus. Un ange écrit du dos joue du violoncelle; son regard est fixé sur la partition que tient Joseph. L'artiste a dépeint le mari de la Vierge Marie comme étant pieds nus et à la barbe grise, il est assis sur un sac, à côté de laquelle on voit une bouteille de vin à moitié ivre. Servir de toile de fond, le paysage encadre toute la composition. Lui et le motif de fleurs et de feuilles sont stylistiquement proches des peintures de Giorgione, mais, bien sûr, Le Caravage le surpasse par la force de son talent.
La toile "Rest on the Road to Egypt" a été perçue de manière ambiguë par le public et a reçu diverses notes. Cependant, le cardinal a donné au Caravage une nouvelle commande pour peindre le plafond de sa résidence (actuellement, il y a la villa de Boncompany Ludovisi). L'artiste a terminé la commande au milieu des années 1590. Cette fresque est encore la seule œuvre connue du Caravage dans le domaine de la peinture murale. Le peintre démontre l'étonnante habileté de posséder une perspective. Les figures de Jupiter, Neptune et Pluton, représenté par lui dans une fresque, témoignent des capacités extraordinaires de l'artiste de 26 ans. Bien que l'œuvre ait été très favorablement accueillie par les amateurs éclairés d'art, Valentin attendait plus de l'artiste. Il aide le Caravage à conclure un important contrat pour peindre des scènes de la vie de l'apôtre Matthieu de la plus grande église romane de San Luigi dei Francesi.
En vertu de ce contrat, l'artiste a créé deux toiles monumentales - "Le martyre de l'apôtre Matthieu" et "L'appel de l'apôtre Matthieu", qui ornent encore l'église de San Luigi dei Francesi, situés au même endroit où ils ont été identifiés à l'époque de l'artiste. Ils sont la preuve éclatante d'une nouvelle étape dans la vie et l'œuvre du Caravage.
Cet ensemble pittoresque fut le plus grand de tous ceux exécutés dans la vie de l'artiste. Et le résultat de son travail était époustouflant. Les œuvres monumentales écrites par lui, qui reposent sur un regard novateur sur des sujets bibliques, donné lieu à des débats passionnés, à la fois parmi les ecclésiastiques et parmi les connaisseurs d'art. Ce n'est pas surprenant, étant donné qu'au début du XVIIe siècle, les peintures et les fresques des églises étaient à l'honneur et suscitaient un vif intérêt non seulement parmi le clergé, mais aussi chez tous les amoureux de la peinture, tout le monde était donc impatient de voir de nouvelles œuvres de peintres.
L'histoire de cette commande est assez inhabituelle. Cardinal Matteo Contarelli, qui a souhaité dédier la chapelle à saint Matthieu, his heavenly patron, invited painters and sculptors to decorate the church. The work was not yet completed at the time of the death of the cardinal, and the question of their completion was further discussed at numerous church councils. Among the artists involved in the chapel of Contarelli, Girolamo Muziano and the gentleman Cesare d’Arpino, who painted the vaults and ceiling of the church with scenes from the life of the saint, should be noted. He was going to fresco all the walls of the chapel, but for unknown reasons could not continue to work. Its completion was entrusted to Caravaggio. The contract dated June 25, 1599, which was concluded with the artist, has survived. According to him, Caravaggio received a reward of 400 scudos.
En réalité, it is not clear why the choice fell on Caravaggio, and not on other, more famous in those years, Roman masters. Probably, the mediation of the artist’s all-powerful patrons:Cardinal del Monte and the wealthy Genoese philanthropist and aristocrat Vincenzo Giustiniani played a large role here. Of course, the painter was flattered by the honor shown to him, and immediately set to work. But here one problem became clear:Masses regularly served in the chapel of Contarelli, and therefore it was impossible to establish the forests necessary for creating large-format compositions. Caravaggio offered his way out of the situation - he decided to make large-format oil paintings on canvas of 3.40 x 3.24 meters in oil! None of his contemporaries have yet completed orders of this magnitude. After a little thought, the clergy agreed.
The painter did not meet the deadlines stipulated by the contract and submitted his work several months later. He completed the “Martyrdom of the Apostle Matthew” in time for early 1600. Caravaggio repeatedly changed the composition of the canvas in search of the most successful solution. The painter depicted the scene, which took place in the courtyard of the king of Ethiopia, who ordered the execution of St. Matthew, who preached the gospel there. The executioner, holding his sword at the ready, was already bending over the resisting martyr to kill him. An angel extends to the saint a palm branch - the emblem of martyrdom for faith. In the distance stands a young man with a tender face, involuntarily trying to distance himself from the terrible scene that is taking place. The fleeing boy turns away, his face expresses unspeakable horror. In one of the characters of the canvas, Caravaggio himself can be seen as a witness to this crime - a middle-aged man with a beard and an exhausted expression on his face. This is the artist’s third self-portrait.
The painting “Martyrdom of the Apostle Matthew” conquers, first of all, with realistic authenticity, emotional richness and utmost convincingness of images. Hermann Foss writes:“At a time when Caravaggio began to use the lighting method he invented in developing multi-figure compositions, he felt the need to abandon the linear-planar image means used by Zuccaro and Giuseppino. His competitors did not hesitate to make critical judgments. One of the theorists of Roman mannerism, the artist Zuccaro, spoke as follows:“A lot of noise from nothing! I see nothing here but a copy of the Giorgione style! ”
Recognition of talent
The painting “The Calling of the Apostle Matthew”, executed a few months later and set in a chapel next to the composition “Martyrdom”, provided further food for conversation. The artist showed the mystery of “Calling” in the form of a scene from Roman everyday life. Realizing his bold plan, Caravaggio chooses the location of one of the Roman taverns, in which gamblers are usually found. In the original, an episode of the gospel story takes place in a room that meets modern customs. After all, it is about the main tax collector, the chief tax collector who controls the collection of taxes.
In the canvas, light falls from above and illuminates only the right side of the room. The only window is tightly closed and appears walled up. The painter depicted a situation completely unsuitable for performing the sacrament of conversion, cependant, it is here that Jesus appears. Entering, he points with his hand to the chosen tax collector, and this gesture is somewhat reminiscent of the movement of the hand of the god of hosts, from the fresco "Creation of the World" by Michelangelo.
Finalement, Caravaggio becomes famous. He convincingly proved that in painting a harmonious combination of the divine with the everyday is possible. Jesus’ appearance in the tax collection office, shown on his canvas, does not look blasphemous. True, this innovation in church painting caused endless debate. Nevertheless, the executors of the will of Cardinal Contarelli were satisfied and immediately instructed the artist to fulfill the central image for the church altar. The motive of the last image was determined in advance - the Apostle Matthew and the angel. The painter on time presented the work to customers, but it was rejected due to the fact that Caravaggio endowed the image of the saint with the characteristic features of a simple peasant, depicting him bearded, bald, with bare and dirty legs.
Under the pressure of the clergy, Caravaggio presents the second version of the picture, with a completely different interpretation of the plot. In the second version of the work, the painter refuses to demonstrate the emotional closeness between the apostle and something an angel whispering in his ear. The altar image of St. Matthew, created by Caravaggio, can still be seen today in the chapel of the church of San Luigi dei Francesi. The artistic ensemble of three monumental canvases for a long time remained in the darkness of the basement of the chapel of Contarelli in complete oblivion, until he was "revived" from oblivion by Roberto Longa. The first show of these works took place in 1922 at an exhibition organized in Florence.
These sensational paintings brought Caravaggio unprecedented success. He immediately received a new order. Now the artist had to do work on a religious theme for another chapel, standing on the most beautiful square of Rome - Cherazi in the church of Santa Maria del Popolo. The chapel, located to the left of the altar, was bought by the Cherazi family for the family tomb.
It was 1601, Caravaggio finally had students, one of whom, Giovanni, even moved to his teacher, in the basement of the Palazzo del Monte. The artist, meanwhile, was completing the Assumption of Mary painting for the chapel of Cherubini in the church of Santa Maria della Scala in Trastevere, commissioned by the mendicant Carmelite monks with the direct mediation of Marquis Giustiniani.
The canvas "Assumption of Mary" was to become the largest in the altar of the chapel. The composition of the picture shows us the dying Mary. Her room is poor, the whole wretched environment consists of a towering bed, a chair and a washing vessel. The deathbed is covered by a large red curtain that hangs directly from the ceiling beam. Longy notes:“The picture tells us what the death of a woman from the common people looks like… The pain of everyone standing by the bed is impressive and receives unlimited power of influence thanks to a stream of light that fights shadows, falling from the left and illuminating the flickering flaming colors from the inside. The sorrow and shock of those present, expressively emphasized by the lighting, seem infinitely huge, inexhaustible. "
Not surprisingly, the Carmelite monks rejected the picture. It was not without rumors. Did the artist not invite a woman of easy virtue as a model for the main character? Caravaggio depicted the body of the deceased Maria in such a way that everything indicated a severe illness. Even the foreground image of a bowl of vinegar water, designed to wash the dead, was itself blasphemy and alerted the church. It should be recalled that a year earlier in Rome, Giordano Bruno, who rejected religious dogmatism, was burnt at the stake of the Inquisition.
The Assumption of Mary product did not find a buyer for a long time, until the Mantuan Duke of Vincenzo Gonzaga purchased it for his own collection on the advice of Rubens. Rubens was delighted with the courage and power of Caravaggio’s painting, his skill in transmitting light and shadow. The Assumption of Mary work, like most of the duke’s collection, was sold to Charles I in England in 1628. For some time after the death of the king, the painting belonged to a Paris banker, then it was acquired by Louis XIV.
Au cours de cette période, Caravaggio again begins to meet with his friends from poor neighborhoods, and does not at all try to conclude a profitable contract with the church of Santa Maria del Popolo, which Valentine is very worried about. Nevertheless, the painter agrees to write a monumental painting for the wealthy banker Marquis Giustiniani - “Crowning with a crown of thorns”. The original version of the picture, which was long considered a copy, was identified only in 1974, it is in the Prato Art Gallery.
In addition to her, the master, for an incredibly short time, writes another large-sized work - “The Position in the Coffin”, which is now in the Vatican. In this work, his extraordinary vision of light and shadow and his talent for working with “revived” colors were surprisingly manifested. The painting was Caravaggio’s only work on a religious theme, without delay and positively received by customers from the church of Santa Maria in Vallicella, speaking on behalf of Monsignor Vitrici. Plus tard, Rubens made a copy of this work, slightly changing the composition.
Soon, an important contract with the church of Santa Maria del Popolo for 400 scudos, with the direct assistance of Valentine, was concluded. This money allowed Caravaggio to pay off debts and gain some independence. Initially, according to the contract, the artist was supposed to write paired works of small format, executed on cypress boards, cependant, in the end, Caravaggio painted them on canvas with oil paints. The plots were proposed by Senor Cherazi:“The Crucifixion of the Apostle Peter” and “The Conversion of Saul”. Most likely, the painter enthusiastically fulfilled this order, which was classical in every respect.
Nevertheless, the clergy strongly rejected the first version of the paintings created by the artist, which gave rise to the creation of their second versions. The original version of the painting “The Crucifixion of the Apostle Peter” is in the Hermitage, in St. Petersburg, while the first version of the “Conversion of Saul” is lost. The second version of The Crucifixion was created with such utter realism and so convincing that the Carmelite monks accepted it with fear. Caravaggio portrays executioners who are trying to raise a large cross with the saints nailed to it. The artist painted the apostle Peter with a sitter, who posed for him for the painting "Rest on the Flight into Egypt" and paintings located in San Luigi Lei Francesi. The "Crucifixion of the Apostle Peter" was accepted by customers, although with some discontent.
The painting “The Appeal of Saul” was twice rejected by the monks before it was placed in the chapel of Cherazi. The fact was that such an interpretation of the biblical plot, as in the painting “Assumption of Mary, ” was an unthinkable provocation. It is enough to note that almost the entire space of the canvas is reserved for the image of the horse. One of the prelates of the church of Santa Maria del Popolo stubbornly disputed this artistic decision with Caravaggio himself. A church servant recorded this conversation for the story:“Why is the horse in the middle, and does the Apostle Saul lie on the ground?” - “So it is necessary!” - “Should this horse replace God?” - “No, but it stands in the light of God.”
Berneson notes that "… Caravaggio anticipates something from the sculptors of our time…". Roberto Longi believes that both canvases from the church of Santa Maria del Popolo are vivid proof of the artistic genius of the master. “Caravaggio’s experiments in the field of painting finally allowed him to apply the reduction of deep shadows, and this, bien sûr, increased the impact of his tragic and courageous realism… Caravaggio completely changes the traditional iconography. Perhaps this is the most revolutionary picture in the history of religious art, which helped to make an important turning point in the colossal spiritual development of society, ”he writes. Anthony Blunt is more concise, but argues that it was this painting by Caravaggio that inspired Georges de Latour to create the painting "St. Joseph the Carpenter."
Due to being late with the execution of the order, Caravaggio was fined 100 scudos. Works from Santa Maria, as well as paintings from San Luigi, were gradually forgotten. One of the reasons for this was the too high placement of paintings in the premises of the church. Both the "Conversion of Saul" and the "Crucifixion of the Apostle Peter" were located in partial shade under the ceiling, so that it was almost impossible to make out. Only in the 20th century did their rebirth take place.
The artist was very sensitive to criticism. Absorbed in indignation and resentment, he plunges headlong into a wild life. For months, Valentine had not heard anything about him. And Caravaggio wandered around the outskirts of Rome with a young groom named Benedetto and his friend Lionello Spada. However, Valentine still managed to get on his trail. Having sought out the painter, he suggested that he create a series of paintings on famous mythological subjects. So the paintings “Narcissus” and “Cupid the Victor” (1603) were born.
The canvases put up for sale provoked extremely hostile criticism from art dealers, who considered them indecent. Perhaps the model for the figure of Amur, depicted by the painter as a very earthly, playful child, was the groom Benedicto. Armed with arrows, the little boy, unashamedly, taunts the symbols of love, art, power and power. The work has a meaningful inscription:Amor vinciti omnia ("Love conquers all"). En outre, there were rumors that Amur the Conqueror was created as a parody of Michelangelo’s famous Victory statue in the Vecchio Palace in Florence. Others saw in it a hint of the image of St. Bartholomew from the fresco "The Last Judgment" of the Sistine Chapel. Of course, Caravaggio laid bare the homosexual theme in the work of his great predecessor.
Spoiled reputation
The period from 1602 to 1606 was filled not only with creativity, but also with adventurous adventures, constant clashes with the servants of the law, and the payment of countless fines. Par exemple, a certain Girolamo Spampa painter wounded with a sword for offensive reviews of his works. A little later, he was accused of composing and publishing defamatory verses about the painter and his future biographer Ballon. This happened just when the artist finished the work of Ascension for the Roman Church del Gesu. Puis, for the composition of the sensational libelous libel (which was not forgiven in Rome), the painter was sent to Torre di Nona prison, even there managing to behave in a bad way. The statements of Caravaggio, replete with insolence, lies and slander, did not contribute in any way to the indulgence of the judges.
If it were not for the intercession of two, or even three cardinals and the Marquis Giustiniani, Caravaggio would inevitably have received a long prison term, given the many previous convictions. But the artist repented, promised not to commit any more unseemly acts, and even asked for forgiveness from Ballon, after which he was released. So he had the opportunity to finish the work "David with the Head of Goliath." In it, the artist freed himself from the influence of mannerism and gave a completely new interpretation of space and light. Three years later, Caravaggio wrote another version of this canvas. Soon he signed a contract for the creation of the monumental work "Madonna di Loreto", for the chapel of Cavaletti in the Roman church of Sant Agostino. The artist set to work, but this work did not bring him happiness. Despite the warningsCaravaggio invites him to pose for a prostitute from Piazza Navona named Helen.
The former notary public, Mariano Pascvalone, openly expressed his indignation at this fact. This or something else caused a strong conflict between the painter and the notary, which ended up with the bloodied Pascvalone appearing in the courtyard and explaining that he was beaten up by the artist Caravaggio in front of the palace of the Spanish ambassador. The scandalous and criminally punished incident forced Caravaggio to urgently leave Rome.
He travels to Genoa in 1604 and receives the patronage of the Duke Marzio Colonna, who was his protector since his studies in Milan. There, Caravaggio receives an offer from Prince Marcantonio Doria, who wished that the artist painted his residence in frescoes. But the painter refuses a lucrative contract. Now in the gallery of the Palazzo Bianchi is Caravaggio’s work “The Man” (Ecce Homo, 1606), lequel, perhaps, was written precisely at this artist’s visit to Genoa. True, this is not proven.
Suddenly, the notary Mariano Pascvalone withdraws his complaint against Caravaggio and the artist returns to Rome. There he ends the Madonna di Loreto. On this incredibly popular painting Virgin Mary is depicted “floating in the sky” inside the space of the altar. The artist decides to present her in a simple peasant guise at the moment when she meets two barefoot, dirty pilgrims with touching meekness and reverence. The face of the Madonna is filled with infinite modesty, and the Baby Jesus, whom she holds in her hands, looks at the elders with a mixed sense of curiosity and anxiety. The interpretation of the pilgrim images is especially impressive in the work.
The picture, as always, caused a lot of controversy and endless discussions, during which the painter appeared both new fans and new irreconcilable enemies. The priests of the church of Sant Agostino could not decide to accept the work and, therefore, pay for the contract of Caravaggio. A letter from one clergyman is preserved in the state archive of the city of Modena, where he describes the artist’s problems with justice and his trial in the judicial curia.
Soon a new incident occurred, lequel, bien sûr, only exacerbated the situation of the painter. At a fun meal in Albergo del Moro, the boy-waiter indiscreetly and casually served Caravaggio, and he threw a plate of artichokes into it. This led to a brawl and the troublemaker was arrested. The artist again appeared in the court yard, which he left only thanks to his patrons. Trying to somehow rehabilitate himself and justify himself, Caravaggio takes an order for two canvases:"St. Francis with a Skull" and "Writing Jerome", intended for the church of Capuchin monks.
Around the same period, the work “Christ in the Olive Grove”, destroyed in 1945 during the bombing of Berlin, dates back. We can only see copies of it now. During the same years, Longo dates “John the Baptist” from the Borghese Gallery and another version of the painting “Christ at Emmaus”, which is now in the Pinacoteca di Brera in Milan.
This period was the most fruitful for all the time Caravaggio was in Rome. In the second version of the painting “Christ at Emmaus”, the artist achieves supreme mastery in the compositional construction of the picture, in which the figures of five biblical characters fill almost the entire space of the canvas.
The patronage of the Duke of Colonna helped make Caravaggio’s orders increasingly numerous. Now, his creative genius could be fully revealed, and the award to the artist was not long in coming. Despite the painter’s notoriety, Cardinal Shipione Borghese’s nephew received permission from Pope Paul V himself to entrust Caravaggio with the execution of the image of the Madonna for St. Peter’s Basilica.
Absolutely all the Roman painters of that time dreamed of working in this largest cathedral in the world. According to the terms of the contract, it was necessary to decorate the most important altar of the Palafrenieri chapel, one of the most notable families of Italy, which included Pope Paul V. The commission of the cardinals from the church council specifically Caravaggio was an excellent opportunity for the artist to completely restore the damaged reputation and establish his position as one of the best painters of Rome, and all of Italy.
Mais, as always, Caravaggio’s obstinacy ruined everything. Despite the advice and warnings, the artist again invites street model Helen as a model. He fulfills the order unusually quickly - all work on the canvas was completed in just three days, after which it was presented to the public.
It was an indescribable collapse of all the ambitions and hopes of the painter. Never before had Caravaggio been able to advance so much in a realistic interpretation of the gospel story and the vitality of the images. As might be expected, most of the public considered the work monstrously vulgar. The Madonna Palafrenieri was categorically rejected by the clergy, and the doors that could open the artist the path to fame and fortune were closed forever. “We do not see anything in this picture except vulgarity, sacrilege, lack of divinity and beauty, ” wrote one of the secretaries of the Cardinals Council. Puis, like his rivals:cavalier Cesare d’Arpino, Pomerancho, Passignano and Giovanni Ballone and others, actively climbed to the top of fame - the Academy of Saint Luke herself, on the way being awarded the honor of receiving a knight’s cross, Caravaggio forever lost the opportunity to be recognized by high society and papal authority.
The painter again goes into all seriouss and soon again finds himself in Torre di Nona prison. Now we are talking about a more serious crime. One of the papal guards was found dead, watching the artist at night - someone broke his head with a stone. The painter tried to prove his innocence:he assured that the stone accidentally fell off the roof just at the moment when this man passed there. But the court rejected this version, and Caravaggio was imprisoned.
The artist was shackled and interrogated for a long time, he was even sentenced to beating with sticks. Perhaps this suffering Caravaggio then reflected on the canvas "Flagellation of Christ", which he will write later in Naples. Friends feared for his life and saw his salvation only in flight.
Caravaggio’s escape from prison was a success, but now he has been blacklisted by the papal police. Neither the artist himself, nor his friends, had any idea how to get rid of the persecution. But the most regrettable is the fact that the artist did not want to learn from his mistakes.
In the harbor of Ripetta on the banks of the Tiber River, Caravaggio again resumed his adventures and fights, periodically hiding in the Palazzo Colonna. May 29, 1606, during a ball game on the Field of Mars, the artist accused Ranuccio Tomassoni of deceiving his partner. This led to a fight. Weapons were launched, as a result, Tomassoni fell dead. The painter was also wounded, but managed to escape.
After this scandal, his friends were detained, and he himself was sentenced to death. À ce moment-là, such a sentence meant that every law enforcement officer, anywhere and anytime, upon detection of a fugitive, could execute the sentence.
Caravaggio cried out for help to his patrons, but they were already tired of the endless requests of the artist, who did not want to behave prudently. Weak and sick, the painter had to hide again. He wanted to take refuge in the lands of the Column or in Lacy located outside the Roman limits.
At the age of 35, the painter enters the last period of his life. Rome never promised him wealth, cependant, but provided him with the means of subsistence sufficient for the development of his genius. Caravaggio never returned to the Eternal City. Although every minute he hoped for a return, hiding in a secret shelter. The fugitive, poisoned by illness, hatred and the threat of death, begins to write his masterpieces at an incredible, “inhuman” pace. His latest works are filled with passion, grandeur and strength.
Balancing on the brink
Having fled from Rome in May 1606, Caravaggio, who had the glory of one of the best painters of the Eternal City, did not expect pardon, so he preferred to move away from the papal detectives. Without hesitation, he headed to Naples - a large, densely populated city, literally glowing with new ideas, artistic movements and revolutionary spirit.
Here, the artist almost immediately receives an order from a wealthy Ragus merchant. Caravaggio creates a large altar image “Madonna with the rosary” for the altar of the Dominican church, which has a second name - “Madonna del Rosario”. This canvas marked the beginning of a new stage in his work.
The finished work caused a conflict between the artist and the Dominican monks, who recognized themselves in the characters depicted on the canvas. This contradicted the traditional concept of religious painting. The painter uses sharp contrasts of chiaroscuro for emphasized volumetric, very material transmission of forms, while the pictorial techniques themselves indicate the artist’s return to his early style of writing.
Par conséquent, the painting was bought by the painter Louis Finsonius from Bruges. He sent her to Antwerp, where the art association, which included Rubens, Van Balen and Jan Brueghel, acquired it for the Dominican Cathedral for 1800 guilders. In 1781, Joseph II, king of Austria-Hungary, bought it from the monks, having come in complete admiration.
The new order, soon received by Caravaggio, was also not appreciated by the customer. This time, the artist was supposed to write a canvas for the church of Pio Monte della Misericordia. The customer was the head of the city curia. The painter was instructed to create the monumental trans-altar image “Seven Works of Mercy”.
The master decides to combine seven episodes described in the Gospel of Matthew in one canvas. The painting, like the Madonna del Rosario, is distinguished by a Neapolitan style, which was especially pronounced in the character of the characters and the composition. Rich and poor, plebeians and nobles are united in one night scene. A simple woman from the people at the door of the prison breastfeeds the old man:“for I was hungry, and you gave me something to eat” (“Gospel of Matthew”). Nearby, a thin gentleman takes a sword to cut off a piece of cloth from his cloak and cover him with a beggar. The owner of an overnight stay gives a thirsty person a drink, and the latter, like Samson, uses a donkey’s jaw instead of a bowl. Another character in the picture meets the emaciated wanderer and sacrifices his traveling clothing to him. And the last act of mercy captured by Caravaggio is the burial of the deceased.The deceased is carried out from around the corner of the house, a wall hides part of his body.
Opinions of both contemporaries of the artist and critics of our century differ. Someone considers the picture grotesque, someone sees in it the “last flash” of the genius of Caravaggio. But one thing is obvious, this is an unusually highly artistic, masterful work, which had an undeniable influence on Rembrandt, Velazquez and Franz Hals. Ribera directly borrowed from Caravaggio the figures of the wanderer and the host of the inn, for his painting “Five Senses”.
For an eight-month stay in Naples, the artist created two versions of the painting “The Flagellation of Christ”, which became the artistic embodiment of the torture experienced by Caravaggio in Rome. Mina Gregory writes of the first version:"Darkness emphasizes the inner strength of Christ." The scientist Roberto Longi considers this work one of the most amazing in Caravaggio:"Cruelty, ruthlessness, atrocities and infinite fear of God are in conflict with each other."
On both versions of the picture we see the same faces of the tormentors, which suggests the personal vengeance of the artist to the guards of the prison in which he was imprisoned. For several months, the persecuted criminal Caravaggio became the most fruitfully working and famous artist of Naples. However, he suddenly leaves the city and heads for Malta.
The reasons for this are unknown. Perhaps Caravaggio found out about papal spies, or maybe decided to become an honorary knight of the Order of Malta. In July 1607, the artist sailed on a ship to La Valletta, the capital of the Knights of St. John of Jerusalem, the noble defenders of the Christian faith from Maghreb pirates and Islam. The Maltese period of Caravaggio’s work was remarkable for its unprecedented fertility. The painter spent less than six months on the island, but all this time, he wrote at an incredible pace, creating a number of works on genre and religious themes. The paintings of this period were very different from everything created by Caravaggio earlier. So much so that for a long time, these canvases were attributed to other authors.
As soon as he arrived in Malta, the artist received an offer to write Jerome for one of the chapels of the Cathedral of San Giovanni dei Cavalieri. The work was incredibly liked by the great master of the order - Alofude Vinyakur. He immediately offers Caravaggio to create the monumental painting “The Beheading of the Head of John the Baptist”.
The canvas "The Beheading of the Head of John the Baptist" has received widespread recognition. Artists from all over Europe specially came to see him. The picture is dominated by light and empty space, the viewer almost physically feels the last convulsions of the body of a decapitated martyr, spread out on the floor with his hands chained behind his back. The executioner seemed to have just raised his sword. Salome holds the cup to receive the head of John. An old woman resembling Magda from Caravaggio’s work “Christ at Emmaus” clutched her head in utter despair. Two prisoners are watching through what is happening in their cell. Pietro Ambrodzhiani writes:"The idea itself is born that the artist conveyed his personal memories in this picture." On the original frame of the work is the coat of arms of Alof de Vignacour.
The painting “The Beheading of the Head of John the Baptist” was the only work signed by Caravaggio. The artist’s autograph can be seen in the bloody trail from the head of the martyr. Perhaps this painter equates himself to the victim. The letter “F” in front of his name means “fra” (“brother”), which means that Caravaggio was already included in the Order of Malta at the end of the painting.
The Grand Master instructs Caravaggio to paint his portrait. The artist willingly began work on "Portrait of Alof de Vignacour". But the painter’s restless disposition did not give him rest. He could not resist making a note of sarcasm, scandal and life itself in a solemn and pathos canvas.
Next to the terrifying look of a knight in archaic armament, Caravaggio portrays a beautiful page carrying a train of his master. The work, revolutionary in terms of its influence, really shocked the church environment. The image of a knight vowing celibacy and his attractive page with a provocative look was incredibly famous.
From this picture he made drawings in his Delacroix albums. Manet also turned to this work while working on the painting “The Child with the Ball” (Metropolitan Museum of Art, New York). Louis XIV bought the “Portrait of Alof de Vignacour” in 1670 for 14, 000 livres. Of course, the picture became the occasion for another scandal.
À la fois, Caravaggio creates his “Sleeping Cupid”, the artistic image of which resembles a child in the “Madonna Palafrenieri”, but this time it is written more modestly:the penumbra hides its floor. These two works again brought to the painter the wrath of those in power. Soon, the convert “Honorary Knight” was captured, beaten and imprisoned by Sant’Angelo.
The indictment has not been preserved in the archives of the order, but there is other evidence that the "brother of Michelangelo" was convicted in an attempt to seduce the young son of the minister or inspector of the order. The fact that the sentence disappeared may indicate that the clergy tried to hide it. Righteous knights were overcome by anger. In a different version, the artist became a victim of a conspiracy of the brothers of the order, outraged by his “inappropriate” work “Sleeping Cupid”. All this taken together was the reason for the exclusion of the painter from the order “as a spoiled and dishonoring brother”.
Caravaggio managed to escape from prison and move to the island of Sicily. For some time, the painter remained in Syracuse, where he created the painting "Burial of Saint Lucia" for the local church. This was his first order in Sicily.
And here, Caravaggio’s artistic
